Art Aborigène : sur les pas d'une collection (BROCARD II)

Inititiation et inventeur dans l'art contemporain

2012-01-02T00:18:00.010+01:00

©Nora Wompi, Kunawarritji, 2009. Acrylic on linen, 150 x 100cm
Collection privée Brocard II

Puis-je vous révéler que l'art contemporain ne m'attirait pas du tout il y a encore quelques années. Je le trouvais dénué de sens, tremplin de son propre vide, expression d'un mal être d'enfant gâté.

J'étais totalement hermétique aux messages de nos artistes occidentaux. Certaines oeuvres pouvaient certes m'interpeller, susciter des questions, ou me dégoûter. Je n'étais pas dans l'indifférence mais peut-être plus dans le rejet.

Dans notre famille, nous avions été dans l'histoire des grands collectionneurs en France ou en Russie. Enfants nous avions été confrontrés en partie à de belles choses. Mais dans l'un comme dans l'autre, ces initiations ne furent fondées que sur un terreau bien classique : primitifs flamands, art du XVIIe ou du XVIIIe siècle. Nos anciens ne s'intéressaient pas à l'art de leurs contemporains. Un peu comme la majorité des amateurs, ils avaient peut-être besoin du "blanc seing" des institutions et musées pour s'aventurer vers certains artistes. Cela ne les empêchaient pas d'avoir du goût, de prendre des risques, de redécouvrir des talents oubliés comme Georges de La Tour, ou de partager leurs aventures de collectionneurs avec le plus grand nombre dans des expos au Goum sur la Place Rouge. Cependant ils n'étaient pas tout à fait des aventuriers dans le domaine de l'art, à l'écoute des mouvements de leurs époques, et se faisaient conseiller par de grands marchants.

Je ne peux envisager de comparaison. Ma démarche modeste, à une tout autre époque fut cependant totalement différente. Je crois que j'ai découvert l'art en partant d'un socle de base. Non pas au travers d'une étude académique, mais de façon inconsciente en suivant mon intérêt pour l'histoire humaine.
En fait, j'ai entamé mon périple dans le monde de l'art en débutant par l'âge de la pierre taillée.

Ce fut l'époque où je traversais chaque année une petite partie différente du Sahara à la recherche de pierres taillées, de meules polies, trouvant dans certaines pièces bien autre chose qu'un simple rôle utilitaire. Il y avait dans des couteaux et flêches en silex un talent indéniable et une recherche esthétique dans l'inclusion de certains défauts au coeur de la construction. Le sens utilitaire et plastique de l'outil m'émouvait. Je passais dans le creux des dunes à la recherche de ces vestiges, sésame vers mes premiers pas dans l'art.

Puis je me suis interessé aux peintures rupestres dans les grottes et sur les falaises dans le lointain paléolithique ou aux derniers âges du néolithique. Les effets de mouvements, les mariages des formes de la roche avec les muscles ou postures des animaux, les teintes vivantes... tout cela me rendait fou de joie à chaque découverte.

Mon fil rouge fut le chemin sinueux de l'humanité et de la naissance de l'art. Tout se trouvait presque en place pour que je sois disposé à appréhender l'art aborigène. Il répondait en écho à ces nomades du Sahara, à quelques millénaires de distance mais dans une similaire communauté de pensée. Je ressentais une réelle vibration dans ce langage pictural, spirituel, des premiers hommes modernes ayant quitté l'Afrique il y a 80 000 ans.

L'influence du désert me conduisit à sélectionner des toiles avec des teintes naturelles ou proches de celles de la terre. Ainsi sans m'en rendre compte je suivais la dynamique du mouvement d'art aborigène à Papunya. Puis j'osais aller plus loin vers des compositions plus audacieuses offrant les délicieuses nuances de l'acrylique à Utopia, puis ensuite à Bidyadanga, avant d'aborder d'autres communautés.

Dans cette démarche de collection il est souvent nécessaire d'acquérir des oeuvres bien au-delà de ses moyens dans une sorte de petite folie nourrissière. Je me rends compte sept ans plus tard, que les artistes aborigènes m'ont porté et accompagné sur les routes du monde de l'art. Chaque peintre rencontré à travers les toiles a changé mon regard, ma perception des couleurs, mon appréhension sensible d'un monde nouveau.

Hier je n'arrivais pas à rentrer en communion avec l'art contemporain. Finalement après toutes ces années je dois reconnaître que c'est l'art aborigène, qui m'a ouvert les yeux.
L'élan créatif des artistes, leur sens inné de la composition, l'audace investie dans les formes traditionnelles et les choix des couleurs, m'invitèrent dans le monde artistique contemporain. Il fut mon passeport, ma lettre d'introduction.

Il ne convenait plus d'établir un dialogue entre art aborigène et art contemporain.
L'art aborigène devenait pour moi un inventeur d'art contemporain, au même titre que les inventeurs de trésors. Il me servit de porte d'entrée pour comprendre et aimer nos artistes occidentaux. Il devenait fer de lance, presque "manifeste" dans mes rencontres artistiques.

De la pierre taillée aux créations acryliques, mon chemin fut long et j'espère qu'il n'est point terminée, même si la crise jette quelques ombres sur les prochains mois ou années.

Dans la toile présentée ci-dessus, j'aimerais revenir sur le beau témoignage artistique de l'artiste Nora Wompi, tout à fait unique sur sa culture et la philosophie de ses pères et mères, itinérant du désert autour du site "Well 33" sur le route de "Canning Stock". Un autre toile plus récente de l'artiste fut présenté ici sur le site.

Conférence sur l'art aborigène "Des origines du mouvement à la création contemporaine"

2011-12-19T17:35:00.006+01:00

Conférence sur l'art aborigène "Des origines du mouvement à la création contemporaine"

le 21 novembre 2011, Bruxelles

Sur une île continent, les centaines de communautés aborigènes et autant d'artistes, peuvent dérouter l'amateur d'art.
Les matériaux sont légion : toiles acryliques, écorces peintes, paniers, sculpture, objets totémiques ou usuels.
Les palettes de couleurs restent infinies, des nuances multiples de l'acrylique aux codifications sacrées et plus restreintes des ocres ou kaolins.

Se retrouver dans ce dédale devient presque un challenge. Que chercher, vers quoi porter son attention, quel fil rouge utiliser ? Ces questions taraudent souvent les curieux en art aborigène.

Avec quelques amateurs d'art, cela nous donna l'idée d'inviter Georges Petitjean, conservateur du Musée d'Art Aborigène d'Utrecht, pour une conférence à Bruxelles le 21 novembre dernier sur "des origines du mouvement à la création contemporaine".

Son approche du mouvement artistique fut tout à fait originale, à la fois scientifique et esthétique, dans une invitation à la découverte de ce monde selon trois dimensions : l'espace, le temps, la spiritualité aborigène.

Durant près de deux heures, il nous a accompagnés pas à pas sur la carte de l'Australie, à la rencontre de chaque communauté.
Le foisonnement des styles artistiques, la complexité des œuvres prirent tout à coup plus de sens, juxtaposés aux paysages, dans la matrice spatio-temporelle qui les a vus naître.

Cela me faisait également un peu penser au magnifique livre de la collection Laverty, où des photos incroyables de paysage dialoguent avec des peintures.

Entre nomadisme dans le plus simple appareil il y a à peine 50 ans, et la richesse créative d'aujourd'hui, il prit le temps de décortiquer avec nous quelques peintures et de souligner le caractère presque figuratif de certains œuvres perçues de prime abord comme abstraites.

Aux questions portées sur le caractère contemporain du mouvement artistique, il offrit l'angle singulier des toiles qui isolent, démultiplient et extrapolent certains motifs aborigènes puissants, et donnent ainsi un effet nouveau de vibration, d'ondulation, de profondeur.

Un autre langage artistique prend forme, se détache de la tradition, introduit une rupture dans la continuité.
Ce fut à nouveau un grand moment de partage et d'échanges autour de l'art aborigène.

BE MY GUEST. 10 encounters with Aboriginal art

2011-11-18T17:05:00.009+01:00

AAMU - Exhibition Be my Guest

Le conservateur du musée d'art aborigène d'Utrecht dispose d'un fil rouge, d'une sorte de leitmotiv incarné à chaque exposition : changer votre regard sur l'art aborigène, établir un dialogue avec l'art contemporain...

Cette signature entre art nomade et art contemporain s'exprime souvent avec audace et offre des jeux de correspondance entre différentes cultures.

Pour cette exposition "Be my Guest : 10 rencontres avec l'art Aborigène", des artistes occidentaux ont été invités par Georges Petitjean, à former un couple en sélectionnant une oeuvre dans chaque culture, et à partager leurs émotions et choix artistiques.

Le dialogue fonctionne, nourrit la rencontre entre ces deux univers, les rapprochent.

Néanmoins, il faut l'avouer, les sélections des artistes ne sont pas toujours évidentes. On reste certaines fois un peu sur sa faim. La découverte est exigeante.

Cependant, dans certaines pièces, comme sur cette photo sélectionnée, l'émotion passe.

Cet enfant de Papouasie, seul, au ventre gonflé peut-être gonflé par les carences, la peau blessée, le tee shirt tailladé suggère l'exigence de la vie nomade, les scarification rituelles, sur cette terre des origines toujours en mouvement.

Dans la pièce, sa présence s'incarne à travers le vêtement rapporté, disposé sur un buste en face de la photo grandeur nature. L'oeuvre d'art est complète et comprend dans son intégralité la photo y compris le mannequin.

Sur la droite une grande peinture de l'artiste aborigène Sally Gabori, -très recherchée actuellement, dont les toiles s'envolent de plus en plus-, répond aux stigmates du corps et du vêtement par un tableau hachuré des mêmes diagonales. La couleur est rouge comme celle de la terre du désert et du sang versé par le peuple aborigène. La combinaison du noir, du rouge et du blanc, souligne trois univers comme le peau en surface, la chair intérieure, les lacs salés en sous-sols qui répondent à la plage de la photo.

Comme sur beaucoup de peintures de l'artiste, derrière la simplicité des formes, nous sommes invités à visiter plusieurs dimensions, cachées, profondes, physiques comme spirituelles, où l'ensemble brut offre un tout harmonieux et puissant.

Dans cette exposition, une sorte de créativité fertile et poétique se tisse entre les objets exposés.

A ne pas manquer :

AAMU - 27 May 2011 - 8 Januari 2012: BE MY GUEST. 10 encounters

Faire un choix : art contemporain aborigène

2011-10-25T19:57:00.007+01:00

Tjukurla Pirni 2010 by Carol Maayatja Golding.

762mm x 1524mm: acrylic on canvas
© Painting copyright the artist.
Collection Brocard II

Certaines fois, je dois l'avouer j'hésite. Pour cette belle toile de l'artiste Carol Maayatja Golding, mon cœur balançait entre deux univers. Le choix s'avérait bien difficile entre une oeuvre poétique d'un côté et une autre création plus historique et topographique.
Les deux toiles de l'artiste étaient radicalement différentes, bien que juste distantes d'une année. La toile ci-dessus, avait été sélectionnée par le grand jury du 27th Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award. L'autre "plus facile d'accès" captait et séduisait le regard, d'une façon presque entêtante.
J'étais vraiment un peu égaré pour faire un choix éclairé...

Une logique d'investissement commandait de prendre un peu plus celle du grand prix Aborigène alors que mon enthousiasme et mon intuition m'invitait tout à fait ailleurs. La surprime à envisager pour une toile déjà présentée dans de grandes expositions s'élevait à près de 30%. La raison pouvait conduire à laisser parler son cœur et à ne point sombrer aux sirènes du marché. (L'artiste avait déjà été sélectionnée au 24th Telstra NATSIAA et entre temps restait toujours sous les feux de la rampe également en 2011 au 28th Telstra NATSIAA : http://www.nt.gov.au/nreta/museums/exhibitions/natsiaa ).

Presque une semaine plus tard, j'hésitais toujours, ce qui m'arrive bien peu dans ce monde toujours en accélération. Je décidais alors de considérer la toile au-delà de la représentation picturale, pour rentrer dans son histoire, sur le chemin créatif de l'artiste.
Comme pour beaucoup de toiles aborigènes, l'expression du peintre sur son œuvre est plus que sommaire. Il y existe comme une certaine pudeur contenue, le sentiment de quelque chose de sacré qui ne peut se transmettre, d'une émotion d'un autre temps presque indiciple aux non-inititiés. Je retrouvais dans ce texte(*) presque sans contenu une réelle poésie de l'absence, des lieux d'origine disparus, de ce fil rouge à la terre, à notre terre.

Cette poésie là était porteuse d'un sens particulier. Elle emporta mon choix sur l'œuvre picturale grandiose, avec un doute diffus toujours un peu présent. Il se dissipa tout à fait lorsqu'une amie fit le choix d'acquérir l'autre peinture convoitée. Je pourrais également la revoir à l'occasion, et rien n'est peut-être plus grand que la transmission d'une passion ?

(*) “My father was born at Tjukurla Pirni. I love this place as you can always get water. Many Tjurlpu (birds) used to live there. They'd fly around country collecting kampurarrpa (bush raisins). One day something happened and they finished. Perhaps the water ran out? You might still see them somewhere, but I can't tell you anymore”. © Text copyright Warakurna Artists.

Pour en savoir plus sur Warakurna artists :
Leur blog : http://thrivinginthedesert.blogspot.com
La galerie en ligne : http://www.warakurnaartists.com.au

Pour en savoir plus sur Carol Maayatja Golding dans les musées :
Art Gallery NSW

Audaces du premier peuple nomade condensées dans leur mouvement d'art contemporain

2011-09-28T21:00:00.006+01:00

Je dois avouer une certaine frustration. Quand je sélectionne une toile d'art contemporain aborigène sur base d'une photo, je n'ai jamais la possibilité de ressentir la peinture, de l'embrasser entièrement du regard, de percevoir les nuances de la texture.

En fonction de la qualité de la photo envoyée, je découvre l'œuvre à distance, morceaux après morceaux, un peu comme si je faisais glisser une loupe sur une grande toile. Je deviens presque comme un satellite à la recherche d'une nouvelle image. Je parcours les galeries de ma lunette internet, je m'arrête sur quelques images, carré après carré, comme la cartographie satellitaire d'un monde vue du ciel.

Je m'envole à la recherche d'autres territoires, d'évasions picturales, dans un monde étrange aux codes inaccessibles.
De toiles en toiles, j'approfondis l'histoire colorée et vibrante d'un peuple nomade. Sans doute le plus ancien du monde. 50 000 ans avant tous les autres, il quitta l'Afrique pour l'Asie et l'Australie comme l'atteste ces derniers jours le séquençage ADN des aborigènes.
Leur audace, inventivité et curiosité, tous admirables pour entamer de si longs périples, se retrouvent aujourd'hui en partie condensés dans leur mouvement d'art contemporain.

Chaque peinture m'offre de prime abord un territoire pixellisé, puis vient le temps de la rencontre comme ce soir. D'un tube, je déballe des rouleaux. L'odeur de l'acrylique emplit la pièce conjuguée à celle du lin frais. Le beige du verso cède tout à coup la place à un foisonnement de couleurs, à la puissance d'un talent artistique. Hier l'image était froide et technologique. Aujourd'hui elle prend vie, occupe l'espace, offre les vibrations de la texture de la création.
Enfin ma porte s'ouvre aux artistes Harry Tjutjuna, et Nora Wompi. Respect !

Que trouves-tu de fascinant dans l'art contemporain réalisé par les Aborigènes d'Australie ?

2011-08-22T16:46:00.011+01:00

Titre : Wanka Spider Munu, Wati Nyiru
Par l'artiste Harry TJUTJUNA, 168 x 153 cm
Collection privée BROCARD II
With courtesy of Ninuku Arts - Red Dot Fine Art Gallery

"Que trouves-tu de fascinant dans l'art contemporain réalisé par les Aborigènes d'Australie ?", me demandaient des amis il y a quelques jours.

Après quelques instants de réflexion, je ne pouvais que savourer la formulation utilisée dans leur question. Ils ne parlaient pas d'art premier, ni d'ethnographie, ou d'art aborigène, mais bien d'art contemporain. La nuance pourrait passer inaperçue mais elle est de taille. En associant l'art contemporain aux aborigènes d'Australie, ces amis rentraient de plein pied au cœur d'un débat très animé entre conservateurs de musée, galeries, et collectionneurs d'art.

Cette discussion pourrait sembler réservée aux spécialistes , alors qu'au contraire elle concerne tous les amateurs. Elle reste même assez cruciale pour assurer la visibilité de ce mouvement artistique sur la scène internationale.
Sans une reconnaissance du caractère contemporain de cet art il deviendra sans doute difficile de préserver cette culture millénaire. Dans le même esprit, l'association de celui-ci à l’ethnographie, pourrait le conduire à sa perte et induire de façon insidieuse la fin d’une civilisation, sans reprise du flambeau par les jeunes générations.

Il me semble que nous avons en tant qu'occidentaux une vrai responsabilité dans ce domaine. Un peu comme si par omission, dans la négligence dérisoire d’un qualificatif, nous signions en occident l’arrêt d’une culture par défaut de reconnaissance.
L’enjeu est de taille.

Entretemps quelques artistes développent une démarche créative profonde et complexe. Ils portent un message sur la toile, y partagent une histoire, avec une vision singulière et individuelle.
Les temps anciens figurés sur le lin ne sont pas figés. Ils se conjuguent avec le passé et le présent de l'artiste, dans une sorte de dialogue historique continu, comme dans cette toile du grand homme de loi Harry Tjutjuna (1930) figurée ci-dessus.

Il y représente deux histoires profondément attachées à lui-même et à la création du monde : "the Spider man" et "Wati Nyiru". La peinture se transforme ainsi en livre d’histoire, se confond avec son portrait spirituel, adopte des couleurs changeantes comme lors des rites nocturnes attachés à l’homme araignée.

Je crois que l'élément le plus fascinant dans l'art aborigène repose bien sur cette idée d'originalité, de créativité renouvelée, de capacité d'invention et de transformation des artistes du bush, d'autant plus étonnante que certains ne peignent que depuis quelques années comme Harry Tjutjuna. Il s’agit probablement de la meilleure réponse à apporter à la question posée par ces amis.

J'aime en effet observer les lignes de rupture d'un mouvement artistique, les peintres qui émergent, leurs styles qui ne cessent d'évoluer le plus souvent vers des formes plus sobres, aux harmonies pigmentaires subtiles.
Ces artistes portent encore le message de milliers d'années de nomadisme. Ils véhiculent la voix puissante des siècles pour exprimer de façon conceptuelle, visuelle et épurée un art contemporain destiné aux non-initiés.

Balgo : un art aborigène témoin au coeur de l'art contemporain

2011-08-05T12:49:00.007+01:00

©Nora Wompi, Kunawarritji, 2011. Acrylic on linen, 150 x 100cm
Provenance : Suzanne O'Connell Gallery Australian Indigenous Art
Collection privée Brocard II

Cela faisait déjà quelques années que je suivais de près l'artiste Nora Wompi. Son style s'affirme comme assez différent des autres peintres de la communauté de Balgo.

Il n'existe point de pointillés. Les mouvements de pinceau sont fluides, s'envolent presque comme un voile diaphane. A l'inverse, les nuances épaisses de la matière donnent comme un volume à la composition. On peut y ressentir comme un effet de résonnance amorçé par des circonvolutions subtiles, ourlant les à-plats nacrés.

Sa palette aux couleurs vives et audacieuses offre une vision onirique des paysages de sa terre natale, puissante et fidèle comme celle que peuvent exprimer les artistes ayant vécu selon le rythme et les vérités du nomadisme.

Ce fut le cas de Nora Wompi durant ses vingt premières années. Elle nous offre ainsi un témoignage encore unique de cette civilisation et de la philosophie de ses pères et mères, itinérant du désert autour du site "Well 33" sur le route de "Canning Stock".

A l'âge de 77 ans, une reconnaissance additionnelle et significative survient pour Nora Wompi dont des oeuvres importantes viennent de rentrer à la Galerie Nationale de Victoria.

A contempler ces toiles, la question du lien entre art aborigène et art contemporain, souligné par les talents innovants de ces artistes témoins, ne se pose guère.

Lichens centenaires et invention humaine

2011-08-02T21:55:00.004+01:00

Au royaume de l'infiniment petit, les lichens des roches se distinguent en haute montagne. Leurs conquêtes sur la pierre s'expriment par de subtiles corolles aux teintes nuancées du gris au vert fluorescent.

Aux étages inférieurs, là où les arbres persistent encore, les lichens tissés accélèrent leurs avancées sur les écorces des rares mélèzes. Leur chevelure cendrée fixée aux branches progressent au rythme d'une vie humaine.
Tant que l'arbre échappe aux avalanches, courbé sous le poids de la neige, le lichen lui offre comme un feuillage d'hiver.

A l'inverse des lichens des cîmes, étendu sur une surface plane, le lichen arboricole adopte une structure libre digne des fractales.
Vue de plus loin, ils offrent des compositions douces et harmonieuses qui ne sont pas sans me rappeler les nuances des créations de la communauté aborigène d'Utopia : comme l'artiste Angelina Ngale Pwerle.

Les grands parfumeurs de l'ancienne Russie, comme Henri Brocard, transformaient le lichen de Sibérie en un composé fixatif aux essences presque minérales.
De grands peintres en firent des colorants pour leurs oeuvres.
Des civilisations, inventives en période de disette, l'inventaient de façon broyée en substitut à la levure...

A notre tour, ne pourrions nous pas lever les yeux et observer la croissance millimétrée des lichens ?

Conférence Brocard sur l'art aborigène - Bruxelles - 6/07

2011-07-07T20:44:00.014+01:00

Dans cette ancienne imprimerie à Bruxelles, à la place des machines, nous étions près de 30 invités à écouter hier Solenne Ducos Lamotte. Elle nous présentait les différentes dimensions et évolutions de l'art aborigène, lors d'une conférence particulière.

Néophytes complets, amateur d'art, ou collectionneurs plus avertis, l'assemblée avait en commun une curiosité pour cet art des antipodes et une soif de découverte de nouveaux talents.

En guise d'introduction, je soulignais l'étonnante pérennité de cette forme d'art sur plus de 50 000 ans, sans cesse fertilisée par le présent et l'invention créative de ces artistes.
Dans cette imprimerie où des milliards de feuillets ont été imprimés de 1923 à 1975, les ouvrages ont aujourd'hui cédé la place aux peintures d'une civilisation où n'existe aucune écriture. Un beau paradoxe.

Dans notre monde occidental, nous n'avons jamais autant écrit, rédigé sur Facebook, Twitter, dans nos e-mails et agendas électroniques. Et pourtant qui se souvient de ce qu'il fera dans une semaine ? Notre écriture omniprésente nous fait perdre la mémoire. Fort de notre technologie, nous oublions les autres formes de transmission de la pensée humaine.

Si les copistes du monde musulman n'avaient pas reproduit les textes des philosophes Grecs et Romains, nous aurions égaré ces pans entiers de notre culture dans ce monde antérieur au Xe siècle si crépusculaire.
Si Gutenberg n'avait pas inventé l'imprimerie, la Bible ou le Coran ne seraient pas les livres les plus vendus au monde, contribuant à diffuser la pensée et religion, invitant à toutes les exégèses possibles.

Et cependant nous perdons la mémoire...

Qui se souvient de ce que les grottes de Lascaux représentent ? De la signification cachée des représentations animales ? Personne ! A tel point qu'un président de la République rattachait curieusement ces oeuvres picturales aux hommes de Néandertal, en substitution de nous, l'Homo Sapiens Sapiens...

Sans alphabet, le peuple aborigène reste néanmoins un immense livre aux milliards de pages ouvertes. La vocation de chaque ancien consiste à transmettre la mémoire des mythes et rites, de ces fameux rêves dont ils gardent l'héritage. Ils peignent cette histoire humaine sur les toiles en lin immaculées, nous y racontent l'arrivée des premiers colons en bateau sur la Terra Nullius il y a 4 siècles, jusqu'à la plus lointaine création de leur monde, et cela sur des millénaires de partages, d'échanges et d'enseignements.

J'aime songer à leur rôle immense de témoin de notre humanité d'hier, de celle d'avant le Néolithique, où nous étions tous chasseurs-cueilleurs et nomades, dans ce mouvement perpétuel des corps et des pensées.

Philosophes du désert, les aborigènes portent en eux le savoir d'une civilisation oubliée, de ce qui constitua 99% de notre histoire humaine. A une époque où beaucoup sont en quête de sens, ne devrions-nous pas tendre l'oreille et écouter ces pistes chantées ?

Mon introduction vous vous en doutez fut un peu plus courte que ce texte pour le blog. Ensuite je passais la parole à Solenne pour une conférence introductive à l'art aborigène, assez complète sur plus de 2 heures dédiées à la découverte des différentes communautés, des origines du mouvements, aux nouvelles tendances plus urbaines.

Quelques mises en garde suivirent ensuite sur l'évolution du marché de l'art aborigène et cet éternel débat sur le sourcing des oeuvres entre communautés aborigènes, dealers, galeries, maison de vente aux enchères.

Cela me donne l'occasion de revenir sur ce sujet complexe pas toujours intelligible en occident, car une oeuvre réalisée par un artiste quel que soit l'origine de la toile reste le plus souvent originale. Certes. Cependant dans le domaine de l'art aborigène, afin d'éviter l'exploitation des artistes par des personnes peu scrupuleuses, il convient d'être vigilant.

Les communautés sont un excellent choix pour rechercher des toiles, bien que les peintures présentées sur leurs sites internets soient peu nombreuses, tant elles sont régulièrement captées immédiatement par les grandes galeries bien avant une mise en ligne.

En revanche certaines écoles comme Utopia ne sont pas accompagnées par des communautés et aujourd'hui il convient de passer probablement par la galerie Australis pour un travail de bonne qualité. Il y a 10 ans cela était un peu différent : la galerie Delmore eu ses lettres de noblesse ou d'autres avant elle pour Utopia.
Certains dealers firent également un excellent travail en respectant les artistes et furent ou restent encore reconnus pour cela.

Des collectionneurs des premières heures firent réaliser par les artistes des toiles pour eux, sans passer par un circuit officiel, comme de grands acteurs aujourd'hui installés à Genève ou ailleurs. Personne ne viendrait aujourd'hui vraiment contester la qualité de leur ensemble cohérent.

Ce marché de l'art est en effet assez complexe...

Par exemple la communauté de Bidyadanga existe bien, mais elle n'a pas vraiment l'existence d'une coopérative en tant que tel, étant gérée et épaulée sous le coaching éclairé de l'excellente Emily de la galerie Short Street à Broome...

Les maisons de vente aux enchères ne se ressemblent pas non plus et effectuent un travail souvent discutable. Les tentatives des maisons parisiennes ne me semblent pas toujours sérieuses en art aborigène, tant au niveau des provenances, que par la qualité des toiles sélectionnées. Si on peut encore accepter un prix modique pour une toile décorative d'un artiste (un peu alimentaire pour lui, ils peignent comme nous sortirions notre carnet de chèque), il est à mon sens pas vraiment acceptable de trouver de temps à autres la même toile expertisée à des niveaux de valeur trop importants chez nos commissaires priseurs.

A l'inverse, en Australie trois maisons de vente aux enchères présentent des sélections toujours remarquables. En France, il convient vraiment de distinguer avec attention quelques pépites dans les ensembles proposés à la vente, car à nouveau les maisons tentent avec difficultés de faire un beau travail, apprennent, développent leur connaissance du marché. Cela prendra du temps et renforce l'idée que le marché n'est pas dichotomique entre les bonnes maisons et les mauvaises, mais que le choix doit vraiment s'effectuer dans la sélection même proposée à la vente.

Il y aurait beaucoup à dire sur les galeries également. A force d'appréhender ce marché, je dois dire que certains prix sont déconcertants, faisant des marges de plus de 100% sur certaines toiles, dans une approche qui peut desservir à la fois les artistes et ce mouvement artistique.
Je pourrais dresser une liste des grandes galeries australiennes qui influencent le marché, pratiquent des prix tout à fait correctes et font d'ailleurs souvent "sold out" lors de leurs expositions, mais ce n'est pas tout à fait l'esprit de ce blog...

En fin de soirée quelques adeptes se sont laissés tentés par des peintures proposées par Solenne. Une toile de l'artiste très en vue Carol Golding provenant de la communauté de Warakurna remportait un vif succès, ainsi qu'une petite toile de qualité de Lydia Balbal de Bidyadanga.
Des petits formats suscitaient également un bel engouement avec Ningura Napurrula de Papunya ou un joli triptyque de Alma Nungarrayi Granites. Tous d'excellents choix. Ah si j'écoutais plus mon coeur que ma raison...

Art aborigène : small is beautiful

2011-06-14T15:58:00.006+01:00

Sonia Kurarra. 70 x 70 cm. Collection Brocard II
With courtesy of the artist.

Dans le domaine de l'art la tentation est grande d'aller vers des grands formats. Ils offrent un terrain plus vaste à la créativité, à la complexité de la composition, à la force d'expression des motifs.

Se retrouver face à une grande toile, c'est comme ouvrir une fenêtre sur un panorama. Dans l'art aborigène, les compositions déclinent avec subtilité bien souvent un paysage physique, spirituel, historique, fertilisé par le présent de la communauté et des hommes qui portent ces mythes.

Pour l'artiste, s'engager dans une immense toile nécessite quelques garanties. Il y a l'effroi de la page blanche, la difficulté de mettre en scène sa composition, l'importance de préfigurer ce qui sera posé sur la toile à l'aide de croquis, éventuellement morceau par morceau...
En art aborigène, la construction est bien souvent pensée, puis élaborée sur la toile selon une trame globale avec les motifs principaux. L'artiste part de l'essentiel puis s'oriente vers le particulier. Le pointillisme symbolique de l'art aborigène n'est bien souvent qu'un artefact d'une autre réalité qui est ailleurs dans des motifs plus discrets, cachés, ou suggérés dans leur absence même. Les espaces ainsi libérés génèrent eux-mêmes des signes.

Sonia Kurarra. 70 x 70 cm. Collection Brocard II
With courtesy of the artist.

La rareté des grandes toiles invite les conservateurs et collectionneurs à se polariser sur elles. D'un côté le potentiel de valorisation est important. De l'autre dans une muséographie, une oeuvre d'envergure donne le ton, n'est pas disponible ailleurs et singularise un musée.

C'est une tendance lourde, excessive.
Et si la vérité était ailleurs, dans de petits bijoux, dans des toiles plus modestes ?
Dans un canevas réduit, limité, ne faut-il pas redoubler d'intelligence dans l'interprétation ?
Sur une petite surface, dans une économie de matière et d'images, ne convient pas d'explorer les multiples facettes du processus de créativité et de céder la place à l'audace la plus poussée ?

Sans conteste, cela vaudrait la peine d'explorer ces petits formats, en partant à la recherche de pépites.
Ces deux oeuvres de Sonia Kurarra, même modestes, illustrent peut-être dans une palette ambitieuse, une démarche à construire ?

Art Dogon : un RDV avec l'histoire dans un musée des commentaires

2011-05-31T15:33:00.006+01:00

Après des mois d'absence je retournais il y a quelques jours au Musée du Quai Branly à Paris.

Je l'avais un peu délaissé ces derniers mois. Il fut pourtant une époque où j'y traînais mes guêtres dans les allées à la recherche non plus des objets que je commençais à bien connaître, mais des commentaires des visiteurs.
Le quai Branly, je le vivais bien plus comme un "Musée des Commentaires", bien vivant, toujours renouvelé par les réactions spontanées des hordes d'enfants, et les appréciations de temps à autres perplexes des adultes.
J'aime cette co-création de l'œuvre d'art dans cette tripartite entre l'artiste, le conservateur et le visiteur.

Dans les Arts Premiers, cela reste un peu particulier, l'artisan n'ayant pas toujours conscience d'être un inventeur d'art.
L'objet après des décennies, des siècles, acquiert une patine, du recul quant à son usage initial, un éloignement culturel confinant à l'abstraction. Il grandit dans l'absence de lien avec sa communauté. Il devient un formidable point d'interrogation sur un parcours d'humanité.

Les différentes pièces réunies pour l'exposition remarquable sur l'art Dogon (à visiter sans tarder), soulignent avec habileté ces fertilisations croisées entre cultures, ces capacités d'intégration de schémas plastiques, de mythes fondateurs... sur plusieurs siècles.

Une vraie leçon de vie au-delà des arts premiers. Un questionnement dans notre appréhension du monde contemporain.
Je reste sensible à ces statues pré-dogon, hiératiques, austères avec leurs bras levés, dans les tous débuts du Xe siècle, jusqu’aux réalisations plus récentes des maîtres de la Maternité et d'Ogol.

L'Afrique inventive avait là encore rendez-vous avec l'histoire dans la modestie de réalisations cependant remarquables.

Chute de l'art aborigène ?

2011-04-29T16:17:00.003+01:00

Surprise ce jour. L'Art Media Agency (AMA) évoque une chute de l'art aborigène ! Les collectionneurs autochtones s'intéressent de plus en plus à d'autres formes de création artistique et investissent plus fortement en Chine.

Certes l'érosion du marché semblait perceptible à l'occasion de quelques ventes aux enchères dont les résultats mitigés avaient suscité une certaine déception des acteurs, comme chez Sotheby's Australia l'an passé.

De plus le marché de l'art aborigène semblait fléchir nettement entre 2007 et 2010, passant de 24 à 6 Mdollars en juste 3 ans. Le pic de 2007 semble aujourd'hui lointain et chaque année les artistes plus âgés disparaissent.

Certains évoquent une chute plus radicale dans les mois à venir... Faut-il s'en soucier ?

Le fait même d'avoir ce billet pourrait souligner ma sensibilité au marché. Il n'en est rien. Je n'aime pas cette logique de marché surtout pour l'art aborigène et cette culture déconnectée au départ des aspects mercantiles, tant elle a été épargnée par le Néolithique.

Je ne m'intéresse guère aux histoires de spéculations ou de plus-values. Ce qui compte en fait pour moi, c'est bien plus la création, les ruptures artistiques, la capacité d'innovation des artistes et les harmonies interpellantes...

Il est vrai que les achats de peintures sur une année s'incrivent dans un budget toujours trop limité, un des affres des collectionneurs et conservateurs de musée.
Voilà donc une bonne nouvelle que cette baisse du marché !
Nous allons retrouver plus de sérennité, des oeuvres de qualité, une production sans doute plus restreinte, et des prix plus accessibles qui pourront pondérer les effets plombants des taux de change très défavorables actuellement.

Elle pourrait cependant à plus long terme affecter la création artistique en détournant les jeunes générations de ce travail créatif en lien avec les origines, et des exigence de transmission à préserver, faute de subsides conséquents.

Aussi le rôle de l'Europe s'avère clef dans ce domaine en favorisant l'émergence de nouveaux collectionneurs d'art aborigène, comme en Asie ou en Inde.
Cette culture aborigène a un côté universel dans les formes utilisées, dans la grammaire picturale. Acheter une peinture s'avère bien plus qu'un simple achat d'art. Il y a un engagement, la subvention d'une culture et l'extraordinaire séduction d'une parole graphique multi-millénaires.

L'avenir de cet art doit se vivre également hors d'Australie dans la sensibilisation du reste du monde. L'organisme Austrade qui hier organisait et subventionnait des voyages pour les collectionneurs et conservateurs dans les communautés aborigènes devraient reprendre cette dynamique.

Des échos positifs et plus lointains aux USA se confirment également quant à l'intérêt pour l'art aborigène, avec des reconnaissances fameuses par les grandes institutions comme le MOMA ou le MET.
Une nouvelle polarité est en marche vers un marché plus vrai et je l'espère des oeuvres plus puissantes encore.

Exposition d'art aborigène à Utrecht : Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art

2011-02-17T01:55:00.000+01:00

Je ne compte plus les expositions d'art aborigène qui fleurissent en Europe, du nord au sud.
A mon sens, la majorité d'entre elles manquent de direction, s'éparpillent, touchent un peu à tout sans totalement convaincre. Ainsi cet art fascine les uns, interroge, séduit ou bien laisse tout simplement perplexe les autres.

© With courtesy of Musée d'art Aborigène AAMU d'Utrecht
Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art,
du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011

Photo: copie des peintures exposées destinées
aux travaux créatifs des enfants

Les commissaires additionnent les œuvres dans leurs expositions et peinent à trouver un fil rouge. Mariages esthétiques des couleurs ? Approche géographique des communautés aborigènes ? Successions chronologiques peu intelligibles ? Bien souvent ils montrent cet art de façon un peu désarticulée et chaotique.

D'autres conservateurs de Musée portent leurs expositions à un autre niveau de conscience et éclaire leur travail d'un éclat particulier : ils établissent un dialogue artistique tout à fait novateur et nourrissant.

La dernière exposition du Musée d'Art Aborigène d'Utrecht répond sans doute à nouveau à ces critères : Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art, du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011.

La thèse présentée consiste à creuser si le mouvement Cobra, endormi depuis de longues années, éphémère avec 3 années d'existence, a influencé d'une façon ou d'une autre l'art aborigène contemporain ? Audacieux !

© With courtesy of Musée d'art Aborigène AAMU d'Utrecht
Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art,
du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011

Des œuvres d'un mouvement ou de l'autre s'échangent des clins d'œil. La profondeur et la plastique des formes fonctionnent dans les deux environnements. On s'amuse des passerelles graphiques comme le montre les quelques photos rassemblées dans ce billet.

© With courtesy of Musée d'art Aborigène AAMU d'Utrecht
Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art,
du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011

Puis, en fin d'exposition et bien après, on continue de penser à notre visite du musée. L'approche picturale et sa conjugaison dans deux univers distincts cèdent la place à d'autres images et questions plus profondes.

© With courtesy of Musée d'art Aborigène AAMU d'Utrecht
Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art,
du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011

Photo : intéressantes correspondances entre les toiles des artistes
du mouvement Cobra et d'art aborigène

Il semble très convaincant que la recherche de formes "archétypiques" dans le mouvement Cobra en quête de sens, trouve une résonance particulière dans l'art aborigène.
Ces hommes nomades, artistes, ne dessinent-ils pas depuis des millénaires les mêmes formes, les mêmes motifs, pour transmettre, éduquer, véhiculer une vérité première enfouie ?

Le travail d'épure des formes, esthétique mais aussi mémorielle a permis de ne retenir que l'essentiel qui marque, qui porte le message à travers les générations. On touche à quelque chose de fort, à l'empreinte marquante.

© With courtesy of Musée d'art Aborigène AAMU d'Utrecht
Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art,
du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011

Photo : travail d'épure, vers l'essentiel,
de l'artiste Wakartu Cory Surprise

Il est d'ailleurs souvent étonnant de constater la puissance de certaines formes aborigènes dans notre imaginaire, même dans notre propre culture, comme si ces signes avaient toujours signifié quelque chose, comme si cette grammaire des premiers peuples constituait une sorte de matrice commune.

Différents préhistoriens avancent également l'idée d'un langage pictural commun aux hommes des cavernes d'Europe, fort de l'analyse statistique de différents motifs comparables dans les grottes et sites rupestres. Les études sont en cours et pourraient réserver des surprises.

© With courtesy of Musée d'art Aborigène AAMU d'Utrecht
Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art,
du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011

Photo : dialogue audacieux entre une oeuvre de Pierre Alechismky
et une toile d'art aborigène de la collection Laverty

L'exposition d'Utrecht va également au delà des formes et s'intéresse aux mouvements artistiques. D'un côté comme de l'autre, la recherche ou la transmission des motifs ne se suffit pas en elle-même, elle se réinvente.

© With courtesy of Musée d'art Aborigène AAMU d'Utrecht
Breaking with Tradition. Cobra and Aboriginal art,
du 11 Novembre 2010 au 8 Mai 2011

L'innovation préside à l'éclosion de nouveaux talents. Dans le même esprit que le mouvement Cobra, les artistes aborigènes sont en quête de la forme ultime, débarrassée de scories un peu convenues, figuratives ou éventuellement pointillistes.
Pour certains il ne reste presque plus que le trait gras, profond, dégagé des outils, juste accentué par les gestes tactiles de la main comme chez l'artiste Wakartu Cory Surprise.

Musée d'Allauch : le Grand Rêve Aborigène

2011-01-09T22:30:00.007+01:00

Avant de quitter Marseille, nous nous sommes rendus en famille dans le petit village d'Allauch pour découvrir une exposition d'art aborigène au Musée Symboles et Sacré de la commune.

L'espace n'est pas immense mais l'exposition mérite le détour avant sa fermeture le 6 mars 2011.
Les commissaires ont tenté un dialogue habile entre les éléments chrétiens sacrés figurant dans les expositions permanentes du Musée, et cet art d'ailleurs, des antipodes, au graphisme en pointillé.

Des panneaux explicatifs et détaillés font œuvre de pédagogie et suscitent l'intérêt des visiteurs vers cette culture si lointaine et étrangère à nos codes sociétaux et picturaux.
Les signes aborigènes utilisés sur les peintures sont ainsi représentés dans des casiers lumineux, aux côtés de signes chrétiens des premiers âges. Cette proximité factice introduit une sorte de familiarité et favorise une rencontre des peuples.

J'ai particulièrement apprécié quelques toiles d'envergure, dont celle de Ningura Napurrula ci-dessus. Extrêmement soignée avec une pointillisme d'une grande douceur, elle date sans doute d'il y a quelques années, l'artiste étant de plus en plus aveugle et incapable aujourd'hui d'achever une composition si imposante.

J'ai bien noté la présence de quelques grandes figures de Papunya dont l'artiste Eileen Napaltjarri avec ces merveilleuses lignes perlées oranges et noires qui figurent un paysage avec une alternance de dunes (cf. photo ci-dessus).

Deux très belles toiles de l'artiste Naata Nungurrayi ornaient la première pièce du Musée (cf. photo ci-dessus) et une salle à l'étage (cf dernière photo du post avec un quadrillage paysagé subtil).

Une autre œuvre emblématique de l'artiste Eshter Giles, tout en finesse et profondeur (cf. ci-dessus), faisait écho à celle de Naata, en jouant sur un contraste crème et noir.

Une composition autour du cycle Tingari - chemin chanté ancestral à travers le désert - de l'artiste Ronnie Tjampitjinpa, met en valeur un des grands maîtres de la première période de Papunya. J'apprécie cette combinaison entre ces cubes et ces lignes avec des décrochages dessinant d'autres lignes invisibles.

J'aurais peut-être un petit reproche à faire. Les communautés de Papunya et Utopia prédominent dans cette sélection. Certes cela réprésente une bonne part de l'art aborigène. On retrouve ainsi la communauté où celui-ci a émergé en 1970. Puis on passe à Utopia qui n'a peut-être rien totalement inventé mais a donné ses lettres de noblesse à l'art aborigène avec un graphisme souvent traditionnel, audacieux ou accessible avec son fameux pointillisme.

Une exposition ambitieuse comme celle-ci pouvait-elle se limiter à ne couvrir qu'une petite partie du désert central, sans offrir une vue plus large des autres courants créatifs ?

Les familles et amateurs éclairés y retrouveront ce que l'on entend par "art aborigène". Mais ne devrions-nous pas être un peu plus bousculés dans nos schémas d'appréhension de ces formes d'art. La vitalité de ce mouvement artistique le mérite.

Il faut souligner que l'innovation en art aborigène ne vient plus trop du terrain du désert central, mais plus à mon sens :

du sud de l'Australie avec les communautés de Tjala Arts, Tjungu Palya,
du Kimberley avec Mangkaja Arts
ou du Western desert avec Kayili artists ou Warakurna artists

En tous les cas, félicitations à l'association Wanampi et à la mairie d'Allauch pour cette exposition et le travail documentaire et pédagogique associé.

Bonnes fêtes et meilleurs vœux 2011 !

2010-12-20T13:58:00.001+01:00

Alexandrie - Chantier Naval - 2007, photo Bertrand

Verticalité, horizontalité. Des poutrelles d'acier hérissées sur le chantier naval d'Alexandrie...

Matrices organisationnelles complexes à continuellement réinventer face au changement ?

Réseaux et points d'ancrage régionaux ? Maillage plus biologique réunissant les idées et les hommes ?

A son tour, ce navire partira à la conquête des mers, tissant sa toile entre les ports des mondes, brassant les cultures, interrogeant les peuples.

Bonnes fêtes et meilleurs vœux 2011 !

Art aborigène : dialogue entre vin, parfum et peinture

2010-12-11T18:36:00.010+01:00

C'est étrange à quel point certaines peintures me font penser à des parfums ou des vins. Peut-être suis-je en cela influencé par le lecture des 15 premiers tomes du génial manga "Les Gouttes de Dieu"* dédié à la dégustation de grands millésimes.
Ou bien la culture familiale m'a-t-elle transmis cette curiosité pour les huiles essentielles et autres absolus par nos anciennes racines à Grasse en Provence.

Entre ces mondes, qui tutoient trois sens principaux comme la vue, le goût ou l'odorat, il existe de frêles passerelles. Je me souviens de la difficulté de décrire un Mouton Rothschild 2009 le mois dernier, tout en appréciant déjà son équilibre et l'infime richesse et complexité de ce tout jeune bébé.

D'un autre côté, je garde des images en tête de cette bouteille d'eau de cologne de Lavande ambrée, sans doute de l'illustre maison Santa Maria Novella à Florence. Elle se trouvait dans le cabinet de toilette de mes grands parents. Je ne manquais jamais d'en mettre sur mes mains ce qui incita ma grand-mère à envisager un instant avec nostalgie de me faire entrer dans la parfumerie et d'envisager de faire de moi un éventuel nez... Il n'en fut rien cependant.

Vin, parfum, tableau... Les mots manquent pour y décrire nos émotions. Par exemple, quand il devient impossible de reconnaître certaines odeurs, il reste souvent plus simple de procéder par analogie ou de retrouver les images de son passé. Bien souvent quand je passe devant des chantiers en ville, les effluves qui s'échappent me font songer à l'atelier de scierie qui se trouvait au fond d'un jardin à Limoges : l'odeur des copeaux de bois mouillés qui commencent à s'altérer dans une moisissure minuscule. La maison n'y existe plus mais tout à coup me voilà plongé dans cet univers de poussière, sucrée comme les premiers temps de l'enfance.

Cette toile d'Alma Webou, grande artiste disparue de la communauté de Bidyadanga prés de Broome, me touche particulièrement. Son découpage vertical, de bas en haut, m'évoque les notes de base d'un parfum, rouge, animal, charnel, comme les fixatifs des temps anciens (ambre gris ou petite civette), agrémentées des notes capiteuses de l'Orient ou d'un grand merlot.

Puis survient une tonalité plus fraîche dans les bleu vert, comme une sorte de composition d'herbes mouillées légèrement citronnées ou mentholées. Comme chez Alma il s'agit d'un paysage, je ne peux exclure des zones plus hospitalières dans sa région natale, au delà du désert.

Nous arrivons ensuite au cœur de la peinture, dans ce que l'on pourra considérer comme les notes de fond du parfum. Un ensemble complexe s'y épanouit entre les rouges, verts, bleus et blancs... Une sorte de circonvolution et de mouvement dans cette séquence souligne une alternance de différents états. Nous sommes au centre du cheminement.

Les étages supérieurs de la peintures s'élèvent dans les blancs, juste ourlés d'un mince filet rouge. Les effluves restent plus discrets, nous y retrouvons les notes de tête du parfum, plus éphémères. Bacchus y verrait peut-être une tonalité plus minérale presque proche du silex, comme ce désert blanc, héritage de mers primitives que l'artiste souhaitait sans doute également représenter sur ce parcours initiatique.

Au delà de ces correspondances il est intéressant de noter que cette toile date des dernières années de production de l'artiste. Cinq à dix ans plus tôt elle partageait un style beaucoup plus cursif avec des motifs clairement distincts, des lignes directrices un peu comme l'artiste Weaver Jack. Puis une rupture l'a conduit sur un terrain composé d'à-plats élaborés à partir de multiples points juxtaposés.

Alma Webou, grande coloriste, inventrice de son paysage natal, a également inspiré le jeune artiste Danel Walbidi déjà présenté à différents endroits sur le blog. Je suis d'ailleurs impatient de revoir ce lundi les 3 toiles de lui que j'avais eu l'occasion de prêter à l'Abbaye de Daoulas pour l'exposition Art Inuit - Art Aborigène.

In fine, le langage de cette peinture d'Alma, en provenance de l'estate de l'artiste, contient une sorte de langage universel. De temps à autres elle me fait songer au grand Mark Rothko.
Métaphores, correspondances entre artistes et différents univers dialoguent avec fertilité dans cette œuvre au crépuscule d'une vie.

* Manga "Les Gouttes de Dieu" de Tadashi AGI et Shu Okimoto, édition française chez Glénat.

Art aborigène : entre marché et parfum d'éternité

2010-12-09T19:21:00.002+01:00

En ce moment, j’entends ici ou là différents acteurs se plaindre des évolutions du marché de l’art aborigène. Certains galeristes considèrent qu’il a atteint son apogée avec la disparition progressive des grands maîtres et une jeune génération qui tarde ou s’essouffle dans un deuxième élan.
Dans une logique mercantile, ils envisagent même de fermer leur département d’art aborigène.

On ne peut nier qu’une certaine morosité règne en raison de la crise financière, hier économique et aujourd’hui sociale.

Des réformes fiscales en cours en Australie mettent également à mal les placements en œuvre d’art, réalisés dans le cadre des plans de pension. Des amateurs et collectionneurs inspirés pouvaient ainsi profiter de leurs tableaux le temps d’attendre l’heure de la retraite. Une subtilité économique sans doute contradictoire avec l’idée commune que l’on ne peut avoir le beurre et l’argent du beurre : en d’autres mots les fruits de sa pension ne devraient être disponibles avant « la quille ».

D’autres invoquent le droit de suite pour souligner à quel point une bonne idée comporte de nombreux pièges. En offrant 5% du prix du tableau au peintre ou à ses descendants, lors de chaque cession d’une œuvre, les prix se trouvent immédiatement portés à la hausse et ralentissent la dynamique du marché.

Toutes ces considérations économiques me laissent assez perplexes.
En effet si l’on recherche des toiles d’exception, cela reste toujours la croix et la bannière pour les repérer et les acquérir. Les listes d’attente pour les artistes les plus en vues restent d’actualité. Les grandes toiles gardent leurs aficionados et affichent des prix forts peu démocratiques.

Bref, à mon sens l’art aborigène n’est pas en crise mais il gagne en maturité.
Cette sorte de stabilité qui couvre le marché, évite la survenue de spéculateurs sans scrupule.
Laissons les artistes s’épanouir, offrir des toiles de qualité à de juste prix, et cela à de vrais amateurs, sensibles non pas aux bénéfices potentiels, mais au véritable parfum d’éternité qui se cache derrière chacune de ces peintures.

Je disais il y a quelques temps à une doctorante en art aborigène, que ces artistes m’avaient apporté bien plus que leurs toiles. Avec une immense modestie, ils nous proposent leur regard pour observer leur monde, notre univers, avec une tout autre approche audacieuse, sur le ton d’une musique oubliée, dans une sorte de fertilité croisée des cultures.

Tag : une colère aujourd'hui organisée

2010-11-21T18:12:00.005+01:00

L'art aborigène fusionne également avec de nouvelles tendances. Certains élans le conduisent sur les chemins d'un art urbain, conjugaison d'un nomadisme réinventé. Pour l'instant je ne suis pas encore sous le charme.

Mais hier à l'occasion d'un jogging au bord du canal de notre ville du nord, je découvrais un immense entrepôt désaffecté, aujourd'hui sans toit, mais habité par de multiples graffitis. Chaque taggeur disposait d'un espace. Certains sont recouverts, d'autres sont mentionnés comme non terminés.

Pour une partie je fus sous le charme de cet atelier underground sans personne au petit matin.
Avec mon téléphone, je prenais quelques photos que vous retrouverez ci-dessous.
Sur les kilomètres du retour, j’ai cherché à comprendre la naissance de ce mouvement artistique en me souvenant d’un cousin taggeur.

Dés les premiers âges de son adolescence parisienne vers 1982, dans sa conquête de la ville, de sa ville, il apposait autant que possible sa signature « Bobo », dans le métro, sur les panneaux signalétiques, sur les murs oubliés de la cité… Dans son quartier, on devinait qu’il s’agissait de son fief, « Bobo » était partout comme un titre de propriété, sans réelle concurrence à l’époque.

L’écriture cursive du mot « Bobo » restait simple, énergique, d’un bleu soutenu, jetée d’un trait sur une paroi. Dans ces quatre lettres, on pouvait ressentir la colère d’un ado, au geste énergique, à l’accélération dans les courbes, aux arrêts brutaux aux angles.

Une fureur de revendiquer existait dans cette dynamique singulière hors la loi. L’expression du tag n’était pas l’apanage d’une quête solitaire. Ils pratiquaient cela en bande. Des réseaux d’amitiés se formaient. Très vite le tag signature devenait prétexte à des créations plus complexes. Sa petite communauté de black invitait la couleur sur des pans entier de murs.

Certains étaient allés à New-York. L’expression outre-Atlantique leur donnait des ambitions. Des œuvres déconcertantes prenaient forme avec des personnages combinés aux textes, sortis tout droit de l’imaginaire.

Jack Lang, ministre de la culture de François Mitterand, leur offrit une première reconnaissance en soulignant les élans créatifs des tags des villes.

A la fin des années 80, la « bande à Bobo » était invitée à peindre un mur entier dans une petite ville de la Côte d’Azur. Des animaux imaginaires et des mots écartelés, distendus, éclairés par des couleurs acidulées, allaient orner pendant plus de 10 ans un mur très en vue...

30 ans ont passé. Le tag a conquis ses lettres de noblesse et fait la une des gazettes d’art à l’occasion de ventes aux enchères spectaculaires, organisées dans des lieux undergrounds.

La reconnaissance des collectionneurs, même tardive, offre un terrain un peu particulier à cette forme d’art. Ce qui était alternatif, interdit, langage de la rue, de la contestation, d’une colère face à l’ordre établie, rentre dans le rang avec cette acceptation dans le monde de l’art.

Ce qui faisait l’intérêt de leur démarche pourrait se trouver dévoyer dans une expression plus conventionnelle, comme lors de la dernière exposition Cartier.

Avec ces lettres chahutées, tellement combinées, il est souvent difficile de lire le texte.

Au premier regard apparaît la composition d’ensemble, puis une lecture plus précise permet de distinguer le caractère et de s’amuser des audaces de l’artiste, dans les efforts apportés à la déformation, aux élans primesautiers d’une colère aujourd’hui organisée.

N.B. : Je me suis permis de reproduire les photos des tags, sans disposer des références sur les graffeurs ayant réalisé ces œuvres mais reste disposé à les rajouter progressivement, ou à retirer ces images sur demande éventuelle. Bravo à eux pour ces performances intéressantes !

Collection Brocard II : Kaléidoscope et art aborigène

2010-11-11T20:54:00.009+01:00

Kaléidoscope d'une collection d'art aborigène
© Collection Brocard II

Ce kaléidoscope reprend 50 oeuvres d'artistes aborigènes. Elles furent rassemblées ces six dernières années sur les chemins de la collection Brocard II.
L'exercice de composition de cette image fut un peu périlleux dans Photoshop, symboliquement tout autant que ces différentes acquisitions. Les 80 M.O. du fichier flirtaient dangereusement avec les limites de capacités de mon Mac.

Aujourd'hui quand je regarde cette image, j'y retrouve mon cheminement à travers les communautés aborigènes, mes doutes, mes interrogations, l'évolution de mes centres d'intérêt du grand classicisme de Papunya, aux audaces des maîtres coloristes de Bidyadanga.

Sur ces photos il y a également des absentes. Des toiles confiés à d'autres, cédées, échangées. Des choix difficiles furent nécessaires. Chacune de ces peintures fut comme un caillou blanc sur le chemin de l'art aborigène. Elles restent aujourd'hui gravées dans ma mémoire et accompagnent d'autres passionnés.

Cette année 2010-2011 sera sans doute une étape. L'art aborigène n'a jamais été aussi vivant. De nouvelles communautés émergent dans le champ artistique. Des talents enfouis depuis tant d'années n'y demandent qu'à s'exprimer. En ce moment je porte une attention particulière aux artistes de Tjungu Palya, de Tjala, Warakurna ou d'Ernabella...

Il me faudra cependant attendre des temps meilleurs... Les visites d'exposition remplaceront les acquisitions.

Créativité et talents de l'enfant

2010-11-07T23:48:00.006+01:00

Il y a quelques jours, des amis me racontaient leur atelier de peinture autour du thème de l'art aborigène. Pendant que les adultes s'essayaient au pointillisme, un enfant se lançait tout seul dans son coin. Selon sa maman il se concentre bien difficilement plusieurs minutes. Mais munis d'un pinceau ou d'un feutre, il s'absorbe totalement dans sa création et reste capable de réaliser le dessin ci-dessus.

Quelle œuvre étrange. De prime abord, j'y voyais un territoire dessiné par quelques anciens des communautés aborigènes. J'y devinais presque une sorte de cartographie des itinéraires ancestraux...

Ce damier, quadrillage, souligne une étonnante combinaison de points cerclés, de ligne sinueuses ou fermes, d'équations mystérieuses...
J'aimerais comprendre cette grammaire picturale. Quel peut bien être le message de cet enfant ? Que souhaite-il exprimer ?

Les enfants tentent le plus souvent de converger vers une approche picturale plus ou moins réussie. Ici bien au contraire on s'en éloigne. Un sens de la composition s'y affirme. Une capacité d'abstraction prend forme.

Et pourtant très rarement sommes-nous amenés à considérer les plus jeunes comme des artistes. Les jeux de l'enfant restent étrangers à la maîtrise d'une technique, au sens de l'effort nécessaire à l'éclosion d'une œuvre d'art... Tout un débat ! Il pourrait presque constituer un bon sujet de philo.

Entretemps je reste sous le charme de ce dessin d'Elouan, tout juste âgé de 4 ans et lui souhaite beaucoup de succès s'il persiste sur ce chemin.

Vivre avec son époque

2010-11-02T18:24:00.011+01:00

Titre : Ngayuku ngura - My country,

par l'artiste aborigène Wawiriya Burton

152 x 122 cm

A 17 ans, alors que d'autres embrassaient l'avenir, passant la main sur leur passé... je découvrais notre histoire familiale suite au décès de ma grand-mère.

Un brin mythique et jalonnée de quelques grandes figures, elle offrait un séduisant romantisme pour un adolescent. Rat de bibliothèque certains jours, intrus dans les caves familiales les autres, je partais à la recherche des archives, silences ou témoignages des anciens. Je vivais à la frontière de deux époques, entre futur exigeant et lumières d'hier.

Cette dichotomie a forgé ma mémoire, mon goût de garder une trace, d'entretenir des relais entre les générations. Objets après objets, dans la découverte des déserts ou dans la modestie du quotidien, un petit univers de témoins m'accompagnait.

Puis un jour, ce fut un grand fracas. Je me devais d'inventer mon chemin, de résoudre cette équation entre tradition et modernité, de trouver la voie d'un nouvel environnement.

J'étais à la recherche d'une certaine synthèse, d'un lien fort entre toutes ces dimensions, à la fois matérielles, philosophiques et mythologiques.

Sans doute la découverte de l'art aborigène a joué le rôle d'un sorte de catalyseur. Il peut séduire comme vecteur puissant d'une tradition multi-millénaire, comme force d'innovation réinventant sans cesse l'époque du Rêve.

Le passé devenait une béquille, un levier, un tremplin pour inventer son avenir. L'art une sorte de transgression progressive des principes hérités. Collecter les oeuvres des artistes disparus n'avait plus de sens. Je me devais de vivre avec mon époque. J'avais envie d'écouter le rythme palpitant d'un art contemporain, immédiat, au coeur de la création, dans la découverte de toiles et d'artistes du présent spontané.

Dans cette quête toujours modeste je décidais de m'orienter vers les nouvelles communautés aborigènes émergentes. C'est ici et pas ailleurs que se vit la vibration continue du mouvement artistique.
C'est dans cet esprit que j'apprécie particulièrement les créations de l'artiste Wawiriya Burton présentée ci-dessus. Née en 1928 elle fut également finaliste il y a quelques mois du Telstra Price award 2010.

Peinture aborigène : liberté du geste et niveau 2

2010-10-24T22:59:00.004+01:00

Jan Billycan, Kirriwirri, Yulparija Artists movement
with courtesy of Short St Gallery. Triptyque 183 x 91 cm
© Collection Brocard II

Jan Billycan voit le jour dans les années 30 sur sa terre natale d'Ilyarra, avant de la quitter dans les années 70 en raison de la sécheresse. Comme tous les membres de la communauté de l'ancien Great Sandy desert, abandonné, ils s'installent sur la côte à Bidyadanga prés de Broome.

Femme médecin très respectée, elle commence à peindre en 2003 dans le même élan porté également par le jeune artiste Daniel Walbidi.
Sa peinture reste assez secrète et exprime une combinaison entre le corps et la terre. Elle se réfère aux paysages de sa région et les représente sur les toiles afin d'enseigner cette carte mémorielle aux plus jeunes.

Comme nous l'évoquions avec humour avec une spécialiste de Sydney en art aborigène cette semaine, nous pourrions être ici dans une "peinture de niveau 2". Cette étrange formule viserait à souligner l'éloignement avec les peintures plus conventionnelles et attendues de ce mouvement artistique. L'absence du pointillisme caractéristique sans doute plus accessible, cède la place à une approche inventive signifiante où préside une explosion de couleurs aux rythmes balancés, ourlée le plus souvent par des lignes blanches perlées.

De mon côté, je reste impressionné par la grande liberté de son geste, l'assurance des traits gras aux teintes et pigments subtilement nuancés. En faut-il de l'audace pour bousculer ainsi les conventions, et affirmer avec maturité son individualité artistique.

Décès de l'artiste Weaver Jack

2010-10-12T22:28:00.005+01:00

Je viens d'apprendre avec émotion la disparition de l'artiste Weaver Jack, jeudi dernier.

Il est toujours difficile d'évoquer le décès d'artistes aborigènes tant leur nom doit rester comme "suspendu" durant la période de deuil. Aussi si je me permets cette incartade, c'est juste pour souligner à la fois la grande noblesse, discrétion de cette grande dame et le rôle important qu'elle a joué dans son mouvement artistique de Bidyadanga.

Elle fut comme une étoile filante avec un destin singulier. Dans les sept dernières années de sa vie elle transforma notre perception de l'univers de ces derniers nomades par l'intermédiaire de peintures structurées suggérant des paysages confinant à l'abstraction, ourlés par des couleurs vives et audacieuses.

Dés 2003, avec ses premières oeuvres elle enclencha avec la plus jeune génération le mouvement artistique de Bidyadanga grâce au soutien sans faille d'Emily Rohr de Short St Gallery.

Femme de loi âgée, la plus respectée de sa communauté, elle a vécu toute une partie de sa vie selon la grande tradition des nomades. Avec son groupe elle constitue ainsi un exemple des peintres de la diaspora, dispersés de leurs terres ancestrales par des sécheresses successives.

Leur lien intime, avec le rythme et la vérité nomade des premiers âges de l'humanité, font de ces témoins des sortes de dinosaures irremplaçables de cette immense aventure migratoire des hommes. Ils portent un message et disparaissent tristement les uns après les autres.

Leurs toiles resteront comme des pivots de cette culture, au crépuscule de cette civilisation des intellectuels du désert. On peut souhaiter que ces peintures inspirent demain les plus jeunes artistes, qu'elles les invitent à perpétuer cette transmission graphique d'un savoir nomade presque universel.

Pour en savoir plus sur Weaver Jack :

Brainstormings créatifs : fertilité et profondeur des peintures aborigènes

2010-10-07T20:52:00.011+01:00

"Wayampajarti Jila" by the artist Wakartu Cory Suprise ©
152 x 213 cm.
With courtesy of Red Dot Gallery, Singapore.

De temps en temps il faut oser établir des passerelles entre différents mondes. Le mois dernier j'ai provoqué la rencontre de ma vie professionnelle avec une passion, l'art aborigène.

Face à des peintures, plus de 150 personnes du nord au sud de l'Europe, se sont penchées sur la question suivante : "quelles initiatives de changement cette peinture vous suggère-t-elle dans le cadre de nos processus financiers ?".

La question assez iconoclaste, complexe avait de quoi désarçonner les participants aux différents brainstormings, d'autant qu'ils ignoraient tout de l'origine des toiles et des artistes.
Les premières réactions ouvraient des pistes intéressantes : équilibre des forces, chemin transversal, processus linéaire, tableau de bord avec système d'alerte, pierre blanche pour trouver son chemin dans les méandres de la finance... De là ils furent invités à aller plus loin, à investir cette première impression pour en tirer un enseignement, des opportunités de changement.

Seize peintures, de Papunya, Utopia, Warmun, ou Bidyadanga amorcèrent les sessions créatives.

L'exercice fut fertile, pluriel. Il offrait également l'occasion d'introduire en quelques mots l'art Aborigène, assez peu connu dans la vieille Europe.

La toile ci-dessus ne fit pas partie du lot. Elle est portant emblématique d'un art en délicat équilibre entre tradition et modernité. Qui d'autre qu'une artiste âgée de 81 ans pouvait ainsi surfer sur cette vague contemporaine en usant de techniques picturales spontanée ? Elle vient d'ailleurs de gagner durant deux années consécutives (2009, 2010) les prix du Western Australian Indigenous Art Award. Une reconnaissance majeure ! Ancienne nomade, Wakartu a connu la vie ancestrale du bush, le respect du territoire et des rites sacrés.

Ses paysages codifiés, réminiscences de ses jeunes années, évoquent dans l'abstraction les contours structurant de leur histoire millénaire.
Différentes dimensions s'y invitent. Trous d'eau, réserves de nourriture, lieux rituels du serpent ancestral Kalpartu, s'entremêlent et s'organisent dans un chaos minéral où chaque espace temps identifié et reconnu reste indispensable à la survie.

L'ensemble s'exprime à travers des couleurs vibrantes suggérant à la fois les peintures rituelles des corps et les contours du paysage. Le lissage à la main des à plats introduit une profondeur et les nuances presque plus contrastées des plis de peau ou des rides du paysage.

Sur le front de l'art Aborigène...

2010-09-27T16:12:00.006+01:00

Deux mois viennent de s'écouler à une vitesse grand V avec de nombreux changements à gérer : dossiers administratifs, déménagements...
Et pourtant sur le front de l'art aborigène l'actualité s'avérait d'une rare richesse. Les évènements sont passés, je n'aurai donc pas l'occasion d'y revenir. Néanmoins si vous permettez j'userais d'une "liste à la Prévert" pour reprendre les faits les plus marquants :

La vente de la collection William Mora cet été : un grand succès. Un oeil, une grande figure de l'art aborigène dont la crédibilité n'est plus à démontrer.

La vente Sotheby's quelques semaines plus tard : assez décevante. Un ensemble pas très équilibré, une sélection assez hétérogène avec pourtant quelques chefs d'oeuvres ont permis à des acheteurs potentiels de faire sans doute de bonnes affaires.

Les awards en Australie durant cet hiver austral : deux sons de cloche. La mise en avant de nouveaux talents plus abstraits, plus contemporains à travers le "Western Australian Indigenous Art Award" gagné par Wakartu Cory Surprise et Sonia Kurarra, deux artistes grandioses que je ne manque pas d'apprécier. Et à l'inverse, d'un autre côté un retour à la tradition avec une peinture de Mr Donegan, le winner du Telstra Aboriginal Art.

La venue de la très respectée Kathleen Petyarre et d'Abie Loy sur Paris puis sur Brest (en résidence d'artiste) à l'occasion de Kaos Parcours des Mondes, puis de l'exposition d'Art Inuit et d'art Aborigène à l'Abbaye de Daoulas.

L'exposition des collections d'art Aborigène du Musée d'Utrecht (AAMU) avec un focus spécial à l'occasion de l'édition de leur nouveau catalogue riche et brillamment rédigé par leur conservateur Georges Petitjean.

L'été fut donc d'une grande densité. Mon temps libre ne m'a permis de participer qu'à une infime fraction de ces festivités. Heureusement qu'internet offre une vue réjouissante de ce que nous pouvions manquer. Peut-être avez-vous eu l'occasion de participer à d'autres évènements de votre côté ?

A bientôt. Et merci pour votre fidélité.

Vicissitudes des collections d'art aborigène

2010-07-25T15:56:00.008+01:00

Trois œuvres de Daniel Walbidi. Exposition "Art Inuit - Art Aborigène",
Abbaye de Daoulas, près de Brest.
© Collection Brocard II.

Dans la grande famille des collectionneurs d'art aborigène, cette période de l'été 2010, porte son lot de nouvelles assez inattendues. Mise en perspective.

Un collectionneur s'avère une sorte d'oiseau rare, stable, méticuleux et passionné. Il sélectionne, accumule, dessine une sorte de cohérence face à des mouvements artistiques parfois un peu chaotiques. Là où d'autres ne reconnaissent qu'une succession de toiles, lui va inventer son chemin, défricher, donner un supplément de sens aux œuvres acquises. Les collectionneurs sont souvent précurseurs. En avance sur les musées, ils jouent de temps à autres un rôle nécessaire de prescripteur.

Pourtant leur tâche est rude. Ils se doivent de construire leur réseau, de défendre leur crédibilité, au delà des aléas des moyens financiers ou non. Face à des toiles rares, ils doivent s'armer de patience. Comme certaines grandes entreprises, ils développent des techniques de "business intelligence" pour suivre de près la création et le marché.

Leur engagement, le temps passé est souvent récompensé par de belles découvertes. Tant d'efforts conduisent souvent les collectionneurs à ne pas se séparer de leurs toiles durement acquises. Ou bien pour en acquérir d'autres encore, surtout pour ceux soumis à une certaine économie de moyen.

Leur rythme est lent, patient. Leur démarche se construit sur des années, pièce après pièce.
La tentation est souvent grande de chercher à s'entourer de multiples œuvres. La raison voudrait que les collectionneurs ne se concentrent que sur des merveilles. Mieux vaut acheter une toile exceptionnelle par an que dix. Les grands connaisseurs du marché, les galeristes expérimentés l'invitent à cette prudence. Cependant le dilemme est difficile entre l'excitation de l'acquisition et la construction progressive et laborieuse d'une collection, même modeste, sur 20 ou 30 ans.

Fortune faites, certaines collections émergent rapidement à coups d'achats successifs et très rapprochés. La disponibilité éventuelle d'œuvres sur le marché donnera une coloration spécifique et pas toujours heureuse à leur démarche. Rien ne vaut la durée pour pondérer les stars d'un jour et les excès du marché. Des réputations se fondent et se défont aussi vite.

Des collections apparaissent de temps à autre en vente aux enchères. A l'occasion de la fin d'une vie, d'une succession, des bijoux émergent sous le marteau en ivoire.
A ces occasions, les catalogues de ventes cristallisent souvent dans de magnifiques catalogues, tels des livres d'art, toute l'œuvre du collectionneur.
D'autres collectionneurs quant à eux, cèdent une partie de leur patrimoine à des musées sous la forme d'une donation, occasion de persister dans la mémoire collective bien au delà de ses propres espérances...

Cet été met met en perspective, quelques collectionneurs de renom dans le domaine de l'art aborigène. Ces inclinaisons, motivations, et choix tranchés introduisent une sorte de rupture qui ne me laisse pas indifférent :

1. La cession de plus de 300 objets et toiles aborigènes d'un grand intérêt au Hood Museum of Art, par les collectionneurs Will Owen et Harvey Wagner aux USA. Cela me donne l'occasion d'évoquer la nouvelle adresse de son remarquable blog "Aboriginal Art & culture: an american eye". Un must pour se tenir au courant de la vie du mouvement d'art aborigène, avec à chaque billet des analyses puissantes et fines, développées par ce passionné éclairé.

2. La vente de la collection William et Lucy Mora le 21 juillet dernier chez Deutschner & Hackett. Ce grand galeriste d'art aborigène (William Mora gallery), cède ainsi à un tournant de vie sa fort belle collection. Le marché n'a pas été insensible avec plus de 92% des lots vendus pour un montant global de 1 142 000 dollars australiens. Je vous invite à la découvrir en ligne pour en apprécier toute la valeur si ne n'est continuer à développer un regard.

3. La cession également fort étonnante de quelques œuvres (toiles et objets) de la collection Gabriella Pizzi à la prochaine vente de la maison Sotheby's Australia. Une des plus grandes collections d'art aborigène, reprise par la fille de Gabriella. Sa mère étaient connue pour son niveau d'exigence sans parler d'un caractère très affirmé. Leur collection a voyagé à travers le monde. Grâce à leur entremise, des artistes aborigènes furent également accueillis à la Biennale de Venise, dont la grande Emily Kame Kngwarerreye en 1997, à titre posthume.
Le 26 juillet prochain il sera possible de découvrir la réaction des collectionneurs face à des peintures de Papunya, réalisées aux toutes premières heures de la naissance du mouvement d'art contemporain aborigène. Je vous invite ici également à poser votre regard sur ces très belles œuvres.

Choisir entre transmission du savoir et les sirènes du marché de l'art aborigène ?

2010-07-21T20:05:00.005+01:00

© Dave Ross Pwerle, c-1935
Titre : White tailed kangaroo rat at Arkubookaringya - 1991
225 x 130 cm. Collection Brocard II

Dans un mouvement artistique, il y a des étoiles. Des artistes fulgurants, inspirés, qui émergent, influencent, puis s'éteignent. L'art aborigène en compte un nombre plus important que d'autres.
Le succès, une nouvelle notoriété, les multiples tentations de notre monde contemporain offrent d'innombrables pièges aux nomades du bush.

De grands artistes, parmi la première génération du mouvement d'art aborigène, tombèrent dans une sorte de déchéance liée à l'alcoolisme, en particulier à Papunya. Certains n'étaient plus que l'ombre d'eux-mêmes. Pourtant ils furent les révélateurs de cette conscience et culture aborigène. Ils ouvrirent ensemble une fenêtre sur 60 000 ans d'histoire, conférant à ce peuple noir une noblesse oubliée.

Dave Ross Pwerle pourrait être une de ces étoiles. Certes il n'a pas sombré dans une addiction quelconque, mais après quelques œuvres majeures, il a disparu de la scène artistique.
La France s'est assez tôt intéressée à son travail par l'entremise du galeriste Stéphane Jacob. Grâce à lui quelques œuvres sont rentrées dans les grandes collections publiques du Musée du Quai Branly à Paris, ou par exemple du Musée des Confluences à Lyon.

J'ai eu l'occasion de revoir à Brest cet été, dans l'exposition "Art Inuit - Art Aborigène", une œuvre maîtresse qui avait fait la une du journal Le Monde il y a quelques années. Avec ses 5 mètres de long, la taille de cette peinture s'avère tout à fait exceptionnelle et le travail d'une grande finition. Elle fait partie aujourd'hui des collections du futur Musée des Confuences à Lyon et je vous invite à la découvrir à nouveau dans un ancien billet du blog.

Dans cette immense toile, comme dans celle présentée dans ce billet ci-dessus, la méticulosité de l'exécution reste marquante. Ce pointillisme exacerbé rappelle les premières heures de la communauté d'Utopia. Les couleurs reprennent avec fidélité les teintes du désert central. L'ensemble dégage une certaine puissance d'expression dans des effets de volume où certaines parties et structures élaborées de la toile semblent se détacher de la trame de fond.

L'œuvre appartient au domaine sacré et véhicule un rêve complexe lié au "White-tailed kangaroo rat". En particulier, la toile reprend des signes géographiques du lieu appelé Apalpa, représentés par les médaillons centraux.
Dans l'espace temps, au cœur de cette peinture débute une cérémonie destinée aux jeunes hommes, assez nombreux et suggérés par les signes en U. Elle sera longue et élaborée.
Leur apprentissage va concerner les dernières phases préparatoires de la cérémonie des petits arcs (Alpeta). Les lignes, entourées de cercles, soulignent les signes peints sur leurs armes (Agariba). Au fil de la cérémonie, ils vont également découvrir comment dessiner les ornements traditionnels sur leurs poitrines et leurs épaules.

Il y a presque 20 ans, la galerie Delmore à Alice Springs, transmettait encore aux collectionneurs quelques rares éléments contextuels sur les cérémonies évoquées dans les peintures. Depuis ces descriptions s'avèrent de plus en rares. Je me souviens en particulier d'une toile de Dave Ross Pwerle des années 2007. L'artiste pouvait la présenter de façon lapidaire comme "sans-titre" ou juste "Business des hommes". Un peu court tout de même.

Je regrette que cet artiste ait cessé de peindre. Homme de loi respecté, il avait une carrière toute tracée pour lui. Ses peintures se font rares. De facture classique, elles ne décollent heureusement plus aujourd'hui, n'ayant plus les faveurs des conservateurs, ni des galeristes plus portés sur les peintres émergents. Quelque part tant mieux. Cela permet de retrouver des œuvres de cette qualité sur le marché. Quant à la postérité, il y trouvera probablement une bonne place discrète mais sérieuse dans le développement du mouvement. En attendant, il œuvre pour transmettre son savoir aux plus jeunes sans se laisser perturber par les sirènes du marché de l'art. Comment ne pas respecter cette vocation ?

Pour mémoire, quelques tableaux de l'artiste présentés sur le blog soulignent l'évolution de son style : ici ou là ou bien encore par ce chemin ou celui-là, sans oublier son parcours "français" souligné par son CV .

Art aborigène : oser la couleur

2010-07-20T16:43:00.008+01:00

120 x 90 cm. Collection Brocard II

Ma petite nièce adorerait cette peinture. Ces nuances de rose, de violet et de rouge mordoré, auraient tout pour la ravir. D'ailleurs, si elle le pouvait elle se teindrait les cheveux tout en rose. Du haut de ses trois ans, elle le demandait à sa maman, sans aucun succès... ou bien après ses 18 ans ! Autant dire une éternité pour cette petite fille.

Oser la couleur. Ce processus fut assez lent et progressif pour moi. Je pourrais dire que l'art aborigène m'a accompagné en douceur sur ce chemin. Au tout début je fus happé par les couleurs terres, ocres du désert central. Puis progressivement, je fus appelé vers un expressionnisme plus marqué et des couleurs de plus en plus audacieuses et vives.

Ce chemin un peu transgressif au coeur des couleurs, illustre également les tensions du mouvement d'art aborigène. Jetées sur la toile délicatement dans une dynamique pointilliste, ou exprimées avec véhémence par les jeunes artistes émergents, ces couleurs marquent un tournant, une sorte de liberté conquise dans la création artistique.

Si certains artistes reprennent les thèmes des anciens, avec les motifs traditionnels, ils leur ajoutent une personnalité propre, un regard différent, une sorte de rupture en osant des palettes de couleurs innovantes. L'oeuvre quitte ainsi le terrain du bush et va conquérir d'autres univers créatifs. La couleur devient une sorte de passeport, un vecteur assurant la transition entre un art tribal et un art assurément contemporain.

Je dois l'avouer, ce n'est pas le rose qui m'a séduit dans cette peinture. Dans la subjectivité des sexes je reste encore assez hermétique à cette teinte. C'est bien plus ici la façon de combiner et de décliner toutes ces nuances de rose, qui interpelle. L'ensemble invite à une contemplation différente de l'environnement de l'artiste Sonia Kurrara.

Les enchevêtrement de plantes multiples, transformées, réincarnées dans ces nouvelles couleurs, dépassent les limites du terroir. Il y existe comme une sorte de carnation. De la cartographie du paysage, nous pourrions passer à une sorte d'échographie du corps, vers une animalité palpitante. Sentez ces formes qui ondulent sur la toile...

En tant que collectionneur amateur, j'ose à mon tour ces couleurs, me laisse en partie submerger par elles, dans la dynamique nourrie de ce mouvement d'art contemporain.

Immensité cadastrale épurée

2010-07-05T01:26:00.006+01:00

Mercredi dernier, je visitais sur Brest l'exposition "art inuit art aborigène", déjà évoquée sur le blog. L'Abbaye de Daoulas restait bien calme en pleine semaine. Les grandes salles à défaut d'être visitées, offraient un écrin silencieux, presque sauvage, comme les grandes étendues des déserts de sable et de glace. Les nombreux os de baleine sculptés des inuits tentaient un dialogue improbable avec les œuvres aborigènes. J'essayais d'y capter les éventuelles échanges entre un puissant phoque sculpté et les toiles pointillistes de Daniel Walbidi juste en face. L'exercice s'avérait difficile. La démarche pourrait être inverse.

Les inuits ré-inventent une forme d'une matière égarée et à demi-fossilisée, comme un animal et l'esprit associé, dans un art de la proximité, dans des œuvres tactiles.
Les aborigènes, de leur côté, habitent l'espace, transcendent et déclinent la notion de territoire dans un mouvement d'abstraction codifié sur la toile.
Un peuple nomade ouvre ainsi des fenêtres en close-up, des représentations rapprochées, tandis que l'autre communauté s'ouvre et s'abîme dans l'immensité cadastrale épurée.

La peinture de l'artiste Sonia Kurarra, présentée ci-dessus, offre une déclinaison abstraite et simplifiée des plantes et animaux des marécages de sa région natale. Les circonvolutions hypnotiques jouent avec les teintes subtiles et harmonieuses des végétaux. La peinture pourrait traverser différents univers, d'un itinéraire de pêche et de collecte, à celle de rassemblements communautaires, tout en faisant penser à certaines peintures corporelles du désert ou motifs cerclés sur les Churinga sacrés comme ici.

L'ensemble dégage une puissance rythmée discrète, puisque comme bien d'autres peintures, cette œuvre n'a finalement et modestement aucun titre officiel.

Linéarité complexe et résumé d'un paysage aborigène

2010-06-21T22:39:00.007+01:00

Avez-vous déjà observé du haut d'une dune de sable, le paysage au lointain, l'œil rivé au niveau du sol ? Cette opération un peu périlleuse en période de vent, offre un aperçu étrange de l'environnement. A perte de vue, sur une ligne de mire plate, différentes teintes alternent, s'additionnent, se superposent et s'alignent dans la perspective du point de fuite.

Certains peintres aborigènes comme Ronnie Tjampitjinpa déjà présenté ici sur le blog, utilisent ces stratagèmes pour construire des formes élaborées sur leurs toiles. Habilement ils posent leur tête dans le coin du châssis et observent le devenir de leur création, les mouvements à y impulser...

Les artistes aborigènes s'avèrent fameux dans la lecture et l'interprétation des paysages. Les formes sont épurés, le relief s'émousse sur une seul courbe de niveau. Une dune, l'orée de buissons de spinifex, un lac salé, des étendues d'eau comme la terre d'origine de Weaver Jack, se résumeront à l'alternance de simples lignes d'une couleur différente.

La toile raconte un territoire, un périple ancestral, une interprétation renouvelée des teintes du désert. L'ensemble dévoile l'audace de cette grande coloriste Aborigène et femme de loi respectée, dont les compositions inspirent également le jeune talent Daniel Walbidi.

Atomisation, compulsion et structure magnétique

2010-06-20T09:53:00.012+01:00

Ma rencontre avec l'art aborigène fut le fruit du hasard. Un RDV manqué sur Amsterdam se tranforma en une visite de la ville d'Utrecht et de son beau musée l'AAMU. Depuis cette découverte en 2004, la puissance créatrice des artistes, leur capacité d'innovation, l'émergence de nouveaux talents nourrissent mon regard et une passion.

Il y a quelques semaines j'étais contacté par l'Art Gallery of Western Australia pour le prêt d'une toile du peintre Sonia Kurarra. Elle fait partie des 16 artistes sélectionnés pour le troisième Western Australian Indigenous Art Awards dont l'exposition se tiendra 31 juillet au 3 janvier 2011.
Crise oblige, transport un peu compliqué, la toile restera finalement en Europe et évitera ainsi d'augmenter sa charge de CO2. Les aller-retour entre l'Australie et l'Europe ont quelques limites et tant de trésors restent certainement disponibles en Australie pour l'exposition.

A près de 60 ans, peignant depuis fort peu de temps, Sonia Kurarra s'avère de plus en plus recherchée par les conservateurs de musée en Australie. Il s'agit d'une figure montante de Mangkaja Fitzroy.
J'aime dans ses œuvres le côté "compulsif et expressionniste" souligné par Katie McGuire, coordinateur du centre d'art. Je reste marqué par ces touches déstructurées, presque atomisées. Elles prennent progressivement possession de la toile et y construisent une structure élaborée, presque magnétique.

Cette toile viendra compléter l'œuvre en lien ci-dessus et celle-ci présentée sur le blog quelques mois plus tôt...

Un cercueil sablier géant pour l'homme poussière

2010-06-10T23:06:00.014+01:00

Ce tronc évidé d'eucalyptus toise le monde des vivants du haut de ses deux mètres. Hier arbre élancé et fier, nourri d'une sève généreuse, il fut progressivement grignoté par les termites en son cœur.

Ce qui était plein et dense a cédé la place au vide, dans un combat minuscule, derrière l'invisibilité de la surface.

Dans la tradition aborigène, ces troncs restent convoités. Certains deviendront des instruments de musique, offrant de subtiles résonances par l'espace libéré. Les fameux didgeridoos.
D'autres comme ici* deviendront des Lorrkkons, sorte de cercueil à ciel ouvert. Les os du défunt, concassés et mélangés à l'ocre sacré y seront accueillis dans ce glaive planté en terre.

L'arbre avait puisé son énergie dans les forces telluriques. L'insecte a stoppé le processus. Puis l'homme disparu, dont on taira le nom durant la phase de deuil, va réhabiter l'espace vacant.

Sa substance rouge s'y dissout progressivement dans une sorte de sablier géant. Les éléments se conjuguent. L'homme poussière revient au sol tandis que le tronc poursuit sa dégradation progressive.
Puis le défunt retrouvera son nom dans la mémoire collective, une fois le processus achevé.

La symbolique est puissante et magnifiée par le travail de hachures rituelles abstraites ou rarrk déjà évoqué sur le blog, ici ou là.

(*) Lorrkkon, Hollow log 2008
212 x 20 cm. © John Mawurndjul
Provenance : Maningrida, Palya Art, Maison de vente Gaïa
Collection Brocard II

Relire les vérités des peuples nomades ?

2010-05-09T21:21:00.010+01:00

Grand Nord, Grand Sud, Artistes Inuits, Artistes Aborigènes
Du 11 mai au 28 Novembre 2010
Abbaye de Daoulas, Bretagne.

Il fallait oser susciter la rencontre de deux cultures logées aux antipodes. Entre Artique et Océanie, des milliers de kilomètres séparent les Inuits des Aborigènes d'Australie. Cette distance considérable fut parcourue par les premiers hommes, au rythme lent des générations, depuis le berceau Africain il y a près de 150 000 ans.

Tout pourrait les séparer. Les traits de leurs visages, les pigments de la peau, leurs habitudes alimentaires, aussi bien que leurs pratiques culturelles.
Face aux immensités glacées, au désert rouge et étouffant, ces hommes "premiers" s'ajustèrent.

Il en fallait de l'audace pour survivre en ces lieux, y apprendre les codes, y lire les moindres signes propres à percevoir des nuances vitales. Le vocabulaire Inuit décline les multiples états de la neige et souligne cette densité des perceptions. De la même façon la typologie spatiale, historique, spirituelle des lieux aborigènes, témoignent de l'importance de la mémoire sur ces chemins de vie.

Là où l'homme moderne aurait apporté de la technologie, ils s'escrimèrent à ne conserver que l'essentiel pour développer d'autres formes d'intelligence, de perception de l'espace et d'évocation des esprits. Chamanisme, totémisme donnaient une résonance particulière, porteuse de sens, face à l'aléatoire auquel ils restaient soumis. Sur ces océans de sable et de glace, l'homme inventif, curieux, subtil a développé des parades pour assurer la subsistance des siens.

A l'inverse de nos "camisoles" matérialistes, ils ont gardé cette sensibilité dépouillée, primesautière des premiers hommes. Le geste de l'artiste accompagne spontanément un élan créatif affûtés par des sens à l'écoute des signes laissés par les anciens. Aussi bien en peinture, qu'en sculpture, ils nous invitent à relire les vérités des peuples nomades des origines, avec une grammaire picturale toute contemporaine.

L'art s'affirme pour eux, comme un moyen d'expression, un vecteur de reconnaissance et de subsistance, si ce n'est un passeport politique face à un monde tant gouverné par le recherche du profit et de l'éclat.

Ce lundi 10 mai, en Bretagne, dans la secrète Abbaye de Daoulas se tiendra le vernissage de l'exposition Grand Nord Grand Sud, Art Inuit - Art Aborigènes. J'ai hésité à faire le déplacement. Le dîner aurait été l'occasion de croiser d'autres passionnés d'Art Aborigène et d'échanger avec les commissaires de l'exposition sur l'audace de cette exposition.

Il y aura peut-être d'autres opportunités...
Sans y être néanmoins, je participerai tout de même modestement à l'évènement avec le prêt de 4 peintures, déjà présentées sur le site :

Trois oeuvres de Daniel Walbidi, ici, là ou encore dans cet autre billet
Une toile de Yinarupa Nangala primée cette année.

J'imagine leurs derniers préparatifs ce soir, avant l'ouverture de l'exposition le 11 mai. L'éclairage à ajuster. La notice manquante à ré-imprimer. Les socles à vérifier. Les dossiers de presse à boucler. Les discours à peaufiner... Bonne chance et à bientôt cet été !

En savoir plus :
Abbaye de Daoulas
Pré-dossier de presse de l'Exposition
Dossier pour les enseignants

Affres du marché de l'art aborigène ?

2010-04-11T15:44:00.005+01:00

Depuis quelques mois, on assiste en Europe à un intérêt grandissant pour l'art aborigène. Des musées enrichissent leurs collections d'art contemporain ou d'art "premier" de façon plus ou moins éclairée. De nouveaux galeristes virtuels ou avec "pas de porte" lancent de multiples expositions couplées à des conférences pertinentes ou décalées, et cela avec plus ou moins de succès.
Des maisons de vente aux enchères en France comme Tajan ou Gaïa, s'y engouffrent avec énergie...
Des groupes de discussion apparaissent dans les réseaux sociaux ou sur Twitter...

C'est incontestable, l'art aborigène devient presque à la mode avec des effets bénéfiques et néfastes. D'un côté, cela encourage les artistes à créer des œuvres. Toute peinture d'art aborigène trouve aussitôt un acheteur en Australie, de la main à la main dans la rue, à travers les réseaux des communautés ou dans les "temples" des galeries.
De la toile documentaire pour touriste, à l'œuvre décorative ou au chef d'œuvre, les distances restent néanmoins importantes.

Les résultats de deux ventes aux enchères illustrent ce phénomène où le meilleur peut côtoyer le plus modeste.
Prenez par exemple la maison Tajan s'essayant à l'art aborigène dans une vente le 17 Mars dernier. Sur 52 tableaux d'art aborigène proposés, seul 7 furent vendus, ce qui représente juste 13% des lots. Un très mauvais score. Les raisons peuvent être recherchées dans différentes directions :

l'absence de provenance claire et sérieuse pour les toiles présentées ?
la présence irrégulière de certificats délivrés par les communautés d'artistes ?
une sélection d'œuvres pas toujours à la hauteur d'un évènement comme celui-ci ?

Cette tentative s'avérait pourtant intéressante. Il reste à espérer que la maison Tajan, connue pour la qualité et l'ambition de ses ventes, tentera d'autres initiatives avec plus de succès.

A l'inverse la maison de vente aux enchères Deutscher and Hackett en Australie, s'est illustrée par une vente d'art aborigène assez remarquable le 24 mars dernier, juste une semaine après Tajan. Plus de 60% des lots furent vendus, avec quelques records pour de jeunes artistes.
C'est d'ailleurs ce point qui me séduisait particulièrement, avec le rassemblement de toiles historiques (1972), de peintres émergents et d'artistes plus confirmés. Dans cet éventail les organisateurs ont réuni ce qui se fait de mieux en art aborigène, avec une sélection sans aucun compromis sur les provenances. Je vous invite à la découvrir en suivant ce lien.

Ces dernières années, deux expositions-ventes d'art aborigène furent également organisées sur Bruxelles, avec un succès plus que mitigé. A peine 3 toiles furent vendues à chacune de ces occasions.

De la même façon, les ventes de certaines galeries ont bien plus été portées (en chiffre d'affaires) par les acquisitions successives du Musée du Quai Branly et du Musée des Confluences de Lyon, que par les achats des quelques rares collectionneurs en France.

Et pourtant à côté de cela, le marché de l'art contemporain se porte à merveille. Certes il a souffert de la crise, mais le prix des toiles atteint toujours des sommets en comparaison de celles de l'art aborigène. Dés lors il convient de s'interroger :

S'agit-il d'une incompréhension face à cette forme d'art ?
Du manque de repères culturels ?
D'une histoire qui n'est pas la nôtre ?
D'une complexité peu accessible ?
D'un écartèlement jamais résolu en art "ethnographique" et art contemporain ?

Difficile de répondre. Le mouvement s'affirme pourtant comme bien vivant, avec de multiples jeunes artistes talentueux. Sans doute s'agit-il d'un des seuls mouvements artistiques identifiés, cohérents et inventifs autour du XXIe siècle...

De belles reconnaissance arrivent également des Etats-Unis avec une exposition d'art Aborigène au MET à New-York il y a quelques mois, ou d'Europe avec de fort belles expositions au AAMU (Aboriginal Art Museum d'Utrecht) dont la dernière "Crossing frontiers" sur Paddy Bedford.

Peut-être l'art aborigène ne rencontrera-t-il jamais un marché important. Tant pis ou tant mieux car avant tout quel régal pour les yeux, le cœur et l'intelligence des amateurs.

Résonances d'un big bang végétal

2010-04-06T21:37:00.005+01:00

© Tjurnu by Teresa Nowee. 180 x 150 cm.
With the courtesy of Red Dot Gallery, Singapore.
Balgo community.

Dans cet infini pointilliste blanc et neutre se dessine petit à petit un paysage.

Les multiples voiles aux teintes diaphanes invitent autant vers le centre sacré du rocher de Tjurnu, qu'ils éloignent dans les résonances d'un big bang végétal.

Buissons de spinifex, grappes de raison, pieds de tomate, arbres du désert conjuguent dans l'abstraction leurs spectres colorés.

Herbier, paysage, carte totémique, résonance spirituel d'un lieu sacré... Les interprétations multiples s'invitent sur cette toile.

Dans ce cheminement créatif, fidèle à l'héritage de ses proches, grands peintres du bush, l'artiste Teresa Nowee (1971) y a inventé une individualité réjouissante.

Créativité des peuples nomades et individualité

2010-03-30T21:57:00.009+01:00

L'émergence d'artistes dans les communautés aborigènes a toujours suscité une certaine réserve dans le monde de l'art. Pour beaucoup d'observateurs les anciens nomades reproduisaient des mythes, des rêves selon des codes convenus, dans une sorte de pédagogie de la répétition.
Nous étions loin de ces ruptures introduites par les artistes contemporains occidentaux.

Puis apparurent dans l'art aborigène des individualités. Du batik aux multiples productions de toiles acryliques, tout d'un coup un artiste se trouvait en situation d'inventeur, adoptant un style propre, reconnaissable entre tous, subtile. Cet élan créatif prenait forme et ouvrait la porte à une avancée vers un nouveau langage artistique, les prémisses d'un nouveau mouvement.
Certains grands maîtres de 26 à 80 ans, continuent d'enseigner aujourd'hui leurs techniques, la dynamique impulsée par un nouveau degré d'abstraction dans la complexité, ou à l'inverse d'une spontanéité fulgurante et audacieuse... Il n'y a pas d'âge pour devenir mentor ou coach des plus jeunes s'essayant aux pinceaux.

De temps en temps cela m'amuse d'entendre des galeristes spécialisés parler sans ambage de tel ou tel mouvement un peu "boring", glissant vers l'ennui. Certes, les toiles y sont magistrales, captivantes, délicatement inventives, mais souvent dans une logique sans surprise.

En innovation, comme en art, la rupture confine au Saint Graal. Artistes et galeristes la recherchent avec une soif inconsolable. Il s'agit du code, de la clef vers un autre univers, une autre dimension créative.

C'est sans doute cela qui me plait chez les Aborigènes où se concentrent finalement tant de talents et d'artistes. Leur capacité à éveiller cette force d'expression, à l'élever au rang d'un métier, peut-être le seul qu'on leur autorise sans difficulté, laisse songeur... surtout si l'on pense à d'autres peuples artistes des Tassilis du Sahara, de Lascaux ou de la grotte Cosquer...

Avons-nous oublié notre potentiel artistique ? Ou bine ces peuples disposaient-ils d'une élite chaman-artiste ? Difficile de trancher. Le pourcentage d'artiste s'avère tellement plus important dans ces anciens peuples nomades, non capitalistes, libérés de l'appât du gain, convertis à une autre forme d'harmonie et d'éveil...

L'artiste Sonia Kurarra déjà présentée sur le blog ici, réalise des toiles de plus en plus surprenantes. Si elle a commencé à peindre dans les années 90, ses créations prennent un nouveau virage depuis près de deux ans. Elle couche aujourd'hui sur la toile les formes épurées presque abstraites des plantes et animaux de sa région marécageuse, avec une palette de couleur assez inattendue.

Dans la toile présentée plus haut, un fond délicatement nuancé de vert cède ici la place à une composition aérienne et tumultueuse de motifs blancs et nacrés. Dans cette approche pétulante, offrant un chaos spontané, se détache une structure équilibrée, signifiante et probablement séduisante ?

Nouveaux talents aborigènes: Lydia Balbal de Bidyadanga

2010-03-25T23:42:00.009+01:00

Après trois mois d'absence, me voilà de retour sur la toile. Rien de considérable n'a changé. Du temps était nécessaire pour traverser quelques épreuves. Elles sont en partie derrière moi avec quelques artéfacts tout devant. C'est ainsi. Il convient d'avancer.

Durant quelques semaines ou mois je vais ré-ouvrir le blog car vous me manquez. Cette fenêtre sera ouverte encore quelques temps avant de trouver un autre chemin. J'y serais sans doute rare mais resterais très heureux de vous y retrouver, si vous êtes encore un peu là ?

Et oui. J'ai le sentiment de ne pouvoir garder pour moi toutes ces découvertes artistiques. Elles me dépassent, transforment mon regard. Ces communautés d'artistes m'invitent dans d'autres univers. Bien volontiers je m'y laisse guider, influencer. C'est un enchantement porteur de sens.

Leur langage pictural profond, leur grammaire des signes sacrés, les jeux de couleurs audacieux, parlent à une sorte d'inconscient. L'Australie est si loin, si mystérieuse, si mythique, que d'Europe il est si facile de l'idéaliser.

Un grand galeriste Australien rencontré il y a une semaine en Europe, me disait amusé, avec pétillance, "Il faut que tu ailles là-bas. Le meilleur moment c'est l'hiver en Juillet. Peut-être seras-tu déçu. Cela sera sans doute une fracture, mais aussi peut-être un enchantement... dans la torpeur du sable rouge du désert...".

Entre temps j'ai continué à traverser les communautés, et à revenir chez les jeunes talents.
Ils habitent leur époque. Ils portent tels des gardiens, cette résonance puissante avec l'histoire de leur peuple et une volonté marquée de construire leur futur. Leurs toiles traduisent ces élans, cette spontanéité presque insolente. J'y aime l'arrogance de leur créativité. Leur capacité, spontanément à revisiter des terrains artistiques mais avec une telle fertilité innovante.

Incontestablement, je dois vivre dans ce temps, écouter les battements de cœur de ces communautés aborigènes, plutôt que de courir après les artistes d'hier...

Dans ce billet j'aimerais partager avec vous un talent du côté de Broome, associé à l'ancienne communauté de Bidyadanga. Il s'agit de l'artiste Lydia Balbal, du même courant artistique que Daniel Walbidi déjà présenté dans le blog.

Son travail s'avère très intéressant et d'un fraicheur étonnante pour une artiste qui peint depuis juste deux ans. Sous son pinceau des paysages codifiés rythment la toile. Elle fut encore nomade jusqu'à l'adolescence et porte les messages de ce peuple chasseur-cueilleur dans ses créations.

La recherche de l'essentiel supprime tout superflu. Dans ces élans sur la toile nous pourrions être proches des inventions des figures des Cyclades en Grèce :
chercher à exprimer un maximum de choses avec une minimum de signes, dans une pensée épurée, affutée, intelligente, toute orientée vers la transmission du message.

Les mouvements alertes de Lydia Balbal guident les points, chahutés par ses combinaisons de couleurs, ses formes audacieuses signifiantes. L'ensemble captive et lui réserve je l'espère une bel avenir.

Sens artistique primesautier du nomadisme aborigène

2009-12-03T23:56:00.009+01:00

Dans ce désert de l'Australie, des petites communautés restreintes vivaient encore il y a 50 ans, dans un cadre original, authentique, fidèle à une histoire millénaire. Elles n'avaient pas rencontré de blancs, ni appréhendé leur culture, comme l'artiste Mulyatinki Marney accompagné de ses trois sœurs, juste avant les années 60.

Ensemble, au fil de leurs pérégrinations, cette fratrie véhiculait les dernières vibrations d'un monde nomade : une technologie rudimentaire laissant toute la place à l'épanouissement de l'esprit.

Elle portait en elle une sorte de chaînon manquant vers ces vérités oubliées d'un autre temps. 95% de l'histoire de l'humanité se construisit dans la logique tribale, dans la lecture attentive de la terre, dans ce sens de la mobilité et du nomadisme économe.

J'aime retrouver cette lecture presque tellurique dans les vibrations et lignes abstraites des peintures de ces artistes. Ils peignent depuis relativement peu de temps. Leurs premières expositions datent à peine de 2007.

Dans une certaine structure picturale, sorte de métaphore de leur pensée, s'exprime un sens artistique primesautier, développant spontanément un sens aigu des couleurs.

Multiplicité des sens : découverte d'une oeuvre de Eileen Napaltjarri (mise à jour)

2009-10-15T16:15:00.004+01:00

With the courtesy of Papunya Tula artist
© Eileen Napaltjarri
Collection privée Brocard II

Des plus secrets au coeur du "temps du rêve", aux plus créatifs, les différents niveaux de lecture d'une peinture aborigène restent d'une fécondité rare.

Le regard s'évade selon différents points de vue, des grains de sable déposés avec virtuosité par l'artiste, aux magnifiques empreintes imprimées par le vent dans le creux des dunes.

Plus loin encore, la cartographie du lieu transparaît à travers ces jeux de lignes, de crètes et d'excavations.

Dans ce tableau se révèlent aussi bien les jeux des dunes à l'ouest de la communauté de Kintore, que les lignes foncées, symbolisant des lances et des nulla nullas d'un groupe d'homme et de femmes voyageant tout autour. L'homme s'efface mais reste visible à travers son outil, son objet associé à son genre.

Dans ce travail vibrant d'Eileen Napaltjarri apparaît également autour des trous d'eau de Tjiturrulpa, dans une atmosphère douce relevée par le pointillage audacieux, la symbolique des aliments récoltés dans le bush australien. L'igname, le raison sec et les petites tomates de pura.

Une composition habile de la communauté de Papunya, dont les multiples sens suggérés invitent au voyage ou à la méditation...

La photo de cette oeuvre d'Eileen Napaltjarri est présentée sur le blog avec la ‘Courtesy of Papunya Tula Artists Pty Ltd’.

Développer ses connaissances en art aborigène à l'Université iTunes

2009-10-01T20:54:00.005+01:00

Après 10 heures de marche, accompagné par ses chameaux, le nomade ramasse un juste fagot pour assurer le feu du soir et la cuisson du repas. Comme de multiples générations avant lui il collecte ce bois rare, souvent réduit à de simples racines cachées dans le sable sous les dunes. Un geste ancestrale de survie.

Il conviendrait de vivre de multiples vies pour appréhender ces autres cultures, avoir le temps de les cotoyer, de les comprendre. Heureusement il existe des accélérateurs de connaissance : des hommes passeurs, mailleurs vers d'autres cultures, mais également des enseignements à l'université.

Aussi étrange que cela puisse paraître, le web offre quelques conférences remarquables et gratuites sur l'art aborigène, de quelques minutes à plusieurs heures. Je partage ci-dessous quelques liens directs à découvrir au sein ou en dehors d'iTunes University :

1. John W. and Maria T. Kluge Distinguished Lecture in Arts and Humanities http://deimos3.apple.com/WebObjects/Core.woa/Feed/virginia-public.1828407060.02086797422
1:10:45 16/12/08 Terry E. Smith of the University of Pittsburgh University of Virginia Kluge-Ruhe

2. A Safe Keeping Place: Shifting Museum Spaces and Embedded Aboriginal Cultural Protocols
http://deimos3.apple.com/WebObjects/Core.woa/Feed/virginia-public.1828407060.02086797422
1:17:27 16/12/08 Dr. Kimberly Christen, Assistant Professor at Washington State University University of Virginia Kluge-Ruhe

3. Mediating Forms: The Spiritual and Personal Dimension of Yolngu Portraiture
http://deimos3.apple.com/WebObjects/Core.woa/Feed/virginia-public.1828407060.02086797422
58:42 29/04/09 Howard Morphy, Australian National University University of Virginia Kluge-Ruhe

4. Lecture: Affective Visions: Early Papunya Boards 1:03:51 24/06/18 Roger Benjamin UCLA
http://deimos3.apple.com/WebObjects/Core.woa/Feed/ucla-public.2099074366.02099074368

5. Lecture: Dollar Dreaming - The Rise of the Aboriginal Art Market 34:23 24/06/18 Benjamin Genocchio UCLA
http://deimos3.apple.com/WebObjects/Core.woa/Feed/ucla-public.2099074366.02099074368

c

Résonance des peintres aborigènes autodidactes

2009-09-30T22:02:00.007+01:00

© Wakartu Cory Surprise, Jirratu Jila,
Mangkaja arts, 90 x 60 cm
With courtesy of RedDot gallery, Singapore
Collection privée Brocard II

Wakartu Cory Surprise (1929) a commencé à peindre au tout début des années 80.
Après une vie de nomade dans le plus simple appareil en plein désert, elle a rejoint différentes stations. Elle y exerça de nombreux petits métiers rudes et éreintants.

Personne n'a formé Wakartu à l'art de la peinture. Cela lui est venu spontanément avec une force et une spontanéité nourrie par la culture de son peuple, les enseignements des anciens, sa connaissance des paysages. Elle a un sens inné des couleurs. Elle les combine dans des à-plats denses et profonds le plus souvent ourlés par des contours en pointillés. Au centre de cette toile se trouve un trou d'eau sacré, souligné par un bleu pur.

Les petits points comme autant d'étapes d'un cycle complexe restent délicats et assez marqués sur cette peinture. A l'inverse ils ont tendance à disparaître dans ses œuvres les plus récentes, dans une sorte de continuum blanc soulignant des couleurs de plus en plus audacieuses.

Le travail de Wakartu Cory Surprise a souvent était comparé ou associé dans des expositions à l'artiste contemporaine Ildiko Kovac (cf. expo de chez Raft Art Space).
Une sorte de dialogue fertile s'établit entre les deux peintres, pourtant séparés par plusieurs générations et des cultures opposées.

c

Emergence d'un nouveau talent chez Mangkaja Arts

2009-09-25T21:59:00.009+01:00

© Sonia Kurarra. 120 x 120 cm. Mangkaja Arts. Title : River
With courtesy of Gallery Gondwana
Geography of Fitzroy Crossing
Collection privée Brocard II

Contrairement aux tableaux de la communauté de Papunya, je ne dispose pas de beaucoup de documentation sur cette oeuvre de Sonia Kurarra. Il existe bien un titre : River, mais c'est un peu maîgre à mon goût.

J'aime dans l'art aborigène cette idée d'un partage de connaissances. L'échange reste certes limité entre les anciens nomades et les blancs. Il se limite au non sacré, à quelques notions profanes, puis cède la place à l'émotion, au silence, à la contemplation de l'œuvre.
Un autre langage peut naître alors, plus intime, dans un co-transfert vers la toile et inversement.

Ici, nous avons juste une invitation vers la rivière, sans doute bien plus suggérée par la palette de couleurs d'eau, que par les motifs eux-mêmes. En effet ces derniers portent le plus souvent le nom de Pamarr (collines et rocher) sur d'autres peintures de l'artiste. Le titre du tableau tire donc bien sa force des nuances et équilibres de couleurs.

L'univers de la rivière comprend de nombreuses dimensions à la fois spirituelles, alimentaires, fonctionnelles et temporelles. Longtemps dans cette région, l'artiste a vécu simplement de chasse et de cueillette, se nourrissant le plus souvent de tortues, probablement suggérées ici par quelques circonvolutions, comme autant de cernes de croissance de la carapace.

Sonia Kurarra, nous offre ainsi une vision abstraite, inventive et spontanée, avec des pigments "sauvages" souvent liés à la terre. Son style est à part, très différents des autres artistes de Mangkaja Arts et il prend actuellement un nouveau tournant, souligné dans différentes expositions organisées dernièrement en Europe ou en Australie.

c

Sublimation des paysages aborigènes

2009-09-21T23:21:00.010+01:00

© Patrick Mung Mung, #26459, Purnululu, Warmun community
Natural ochre & pigment on canvas, 140x100cm
With the courtesy of Short St Gallery
Collection privée Brocard II

Mung Mung... Il existe une sorte de truculence dans cette famille de peintres aborigènes, le plus souvent traduite sur la toile par une vigueur dans la composition, une exaltation des couleurs de la terre, déclinée dans l'usage d'ochres et de résine.

Patrick Mung Mung a pris la suite de son père George grand homme de loi, juste au moment de sa disparition. Comme lui, il fut éleveur de bétail avant de se consacrer à la peinture en 1991.

Il développe dans son travail une conjugaison picturale étroite entre une connaissance profonde de sa terre et la mémoire culturelle de sa famille. Son œuvre garde également un lien très sensible avec les illustres anciens de la communauté de Warmun, comme Rover Thomas.

Le tableau "Purnululu" ci-dessus, reprend un paysage du parc national du même nom, site du patrimoine mondial depuis 2003, au sein du Kimberley, au nord-est de l'Australie occidentale.

La chaîne de montagne Bungle Bungle est ici symbolisée par des cônes finement striés, soulignant les couches contrastées de ce grès sédimenté il y a plus de 20 millions d'années.
Des gorges apparaissent dans la partie haute de la peinture dans un jeux subtile d'à-plats ochres nuancés.

Comment rester insensible à cette pétillance créative aborigène, si diversifiée, si riche en courants artistiques, dans une sorte de sublimation des courants terrestres et spirituels ?

A découvrir : exposition "Ochre, a study in materiality" Short st Gallery

c

Combinaison terrestre et cosmique

2009-09-16T19:12:00.008+01:00

Theresa Nowee Napaltjarri. 120 x 80 cm. 2009
Tjurnu. © Warlayirti Artists. Courtesy of Outstation gallery.
Collection privée

Avant d'arriver au cœur de cette toile, votre parcours traverse le désert autour de la région de Balgo au centre de l'Australie noire. Les petites tomates et raisins du bush sont symbolisés par les délicats points rouges et jaunes. Les buissons de spinifex et les rares arbustes des lieux s'illustrent dans les voiles abstraits de couleurs.

Au centre, rayonne une sorte d'oeil bleu, véritable renfoncement, trou dans la roche, appelé ici Tjurnu. Cet espace sacré s'ouvre dans le sol vers les profondeurs, dans le monde des ancêtres du temps du rêve. Bleu comme l'eau précieuse du désert, il symbolise sans doute, à la fois la vie terrestre et une analogie cosmique avec la lune.

Theresa Nowee décline ici un style tout à fait personnel avec ce type de représentation.
Dans les effets de pointillés, terre et ciel se confondent, s'invitent vers la voie lactée et suggère un mouvement circulaire fragile et aléatoire. Des amis se sont laissés tenter par cet achat...

Sous le regard des dunes, ils cultivent poésie et spiritualité

2009-08-28T00:09:00.005+01:00

Collection privée Brocard II

La communauté de Papunya où le mouvement contemporain aborigène démarra en 1971, ne cesse de se ré-inventer avec une fertilité créatrice enthousiasmante. Cette peinture de Nancy Nungurrayi (1935 - ...) s'avère un bon exemple à plus d'un titre.

L'artiste y use de tonalités de couleurs audacieuses autour de jeux de combinaison rouge-rose, jaune-orange, blanc et noir.

Les motifs composés avec beaucoup d'attention et de détails, dans la tradition de Papunya, soulignent des rêves et cérémonies liés à sa terre natale.

La palette de couleurs invite à suivre les "song lines", capte le regard vers ces chemins ancestraux, ici suggérés par les lignes parallèles.

De leur côté, les cercles concentriques renforcent la présence des lieux d'initiation, véritables espaces de rencontre sacrés de la communauté, réservés aux femmes ou aux hommes.

Quelques signes noirs en forme de U, désignent quant à eux, la forme d'un corps accroupi, vu du ciel. Il s'agit de femmes souvent accompagnées d'un bâton pour fouiller le sol à la recherche de racines, et d'un coolamon ou corbeille de bois sculpté pour rassembler la récolte.

Cette peinture offre une vision à la fois spatiale, géographique et intemporelle. Tout s'y rassemble et s'interpénètre. L'espace temps n'est pas le même que le nôtre. Les cartographies non plus.

L'oeuvre cultive ici poésie, nostalgie et spiritualité, sous le regard des dunes et des rochers.

26ème Telstra Award : un gagnant en rupture

2009-08-15T23:26:00.007+01:00

Source : 26th TELSTRA AWARD
Museum & Art Gallery of the Northern Territory
Artist : Danie Mellor © - From Rite to Ritual
Mixed media on paper
h 207 x w 154 cm

Dans un précédent billet, j'évoquais ceux qui donnent le "LA" dans l'art aborigène. Ce vendredi 14 août était remis à l'artiste Danie Mellor, le premier prix du 26ème Telstra award pour son oeuvre surprenante du Rite au Rituel, présenté ci-dessus.

Je dois avouer que ce choix me surprend. Nous sommes tellement loin des codes picturaux aborigènes traditionnels. Point de pointillisme. Point d'abstraction. Absence de motifs et codes couleurs liés à la spiritualité des communautés du bush...

Ici c'est différent. Je ne peux pas dire que j'aime ou n'aime pas. Disons que je suis sensible au sens véhiculé et souhaité par l'artiste :

"Du Rite aux Rituels explore la rencontre entre les indigènes et non-indigènes, ou les cultures déjà en place. La scène se déroule à l'intérieur d'une loge franc-maçonnique (une loge bleue), et souligne l'importance des cérémonies secrètes et publiques, en particulier l'initiation dans les deux cultures ; l'oeuvre évoque également le challenge des règles, et les différences dans l'établissement des spiritualités et croyances".

Cependant, ce choix du comité d'expert n'est pas neutre et suscite quelques interrogations :

Cherchent-ils à influencer le mouvement artistique aborigène pour le faire entrer dans une autre dimension aux antipodes des codes habituels ?
Existe-t-il une volonté d'assimiler plus fortement encore le mouvement aborigène dans un art plus occidental ?
Par cette sorte de correspondance ou métaphore entre initiation maçonnique et initiation aborigène, y aurait-il une autre volonté de densifier et crédibiliser dans les yeux occidentaux les rites du bush ?

Il serait intéressant de connaître la volonté du jury. Reste un choix audacieux qui ne manquera pas de faire parler de lui et invite dans d'autres univers picturaux tout un mouvement, au delà même de l'art aborigène urbain.

Dans la catégorie peinture par ailleurs, le prix a été remis à l'artiste Yinarupa Nangala, déjà évoqué ici dans un autre billet.

Un monde aborigène complexe

2009-08-14T12:17:00.005+01:00

Travel & ceremonies associated with the rockhole of Mukula,

by the artist Yinarupa Nangala ©. With the courtesy of Papunya Tula Artists. 122 x 122 cm.
© Collection privée Brocard II .

12h35 aujourd'hui. Je viens de recevoir cette peinture de l'artiste Yinarupa Nangala. Emotion comme toujours surtout après une si longue attente. Si vous vous souvenez, j'avais évoqué cette peinture en Février dernier, autour d'un texte sur "les Aborigènes ont-ils le droit d'entrer dans l'art contemporain ?".

Quelques étapes furent ensuite nécessaires avant de l'appréhender de visu. Découverte, étonnement, enthousiasme, président à cette rencontre. C'est le moment de l'émotion, du premier regard. Puis l'analyse surgit, les jeux de comparaison, la place occupée par une peinture de ce style dans la chronologie du mouvement artistique de Papunya Tula...

Je suis frappé par la qualité de l'éxécution, le niveau d'anticipation, spatial des motifs principaux. Ils soulignent une oeuvre totalement conceptualisée dans l'esprit de l'artiste avant d'être couchée sur la toile de lin.

Dans ce voyage associé au site de Mukula, passé et présent se marrient dans le cycle des cérémonies. Tangible et spiritualité se tutoient dans l'alimentation du corps et de l'esprit. Tradition et modernité s'affichent dans une oeuvre picturale ambitieuse et fidèle.

Au sein d'une même toile, ces différentes dimensions se conjuguent et révèlent toute la complexité du monde aborigène d'aujourd'hui.

Inuit et Aborigène : un art passeport citoyen

2009-08-05T17:18:00.007+01:00

© Jutai Toonoo, Kraft Dinner.

Cape Dorset. Serpentine. 11" x 8.5" x 7"

with the courtesy of Inuit Gallery in Vancouver

Collection privée Brocard II

En quelques années j'ai appris à apprivoiser, à connaître les déserts du Yemen, d'Israël, Jordanie ou Irak.
La première rencontre un peu difficile fut avec ces étendues constituées uniquement de pierres sèches, brûlées par le soleil. Certes elles étaient grandioses, immenses, mais ressemblaient aux paysages de certains treks en Montagne vers les 3000 mètres d'altitude, là où la végétation se fait rare et cède la place au minéral. Ce n'était pas tout à fait neuf. Dans ces pierres atomisées, il n'existait pas ce niveau de perfection visible dans les dunes.

L'impression fut très différente au Sahara, mon premier vrai désert de mer de sable. Une exitation un peu folle, l'envie de courir sur les dunes, dans les creux. Une émotion forte comme une petite boulle de feu iradiant votre ventre. C'était le désert, le vrai, l'absolu. J'y étais comme un enfant, émerveillé.

Lors de nos marches, je pouvais y rencontrer ses habitants visibles ou invisibles, accompagnés de leurs chargements ou de leurs témoignages en pierre ou en gravure. Nous pouvions y ressentir des présences, imaginer les lieux, les époques, ouvrir notre regard et nos âmes à plus de simplicité. Ces anciens apparaissaient là dans le creux d'un rocher, dans une meule polie croisée en chemin, dans une paroie peinte.

Finalement, le nomadisme, la vie itinérante, ses cohortes d'objets légers, furent ma porte d'entrée vers l'art aborigène et l'art inuit, dans un jeu de correspondances et d'émotions partagées.

C'est en 1948, que la sculpture Inuit prend un élan contemporain. Désoeuvrés, marginaux, les inuits périclitaient, oubliés dans cette phase de transition du nomadisme vers des communautés plus sédentarisées.
Quelques années tard, en 1971, les aborigènes d'Australie prenaient également le chemin de l'art en peignant une école de la communauté de Papunya. L'art devenait chez eux une sorte de passeport citoyen, ouvrant à une reconnaissance culturelle et à la récupération de certaines terres. Enfin après quelques siècles de colonisation, les aborigènes trouvaient une petite place dans un monde économique capitaliste aux antipodes de la philosophie nomade.

Inuits, Aborigènes, ces deux peuples entrèrent dans le chaudron de l'art contemporain par accident. Certes ils étaient artistes dans leur âme et dans leurs chairs depuis toujours... Mais leur entrée dans le monde de l'art fut presque le fruit du hasard. Avec à chaque fois, une rencontre, l'intérêt et la sensibilité d'un occidental. C'est bien la volonté farouche de quelques individus, leurs invitations multiples qui firent basculer ces peuples en péril dans un dynamique vertueuse et noble de création.

Dans l'oeuvre Inuit ci-dessus, sculpture de la région de Cap Dorset, intitulée "Kraft Dinner", différents messages sont inscrits sur la pierre.
L'artiste Jutai Toonoo y souligne ici un message sybillin : "It wasn't too long ago when only people well off had weight problems..., I don't trust Santa".

Il attire sans doute notre attention sur les questions liées aux bouleversements alimentaires induits par la sédentarisation et les pathologies associées : diabète, cholestérol, carries, affectent en effet ces populations hier épargnées.

Les trois visages présents dans cette composition, soulignent de façon assez classique et subtile la cohésion de la cellule familiale inuit. Cependant sur cette oeuvre, une sorte d'élan semble suggérer un éloignement, un éclatement de celle-ci comme dans d'autres oeuvres de l'artiste.
La tête centrale semble donner naissance à un autre visage plus éloigné, comme une pensée vers un être cher ou des enfants maintenant autonomes.

Le grain de la serpentine est fin et offre des nuances multiples de vert. Une certaine force émane de l'ensemble. Ce fut suffisant pour m'aider à prendre une décision.

Entre continuité et attente : les peintures de Spinifex

2009-07-17T13:02:00.007+01:00

© Spinifex community. Wati Tjutaku. Travail collaboratif masculin.
238 x 146 cm. Provenance : Japingka Indigenous Fine art Gallery.
Collection privée.

Cela faisait des mois d'attente. Le temps nécessaire pour finaliser l'acquisition de 4 peintures, deux de chez Papunya déjà présentées ici ou là, une de Daniel Walbidi, et une autre de Lydia Balbal. D'une certaine façon, cet effort significatif et perlé mensuel habite les mouvements d'une collection.

Il y existe ce mélange subtil entre une découverte presque quotidienne de nouvelles toiles, la frustration d'effectuer des choix, la tension positive de prendre une décision, l'altérité convenue d'une éventuelle négociation... puis l'attente longue, fort longue avant de recevoir ces chefs d'oeuvre de l'Australie noire.

A chaque fois j'hésite entre faire une pause ou continuer. Un banquier serait heureux du premier choix. Un collectionneur y aurait presque l'impression d'une petite mort.
Avant d'acquérir cette peinture de Spinifex en photo ci-dessus, j'étais au coeur de ce dilemme. Faire une pause estivale ou se lancer à nouveau. Comme à chaque fois, j'ai ressenti comme un vide, un arrêt, dans cette logique de réflexion. La potentielle fin d'un direction engagée depuis déjà quelques 5 années.

Je regardais avec attention les créations du mouvement de Spinifex depuis un certain temps déjà, à la fois pour leur dimension artistique et politique. Elle a été établie en 1997 sous le concept de "Spinifex Arts Project". Dans ce cadre, avec l'ensemble des femmes et des hommes de cette communauté, une plainte a été formulée devant la "Federal Court" en novembre 2000, afin de signifier par la peinture leurs liens et leurs droits sur leur terre.
Ce fut un succès ! Dix de ces oeuvres fondatrices figurent aujourd'hui au Western Australian Museum.

Par son envergure importante, cette toile engloutit totalement le regard. De près l'ensemble de la vision est absorbée par cet ensemble paysagé, traversé par un rêve associé aux serpents.
Dans un jeu contrasté et harmonieux de couleurs et de motifs soignés, une carte topographique émerge.
Elle porte le témoignage d'un mythe ancestral, tout en soulignant la force de la communauté avec le travail collaboratif de cinq artistes : Roy Underwood, Ned Grant, Ian Rictor, Byron Brookes et Lenard Walker.

Encore une fois, entre continuité et attente, le choix ne fut pas trop long.

Changer son regard, ouvrir son âme...

2009-07-08T22:00:00.006+01:00

Lunettes Inuit en os à demi-fossilisé
© Collection privée Brocard II

Certains vous diront de temps à autres, vous avez un vrai regard. Le regard d'un artiste. Le regard d'un collectionneur, celui d'un esthète... C'est étrange comme formule. Un peu comme s'il existait de faux regards.

Je vois, j'observe, je focalise. Un regard s'avère la prolongation d'une action biologique, passivement. Et c'est déjà pas mal. Dans le miroitement des yeux, tout y défile, du plus beau au plus médiocre. Il y a des regards éteints, d'autres qui brillent d'une passion dévorante... Mais existe-t-il un "vrai regard" ?

S'agit-il de la capacité de s'arrêter face à face sur une œuvre plutôt qu'une autre, de façon un peu aléatoire ? De la sélectionner un peu au hasard des rencontres, des vernissages, où le choix est d'ailleurs également opéré en amont par d'autres; dans une sorte de conjugaison des regards, du conseiller scientifique à l'acheteur éventuel. Cette concaténation des regards évite sans doute des erreurs d'appréciation. Mais elle introduit un semblant de pensée unique, des modes, une seul vision très, trop partagée, des choix à effectuer ou non dans une collection.

Je comprends la jalousie de certains artistes aborigènes. Ils ne perçoivent pas toujours ces tendances du marché, ce qui peut sous-tendre une sélection. En effet pourquoi tout à coup tel artiste est-il porté au pinacle, en vertu de quels critères objectifs, par quelle entremise ?

Par l'expression "vrai regard", s'agit-il plutôt de la reconnaissance d'un regard curieux, exigeant, avide de découvertes et ne se reposant qu'en de rares occasions sur un objet pour mieux le rencontrer, l'appréhender dans toutes ses dimensions, puis le mettre de côté... dans une sorte de quête sans fin ? Peut-être.

Un regard s'affûte très certainement, se développe, comme un nez en parfumerie ou en œnologie. Voir disparaître un grand créateur de parfum m'émeut toujours.
20, 30 ans furent nécessaires pour développer son organe à son paroxysme au niveau de l'épithélium nasal, comme des neurones associés. Puis tout disparaît sans transmission rapide possible sauf par l'apprentissage et l'empirisme. Qu'en est-il du regard d'un grand collectionneur ? Arrive-t-il toujours à traduire en mots là où son regard l'entraîne ? Pourrait-il lui aussi le transmettre ?

Il n'y a pas de doute de mon côté. Mon regard a changé. Au moment où je vous écris, je suis face à deux peintures très colorées déjà présentées sur le blog ici où là.
Eclairées par une petite lampe LED, leur relief est mis en valeur dans des jeux de teinte qui me réjouissent. Quelques années plus tôt, jamais je crois, je n'aurais eu l'audace d'acquérir des œuvres si vibrantes. J'avais un certain classicisme en tête, une retenue... C'est évolutif et différent aujourd'hui.

Ces petites lunettes Inuit en os à demi-fossilisé offrent un autre regard. Fragiles, abîmées, rongées par le sel, elles sont aussi uniques dans l'art nomade.
Dans tous les déserts où la lumière est si brûlante et éclatante, seuls les inuits inventèrent des lunettes pour voir et se protéger. Elles accomplissaient ce que leurs yeux pourtant magnifiquement bridés et plissés ne pouvaient qu'entamer.

Je les attends avec impatience. Elles symbolisent si bien entre neige et collection, ce regard perçant pour déceler dans l'immensité, cette nécessité de le protéger des éclats trop brillants, cet attachement à se focaliser sur l'essentiel : le "code génétique" d'un mouvement artistique.

Changer son regard, ouvrir son âme... Tout un programme.

Ils donnent le "LA" dans l'art aborigène

2009-06-19T18:18:00.011+01:00

Nellie Marks Nakamarra, 2006, Kintore © 150 x 85 cm

Collection privée Brocard II.

Dans l'esprit du billet précédent, sur le B.A.B.A. de l'acheteur d'art aborigène à distance, je vous invite à porter attention aux évènements qui font le "LA" en Australie pour promouvoir des artistes, reconnaître ou lancer des talents...

4. Se tenir au courant des "Indigenous art awards"

Durant l'hiver australien, que vous soyez en Australie ou à distance vous aurez l'occasion de suivre sur internet les résultats et les catalogues des candidats pour les différents prix organisés chaque année dans le cadre de l'art aborigène.

Ces évènements vous montrent ce qui se fait de mieux dans ce domaine. Les artistes réservent en effet leurs plus belles toiles ou sculptures pour ces rencontres. Si les oeuvres sont à vendre, elles sont malheureusement bien souvent préemptées par les institutions nationales, des musées, des galeries ou des collectionneurs sur le haut de la vague.

Xstrata Coal Emerging Indigenous Art Award,
entre Juillet et Octobre
Organisé par la Queensland art gallery, il permet chaque année de révéler de nouveaux talents.

Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award (NATSIAA),
d'Août à Octobre
Celui-ci est assez extraordinaire. Organisé par le "Museum and Art Gallery Northern Territory" et sa directrice Apolline Kohen - française installée en Australie, précédement curateur du centre d'art de Maningrida - il couvre tous les différents médias de l'art aborigène, des écorces peintes... aux travaux sur papier. J'aime beaucoup la sélection de l'année 2008.

Le Desert Mob event
tout début septembre
Organisé par le Northern Territory Government, il est suivi de près par des collectionneurs aussi bien nationaux qu'internationaux.

La "Shalom Gamarada Aboriginal" art exhibition
entre la mi-juillet et fin juillet
On peut sentir beaucoup d'intuitions dans la sélection effectuée par Jessica Webb. L'exposition réunit le plus souvent des artistes en début de carrière. Le montant de la vente permet de financer la formation d'Aborigènes à l'université de médecine. Vous pouvez déjà commencer à découvrir une partie de la sélection pour l'année 2009.
Par contre ils ne semblent pas encore répondre...

Je vais acheter mon premier carré HERMES aborigène !

2009-06-19T01:17:00.008+01:00

Bush medecine leaves by Gloria Petyarre © for HERMES.
Aboriginal art, Utopia

L'art aborigène inspire la maison de luxe Hermès...
Je découvrais enfin il y a quelques jours des clichés avec une bonne résolution du nouveau carré de soie de la collection été 2009, tiré d'une toile de l'artiste Gloria Petyarre d'Utopia.

Ses peintures déjà présentées ici ou là sur le blog, figurent dans de nombreuses collections à travers le monde comme au musée de Seattle aux USA, ou sur la couverture de leur ouvrage.

Sur le site collaboratif Flickr je vous invite également à découvrir une très belle photo de Gloria en train de peindre dans son environnement.

Cela me donne envie d'acheter et d'offrir un carré Hermès pour la première fois. La légèreté du mouvement est tellement appropriée à un foulard.

La maison de luxe française a rétribué l'artiste de façon honorable et lui versera selon la règle du droit d'auteur, des royalties pendant près de 75 ans.
Une belle reconnaissance durable !

Forger son regard pour mieux appréhender l'art aborigène

2009-06-14T18:00:00.002+01:00

Cycle Tingari, par Nellie Marks Nakamarra © Utopia.
150 x 90 cm. Collection privée Brocard II.

... suite du billet précédent.

Aller au plus près de la source... Faire attention à la provenance, cela ne suffit pas vraiment pour passer à l'achat d'une peinture... Plusieurs fois des amis m'ont exprimé leurs craintes, cette porte ouverte sur l'inconnu du monde de l'art, avec ses règles, ses zones d'ombre...

C'est juste. Avant de laisser parler votre émotion, votre instinct, cela vaut la peine de forger son regard, d'appréhender le périmètre du terrain sur lequel vous envisagez de vous engager. Vous pourrez mieux y distinguer la qualité d'un tableau, son importance éventuel dans le mouvement artistique, la place qu'il occupe dans la production de l'artiste.

3. Forger votre regard en art aborigène

Vous êtes parisien, une visite du Musée du Quai Branly s'impose. Vous y retrouverez près de 20 toiles acryliques du désert central (avec les artistes Kathleen Petyarre, Dave Ross pwerle, Rover Thomas, Mick Namerari Tjapaltjari , Ronnie Tjampitjinpa...) et plus de 40 écorces peintes (de John Mawurndjul) principalement de la collection de Karel Kupka, quelques poteaux funéraires...

Vous êtes dans le nord de l'Europe, un détour vers le musée Aborigène d'Utrecht vaut la peine.
Des expositions thématiques conjuguent art contemporain et art aborigène dans un dialogue fertile.

Vous habitez dans le sud de la France, ne manquez pas l'ouverture du Musée des Confluences de Lyon, et les expositions d'art aborigène actuellement organisées dans les endroits emblématiques de la ville.

Vous pourriez également fréquenter les ventes aux enchères d'art aborigène, organisées par la maison parisienne Gaïa.

Ou bien suivre de près celles de Sotheby's en effectant une recherche sur le mot clef "Papunya" ou aboriginal, sans oublier la maison Christies. Les catalogues des ventes sont de temps en temps proposés sur eBay et offre une excellente documentation sur l'état du marché et des oeuvres de très bon niveau.

Un abonnement sur le site Art Price vous permettra également de vous faire une idée sur les prix de vente des tableaux, sur une échelle de temps de plusieurs années. En étant très attentif, vous pourrez même déterminer l'évolution des côtes, ou la marge de certains galeristes.

Allez rencontrer des spécialistes, dans les différentes galeries aborigènes en Europe.
Bien avant l'intention de vous vendre quelque chose, les galeristes seront enthousiastes à l'idée de partager leur passion. Ils savent que l'art aborigène se découvre étapes après étapes.

Sur Paris, le salon de Stéphane Jacob est assez réputé. Vous passerez la soirée à découvrir des peintures en dégustant du vin australien, le tout accompagné des conseils de ce spécialiste en art aborigène.
La galerie de Luc Berthier mérite également le détour, avec souvent de très belles expositions avec des oeuvres de la communauté de Maningrida, par exemple. Il s'apprête d'ailleurs à ouvrir une nouvelle exposition dans les prochains jours : "DERNIERS RÊVES" au 12 rue Jacques Callot 75006 Paris du 16 au 22 Juin inclus.
Différentes performances avec des artistes aborigènes sont de temps en temps organisées par la Galerie Yapa de Morteza Esmaili, située dans les contre-forts de l'église Saint Roch.

Sur Pont Aven, n'hésitez pas aller rendre visite à Marc Yvonnou dans sa galerie le "Temps du rêve". Il accompagne également les ventes d'art aborigène de la maion Gaïa en tant d'expert en art aborigène.

A suivre...

Comment fais-tu pour acheter des peintures sur internet ? (1)

2009-06-12T21:38:00.004+01:00

Violet Petyarre, Utopia. Peintures corporelles. 135 x 90 cm.

Collection privée Brocard II.

Le plus souvent, mes amis me demandent : "Comment fais-tu pour acheter des peintures sur internet ?". Tu risques de ne rien voir venir, d'être déçu. Ou bien de recevoir un faux, ou d'avoir le tableau bloqué en douane ?

Ils rajoutent. Moi, je souhaiterais pouvoir toucher la toile, l'appréhender dans son entier, ressentir. Et si c'est possible, la mettre en perspective dans mon intérieur, soit de façon virtuelle, soit de façon réelle avec un prêt temporaire d'un galeriste par exemple.

C'est compréhensible et légitime. Ils pourront ainsi la voir, se faire une idée et passer éventuellement à l'achat. Cela offre de beaux jours aux galeristes in situ. Tant mieux. Leur travail, en amont ou au delà de la vente en elle-même, favorise la promotion, une meilleure appréhension de l'art aborigène, par le dialogue et la rencontre. C'est utile et nécessaire pour inviter dans cette "famille des amateurs avertis".

D'autres comme moi se lanceront à distance. Peut-être pas la première fois. Il convient en effet de rentrer en art aborigène, d'être introduit, peut-être un peu "initié". Il est utile sans doute d'ouvrir les yeux sur un autre univers, d'autres codes picturaux, de changer un peu ses schémas mentaux. Cela suppose un contact, une discussion, tout du moins avec un amateur, collectionneur ou spécialiste.

Acheter à distance des œuvres d'art et aborigènes représente un risque. Je le reconnais et le prends avec enthousiasme et quelques précautions.

Sur ce marché, il n'y a plus de frontières, tout dépend de la qualité de l'offre. L'Australie bien entendu, mais Singapore, Paris, San Francisco, Amsterdam sont également des villes où figurent d'excellentes galeries d'art aborigène.

Y aurait-il un guide de l'acheteur d'art aborigène ? Je ne crois pas. Si je devais commencer une introduction sur le B.A.B.A. de l'acheteur d'art aborigène à distance, je soulignerais 6 points principaux :

1. Aller au plus près de la source
Il n'est pas toujours possible d'acheter directement auprès des artistes aborigènes.

Par contre les communautés ont bien souvent mis en place des coopératives artistiques autogérées par les artistes aborigènes eux-mêmes. Il s'agit d'une source de référence. Quelques liens utiles sur le site aboriginalart.org. Papunya Tula, Balgo, Yuendemu, Warmun, Maningrida... méritent à eux-seuls le détour.

Quand des communautés ne comportent pas d'organisation artistique, certaines galeries les représentent avec succès tout en respectant les principes communautaires. A titre d'exemple, pour le mouvement artistique de Bidyadanga, il convient ainsi de contacter shortstgallery.

Néanmoins si vous visez un artiste très recherché sur le marché, il se peut, en raison de la forte demande que très peu d'oeuvres soient disponibles par le biais de la communauté. Celles-ci ont en effet tendance à vendre les meilleures pièces à des galeries renommées afin de valoriser le travail des peintres. Il vous faudra donc soit commanditer une toile auprès de la communauté et attendre plusieurs mois, soit faire votre sélection chez d'autres acteurs du marché.

2. Faire attention à la provenance
Quand vous achetez une toile aborigène, prenez garde à la provenance. Certes, il y a assez peu de faux sur le marché. Le mouvement est récent et les artistes contemporains guère copiés.

Cependant l'art aborigène est un marché assez spécifique et la provenance garantit à la fois l'origine éthique de la toile - l'artiste n'a pas été spolié par un dealer très vénal -, que les possibilités de revente par l'intermédiaire des maisons de ventes aux enchères.

Si la question de la provenance n'est pas fondamentale pour des oeuvres petites, décoratives ou anciennes, elle devient assez centrale quand vous allez en direction d'oeuvres beaucoup plus conséquentes.

Dans tous les cas il conviendra de conserver la documentation sur l'origine de la peinture (facture, certificat, photographies...), la liste des acquéreurs successifs, les éventuelles expositions auxquelles l'oeuvre a participé...

A suivre...

Quelle est la différence entre une toile décorative et une œuvre d'art ?

2009-06-09T22:07:00.007+01:00

Margaret Scobie. Bush Medecine Leaves. Utopia. 150 x 135 cm.
© Collection privée Brocard II.

Quelle est la différence entre une toile décorative et une œuvre d'art ? Vaste question posée par des amis il y a peu. Le sujet a certainement été traité ailleurs avec talent. Cependant dans le domaine de l'art Aborigène et en particulier de la communauté d'Utopia il prend une saveur particulière.

Certains galeristes diront en effet que la toile de Margaret Scobie ci-dessus est une peinture décorative. Certes elle ne porte pas un message "ancestral" lié aux temps du rêve (temps immémoriaux et mythologiques de la création du monde) mais traite des plantes médicinales collectées dans le bush australien. Elle pourrait être dés lors "décorative" car elle ne véhicule pas un sens ou message particulier ?

D'autres observeront les effets visuels produits sur la toile et parleront d'un caractère esthétique plaisant à l'oeil, sympathique, dans la ligne des œuvres d'autres artistes comme Gloria Petyarre, également sur les terres d'Utopia. Elle peut plaire tout simplement.

D'autres encore évoqueront l'importance de la production de tableaux de ce type dans une logique de multiplicité versus l'unicité d'une création. Cette déclinaison de très nombreuses fois d'un thème, les idées de répétition ou de séries multiples... ne conviendraient guère à l'idée d'œuvres d'art...

Je me souviens de la remarque d'un spécialiste, évoquant ces seuils de rupture, où naissent des individualités, des styles personnels, l'émergence d'un courant. Certains objets, certaines toiles sont les témoins de ces changements, de ces ondulations et deviennent presque des manifestes. En cela ils acquièrent un nouveau statut et flirteraient avec l'idée d'œuvre d'art.

Certaines personnes pourraient dire, cette toile séduit, flatte le regard, mais ne provoque pas, ne suscite pas de question. Elle est là c'est tout, présente, porte d'harmonie et c'est déjà bien suffisant.

Des amis évoquèrent les effets de mode, l'influence de conservateurs ou conseiller en art attachés à faire naître des artistes, à les valoriser. La logique de prescription pourrait être un passeport vers la reconnaissance d'une oeuvre d'art. C'est une question d'époque et de tendance.

Certains galeristes souligneront la rareté des œuvres disponibles, feront jouer l'émulation entre collectionneurs selon l'équation : ce qui est rare est cher, moins disponible et donc plus exceptionnel...

Le distingo entre objet décoratif et objet d'art pourrait être sans fin... Reste que je ne regrette pas l'acquisition de cette toile de Margaret Scobie (cousine de Gloria Petyarre et nièce d'Emily Kngwarreye) au tout début de mes aventures sur les chemins d'une collection. Un mouvement particulier du vent sur les feuilles, les subtilités bicolores de ces plantes médicinales, ouvrent une fenêtre vers un autre univers de guérison chamanique.

Réception : mariage accompli entre deux océans de sable et d'eau

2009-06-03T22:22:00.006+01:00

Aujourd'hui je viens de recevoir ma dernière peinture de Daniel Walbidi. Enfin ! Cela faisait des mois que je l'attendais. D'ailleurs, je n'avais pas résisté au fait de la présenter par anticipation, ici sur le blog. Désir et attente. Tout un programme.

Comme à chaque fois, l'ouverture du paquet offre son lot d'étonnements. Les trois emballages successifs, dans l'esprit poupée russe, ont tous été ouverts par la douane française, un des hubs depuis le début du parcours à Singapore. Un peu comme une violation d'une propriété ou d'un trésor. Mais bon cela fait partie des règles du jeu. Respect.

Je la vois enfin en face. La toile ne m'est pas étrangère. Je l'ai tant de fois scruté, analysé, décortiqué... On pourrait même dire qu'elle m'est sympathiquement familière.
Le charme opère...

Il y a de l'audace dans cette oeuvre à travers les jeux subtiles entre les teintes hespéridées.
Ce tableau est un tournant, un témoignage de l'émotion ressentie par l'artiste lors de sa visite du pays de ses ancêtres fin 2007. Dans ce paysage désertique il fut marqué par ces filets de grains d'or au creux des dunes. On perçoit la fougue d'un jeune talent. Il explore les possibilités du média et y conjugue l'écume des vagues à celle dorée de la peau du désert.
Je reste rêveur quant à ce mariage accompli entre deux océans de sable et d'eau, à ce clin d'oeil entre le passé et le futur d'une communauté, entre continuité et rupture des codes visuels.

Dialogue entre art inuit et art aborigène : un destin, une histoire nomade

2009-05-26T00:33:00.011+01:00

Il existe assez peu de similitudes entre l'extrême chaleur du bush australien et le froid glaciaire inuit, excepté peut-être un destin ou une histoire nomade.

Ce fil rouge, cette itinérance me touche dans sa résonance et pérennité à travers les peuples premiers, comme un lointain écho de vérités plus essentielles à redécouvrir aujourd'hui, sur les rythmes biologiques de l'Homme, sur l'intimité durable avec la nature.

Cette statue de l'artiste inuit Lucy Tasseor Tutsweetok (1934-), représente dans une semi-abstraction une famille eskimo. Les visages sont à peine suggérés par quelques incisions dans la pierre, en mémoire des dessins sur le sable composés avec son grand-père dans sa jeunesse. Les bras restent absents ou épousent les formes du basalte.
Ce grand maître inuit préfère travailler en douceur la roche, la surface naturelle du matériaux invitant à y lire les traits aléatoires d'un visage.

Dans cette famille, la tête du père domine l'ensemble. Ses deux bras et épaules se confondent avec le visage de la mère sur la gauche de la sculpture, et celui de l'enfant sur la droite. Ce dernier présente une tête couchée dans le dos maternel comme s'il était bercé ou porté.

Cet ensemble souligne la cohésion de la cellule familiale, les liens étroits de solidarité entre les membres dans cet univers hostile, dans une sorte de communion avec la matière brute de la pierre. Cette impression est renforcée par un étrange igloo sur la droite, habitacle précaire et chaleureux de ce foyer nomade.

Cet objet figure maintenant au dessus d'un meuble avec d'autres sculptures inuits. Ils témoignent modestement et avec force d'une spiritualité et d'un savoir en déshérence. Ils deviennent l'incarnation d'une culture en péril.
A côté d'eux quelques peintures aborigènes expriment dans l'abstraction un autre univers nomade. Apogée d'une civilisation ou chant du cygne, l'art devient dans ces communautés le seul vecteur témoin de ce qu'ils furent. La création artistique s'y affirme comme un passage de témoin, une source de revenu incontournable pour une improbable subsistance des mythes et messages aborigènes et inuits.

Pour en savoir plus sur cet artiste, je vous invite à lire la fiche sur Lucy dans Wikipédia, à découvrir un article du Musée de l'homme, ou à vous rendre sur le site de la Spirit Wrestler Gallery.

Comment se construit la valeur d'une toile d'art aborigène ?

2009-05-04T22:40:00.020+01:00

with courtesy of Papunya Tula Artists. 122 x 122 cm
Collection privée BROCARD II

"Dis-moi Bertrand, est-ce que la valeur d'une toile aborigène peut dépendre du nombre de points figurant sur celle-ci ?". La question, ingénue soit-elle, m'invita à répondre le plus soigneusement possible à cette amie.

Tout d'abord parce qu'il en faut du courage, pour poser une telle question devant 10 personnes, surtout quand on ne connait pas vraiment l'art aborigène. Ensuite, car cette insertion ni totalement fausse, ni totalement juste, souligne toute la difficulté d'appréhender la logique de marché d'un art, si éloigné par ses codes et représentations.

Le monde, le marché de l'art est irrationnel. Et pourtant tout un chacun aimerait savoir et comprendre ce qui fait la valeur d'une œuvre. C'est légitime et difficile à la fois. D'autant plus dans l'art contemporain où rien n'échappe à la spéculation.
La valeur de la toile, y quitte la sphère du réel, de la prime à l'artiste, de la rareté de la chose, du caractère emblématique de l'œuvre dans un courant ou une carrière, pour tutoyer une logique financière. L'art devient un placement. Ce n'est plus l'œuvre elle-même, tangible, réelle qui a une valeur mais une sorte de chimère : le pari, la projection d'une plus-value future et substantielle.

Les tableaux deviennent tellement onéreux, représentent un tel risque que les grands collectionneurs vous invitent dans leurs banques. Dans ces sous-sols bien protégés, sous la lumière artificielle des salles des coffres ils vous offrent le champagne, dans une sorte de musée impersonnel déguisé en catacombe.

Dans le domaine de l'art aborigène, on n'échappe pas tout à fait à la logique de mondialisation et de spéculation propre à ce mix entre art et finance. Mais cela reste encore un peu différent, plus équilibré, presque plus sain. La valeur d'une toile aborigène peut dépendre de multiples facteurs, finalement presque plus rationnels, auxquels il convient de porter attention :

La complexité du travail d'exécution. On y retrouve cette question pertinente sur le nombre de points figurants sur la toile, le soin apporté à la réalisation, la maîtrise du geste...

L'importance spirituelle de l'artiste dans sa communauté. Est-il un "grand maître" ? A-t-il une autorité, un impact fort, "inspiratif" sur les autres membres ?

S'agit-il d'une représentation du temps du rêve porteuse de sens, ou très détachée de celui-ci ? Ou bien d'une oeuvre totalement profane ? Bien que cette notion soit souvent relative car l'artiste sait bien qu'il peint pour un marché occidental.

Le caractère innovant, novateur du tableau. L'artiste y prend-il une certaine liberté par rapport aux codes classiques ? Y-a-t-il inventivité dans la naissance d'une individualité, d'un style à part entière, d'une nouvelle signature ?

La taille de l'œuvre. La valeur ne suit pas un ratio logique et cohérent fondé sur des multiples dés que l'on double ou triple les dimensions d'une toile. Ainsi une toile 2x plus grande, sera 3 à 4 fois plus onéreuse, étant plus rare, difficile à réaliser, et touchant une cible plus spécifique de clients, parmi les grands collectionneurs ou musées. Ces derniers n'hésiteront pas d'ailleurs à commander des toiles dans certains formats.

La provenance du tableau. Un tableau issu d'un trader - carpet bagger, sera bien moins onéreux qu'une toile provenant d'une communauté aborigène auto-gérée. La différence ? La somme non reversée à l'artiste, qui de son côté ne récupère qu'un faible pécule.

La source d'origine. Acheter un tableau directement chez la gallerie représentant l'artiste ou une communauté, permet d'éviter de nombreux intermédiaires, ou achats et reventes successifs et exponentiels.

La période de création. L'œuvre appartient-elle aux premiers élans du mouvement aborigène ? Est-elle caractéristique d'une époque, d'un style, d'un tournant dans la carrière d'un artiste ?

L'offre et la demande. L'offre pour cet artiste est-elle plétorique ? Y-a-t-il des listes d'attente ? Les œuvres sont-elles toutes du même niveau ? De temps en temps les artistes aborigènes peuvent créer une toile pour avoir rapidement du cash, sans une grande recherche artistique... Une logique de gestion de la rareté est-elle accompagnée par une gallerie ? Cela est-il artificiel ou fondé sur une sélection drastique de la qualité des tableaux proposés...

La visibilité d'une toile. Celle-ci a-t-elle été exposée à l'occasion de différents évènements dans le monde ? A-t-elle reçu un prix, une récompense ? A-t-elle fait partie des nominés des awards souvent organisés en Australie ?

L'artiste est-il vivant ? A-t-il encore la possibilité de créer d'autres toiles ? Est-il à l'apogée de son art ou dans une phase de déclin ?

Et bien entendu les qualités esthétiques du tableau. Cela confine à l'irrationel, à la subjectivité, ouvre la porte des sens. A lui tout seul, ce point là peut l'emporter sur tous les autres. Il s'agit de votre grain de folie, d'un ressenti, d'une émotion partagée que bien probalement vous ne regretterez jamais. Féconde, généreuse elle vous accompagnera sur un bout de chemin de vie.

J'ai appris à appréhender ces différentes dimensions, dont la liste n'est pas exhaustive. Ce fut un processus souvent empirique. Aujourd'hui ces critères me guident en partie dans mes choix...

P.S. : pour offrir plus d'espace aux peintures, je tente une nouvelle maquette pour le blog. C'est un premier essai à confirmer...

Entrer dans une toile : voyage initiatique en vidéo Nimnim-ma

2009-05-03T23:48:00.006+01:00

J'étais un peu sceptique au départ. Puis finalement je trouve ce travail mené par des étudiants durant plusieurs mois tout à fait intéressant. En une assez courte séquence, bercés par la musique, ils explorent le sentiment de rentrer dans une peinture aborigène.

Sur une sorte de chemin initiatique, ils accompagnent cet homme dans la découverte des sens et d'un destin, comme évoqué sur leur blog Nimnim-ma : http://nimnim-ma.blogspot.com.

"Rentrer dans une peinture aborigène", reste une impression diffuse, étonnante, que l'on peut ressentir face à une grande toile. Elle absorbe notre regard. Le travail pointilliste captive l'attention. Souvent un mouvement ou une perspective offre un relief, comme une porte d'entrée, une invitation vers le rêve.

J'entendais il y a peu Georges Petitjean, conservateur du Musée Aborigène d'Utrecht, évoquer une expérience sur les terres de Papunya. Quand il voyait peindre Ronnie Tjampitjinpa déjà évoqué ici, celui-ci se couchait souvent par terre au niveau de la toile. En biais, dans la diagonale il observait ses motifs peints, au fur et à mesure de sa composition. Avec méticulosité, Ronnie recherchait un effet visuel, une mise en perspective du motif rituel, un équilibre des formes.

Depuis je regarde ses toiles d'un autre oeil. J'en décroche d'autres, les observe du coin de l'oeil, fait glisser la toile entre mes mains et découvre d'autres dynamiques.

"Show your colours" à Utrecht : une expo à découvrir !

2009-04-23T17:52:00.012+01:00

Julie Dowling, Gin, 2005, 91x71 cm, acrylic on linen,
Courtesy of Seippel Galerie Cologne Johannesburg
in cooperation with Brigitte Braun Gallery Melbourne / private collection.

L'exposition "Show your colours" aborde l'art aborigène d'une façon atypique et originale. Cela n'étonne guère de la part de l'AAMU, musée aborigène novateur, tant il n'hésite pas à susciter un dialogue fertile et improbable entre art contemporain et art aborigène.

Mais ici rien de tout cela. L'art occidental a été laissé de côté un instant. Comme ces questions incontournables sur la façon d'embrasser l'art aborigène. D'appréhender les différents mouvements artistiques qui le compose. De suivre les élans de leur créativité sur les 30 dernières années...

Le conservateur Georges Petitjean a choisi cette fois-ci une façon plus audacieuse de nous inviter au Musée. "Dévoiler vos couleurs !" Un approche novatrice, visuelle, facile à appréhender par tout un chacun. Ce fil rouge nous guide au cœur des communautés aborigènes, de leur fécondité artistique, vers des créations guère imaginables il y a presque 40 ans.

Il s'agit presque d'un clin d'oeil comme si nous passions de l'âge du noir et blanc aborigène (complété par le jaune et rouge) à un monde nouveau à la palette variée. Cela revient à une sorte de transition, de rupture comme le fut l'irruption de la couleur dans le 7e art ou en photographie.

Plus de 80 toiles sont exposées, des avant-gardistes présentés comme des "early colors" autour des communautés de Papunya Tula, Yuendumu, Utopia, Balgo... aux "late colors" avec les groupes de Bidyadanga déjà présenté ici ou là sur le blog, d'Irrunytju, ou de Patjarr...

La couleur souriante et vibrante sur certaines toiles ne doit pas nous faire oublier qu'elles ne symbolisent pas toujours la joie ou l'enthousiasme. Dans l'art aborigène, certaines teintes sont sacrées ou représentent des périodes très douloureuses, comme le sang versé par ce peuple noir au fil de son histoire.

La couleur chez les aborigènes invite également à voir l'invisible, à décliner les palettes du sous-sol, à appréhender plusieurs dimensions. Dans ces compositions complexes, profondes se révèlent ainsi différents niveaux de lecture, cependant uniquement accessibles aux initiés.
Sur ces tableaux, la couleur attire, surprend, permet des compositions de plus en plus audacieuses, et suggère dans l'abstraction des formes plus anciennes.

C'est avec enthousiasme que je suis revenu du vernissage jeudi dernier dans la nuit, avec des images marquantes en tête. Il y a de la pétillance dans cet art aborigène, une dynamique de renouvellement, une invitation à la rupture, à la naissance d'artistes et d'individualités brillantes.

"Show your colours" est la plus grande exposition d'art aborigène actuellement visible en Europe, avec des œuvres d'artistes aujourd'hui disparus comme Emily Kame Kngwarreye, aux toiles de la jeune génération.

A ne pas manquer, d'autant que la ville d'Utrecht mérite également le détour !

"Show your colours" Recent art from Aboriginal Australia AAMU Museum for Contemporary Aboriginal art - Utrecht From April 23 through September 27, 2009

Emergence d'un nouveau talent dans l'art aborigène : Lydia Balbal

2009-04-18T17:39:00.020+01:00

© Artist: Lydia Balbal 2009 (Gjinabalyi/Wugubalyi) with the courtesy of Short St. Gallery, Broome.
Dimensions: 152.5cm x 152cm. Collection privée BROCARD II.

La puissance de créativité et la grande fertilité du mouvement artistique aborigène a de quoi étonner dans le monde de l'art contemporain, fort de ses nombreuses communautés artistiques, aux histoires et cultures contrastées.

Les aborigènes d'Australie ont des connaissances à transmettre. Un certain nombre de peintres le font avec inventivité. Le regard neuf des jeunes générations sur leur histoire, offre une sorte de renaissance respectueuse des mythes, de ré-invention des codes picturaux portés sur les toiles. L'approche plus traditionnelle des anciens permet la transcription fidèle, appuyée des rêves, avec la découverte de styles plus personnels délivrant des interprétations plus spécifiques.
Ces conjugaisons entre générations offrent au collectionneur un vaste terrain de chasse, sans cesse surprenant.

Chaque année, au sein des communautés aborigènes émergent de nouveaux talents. J'évoquais dans les derniers billets la reconnaissance de plus en plus large du jeune artiste Daniel Walbidi.
Aujourd'hui je souhaiterais mettre l'accent sur Lydia Balbal, une autre artiste de sa communauté.

Elle est née dans le bush où elle a résidé jusqu'à l'âge de 12 ans. A cette époque, autour de 1972 sa famille vivait dans le grand désert, sans avoir été encore en contact avec "l'homme blanc".
Il y a un an, Lydia a décidé de se lancer dans la peinture. Comme Daniel Walbidi elle contacta la Short St. Gallery à Broome, et tout de suite elle se mit à peindre avec vigueur des toiles au pointillisme gras et dispersé, avec des masses de couleurs structurées par le rythme de la terre de son désert.

Pour Emily Rohr, directrice de la Short St. Gallery, "sa liberté dans ses peintures lui vient de sa forte relation avec la société traditionnelle... Elle traduit ce qu'elle connaît d'une nouvelle façon...". Source : The Australian.

La peinture de Lydia Balbal offre un nouvel éclairage sur la culture du désert. Ses ensembles de couleurs se répondent entre eux à travers la toile, suggèrent les roches du grand désert, les lignes entre les dunes de sables, les mouvements invisibles de la terre, la présence d'eau souterraine indispensable à la vie. Ainsi dans une peinture structurée, plusieurs niveaux de lecture visibles et sacrés s'offrent au regard.

Pour Abi Temby, manager du studio de création de la Short St. Gallery, quand Lydia réalise une peinture "... elle va assez vite avec un réel sens de ce qu'elle couche sur la toile... Elle transcrit ainsi une façon de voir son pays...".

Je reste également assez subjugué par cette réelle spontanéité et fraîcheur dans le style, en connexion direct avec une histoire nomade récente, gardant intacte la connaissance du désert, avec une volonté marquée d'en partager une partie dans des oeuvres abstraites et sensuelles. Une artiste à suivre.

De la collection au prêt : entre enthousiasme et absence

2009-04-06T22:20:00.021+01:00

Daniel Walbidi ©, 183 x 66 cm. Bidyadanga community.
With the courtesy of Short st Gallery.
Yulparija Artists. Collection privée BROCARD II.

Ces trois peintures de l'artiste Daniel Walbidi viennent de me quitter quelques mois pour une exposition au Musée Aborigène de la ville d'Utrecht en Hollande, le AAMU.

Un sentiment étrange m'habite. D'un côté l'enthousiasme. Ce prêt contribue à présenter ce jeune artiste pour la première fois en Europe, dans finalement le seul Musée Aborigène du continent. C'est une chance. Et une belle reconnaissance pour son formidable travail déjà présenté sur le blog, ou encore sur le site "Aboriginal Art & Culture: an American eye" de Will Owen.

Pour cette exposition, l'AAMU conjugue à nouveau de façon fertile l'art aborigène aux autres arts contemporains Australiens. Cette approche habile du directeur du Musée et du conservateur Georges Petitjean, m'avait au départ un peu décontenancé. J'allais au Musée découvrir l'art aborigène et non pas des oeuvres d'artistes occidentaux. Puis au fil des visites, des discussions, je me suis laissé séduire par ce mariage improbable.

Daniel Walbidi ©, 183 x 66 cm. Bidyadanga community.
With the courtesy of Short st Gallery.
Yulparija Artists. Collection privée.

D'une salle à l'autre, ces oeuvres au préalable si distinctes, invitent finalement au dialogue des cultures. Elles établissent des passerelles entre des mondes finalement assez proches en terme de création. Il y a presque de l'affection dans cet art contemporain plus proche de nous, qui tend la main à l'art aborigène, l'accueille, reconnaît dans son univers le talent exceptionnel de ces artistes du bush.

Le musée mise sans doute sur notre capacité d'étonnement. Certains critiques d'art viendront pour les artistes occidentaux, ils repartiront surpris, bousculés, charmés par l'art aborigène. Et inversement.

Il y a également un message profond dans cette alliance entre les arts, souligné par le conservateur. La reconnaissance enfin, d'une place entière pour l'art aborigène au sein de l'art contemporain. Un art particulier dont quelques codes soulignés par Fred R. Myers* permettent d'appréhender des oeuvres marquantes :

un caractère bi-culturel, avec une toile comportant à la fois une valeur spirituelle significative pour les aborigènes et un caractère esthétique particulièrement attractif pour les occidentaux.
l'originalité ou le caractère innovant d'une création, valorisant le potentiel d'abstraction par exemple, dans une sorte de rupture néanmoins respectueuse de la tradition.
la singularité amenée par un artiste, dont le style s'affirme avec vigueur et maturité et devient reconnaissable entre tous.

Daniel Walbidi ©, 105 x 70 cm. Bidyadanga community.
With the courtesy of Short st Gallery.
Yulparija Artists. Collection privée BROCARD II.

Quand je contemple ces toiles de Daniel Walbidi, je retrouve un peu tous ces mots clefs, auxquels s'ajoutent une fascination pour sa terre natale, sa volonté de porter un message à travers son art, d'en faire la voix de son peuple.

On peut d'ailleurs observer une évolution dans ces trois peintures réalisées vers 2007. La première de ce billet fut probablement peinte en dernier, après le périple de l'artiste sur la terre des anciens au coeur du désert. Il fut impressionné par le grand lac salé Percival, qui figure depuis, de façon marquante dans ses oeuvres.
Un reportage fut menée sur cette re-découverte de la terre et différents articles illustrèrent l'évènement dont celui fort intéressant du Sydney Morning Herald.

Aujourd'hui ces peintures ne sont plus là. Passé l'enthousiasme, un sentiment d'absence existe. Je comprends mieux le conseil du galeriste parisien Stéphane Jacob : quant à choisir une peinture, sélectionnez celle qui vous habitera, même quand vous ne l'avez pas en face de vous.

Vivement le vernissage et l'exposition le 23 avril à Utrecht que je puisse les revoir.
Et bonne chance au Musée pour la dernière ligne droite avant l'exposition !

(*) cf. l'ouvrage "Painting Culture, the making of an Aboriginal High art", chez Duke University Press.

De la collection contemporaine... au pays des ancêtres

2009-04-02T23:30:00.016+01:00

Kirriwirri by Daniel Walbidi ©, Bidyadanga community. Yulparija Artists. *
100 x 60 cm. Provenance : ReDot Gallery à Singapore
Collection privée BROCARD II.

Quel bonheur de fonder une collection, de la construire au fil des découvertes, de la nourrir de nouvelles acquisitions. Cette liberté comporte néanmoins son lot d'exigences. Surtout dans ses premières périodes autour de l'âge critique d'une trentaine d'oeuvres. Quelle direction lui donner ? Quel avenir envisager ? Un peu comme un ado qui s'ouvre au monde, envisage tous les possibles, rêve de conquêtes et d'une vie hors norme; la collection du commun des mortels commande de trouver la bonne mesure entre qualité et diversité, entre raison et folie des grandeurs.

Cela donne peut-être un poids supplémentaire, du mérite aux efforts de collection du quidam. Il ne peut tout embrasser, tout acquérir, avec la soif d'un Don Juan, sans limite. Il lui faudra sélectionner, renoncer, se polariser sur un artiste, un courant, quelques enthousiasmes. Ses efforts ne seront que des signaux faibles dans un océan de création. Son désir sera omniprésent, entretenu, hyper-sollicité, car jamais comblé, conférant une sorte de mouvement, d'élan à sa collection...
Quelle aventure formidable !

Un jour j'ai songé tout arrêter. Pas seulement ce blog mais également cette dynamique de collecter. J'ai ressenti alors l'impression que cet abandon sonnait le glas d'une collection, comme une membre que l'on coupe, une plante que l'on fauche dans la fleur de l'âge. Ce moment suspendu, indécis, me donna le sentiment d'un immense vide.

En regardant dans le rétro-viseur, j'ai aperçu différents petits morceaux de vie écoulée. Certains furent intensifs, comme il y a quelques années dans le monde associatif, puis professionnel. Puis j'ai traversé quelques épreuves et taquiné le mythe de Sisyphe. Ce fut un peu mon désert à moi...

Finalement, sur ces 5 dernières années, l'engagement vers l'art aborigène, l'éducation de mon regard, l'appréhension de la richesse d'une autre culture, et bien entendu la collection de tableaux, furent mon grain de folie, une réalisation marquante qui compte, un souffle qui donne un relief hors norme à un parcours.

La découverte de l'artiste Daniel Walbidi chez les galeries Short st Gallery in Broome ou chez le dealer APBond, marqua ce chemin. Sa palette de couleurs et la virtuosité des compositions donnèrent plus d'audace à mes choix artistiques. Je fus troublé par cette capacité d'innovation de la part d'un jeune artiste de 25 ans, en filiation et rupture à la fois avec les codes traditionnels de sa communauté.

"Je suis un artiste et nos anciens ont besoin de peindre..." expliquait-il ainsi à 16 ans quand il alla rencontrer tout seul Emily Rohr, galeriste à Broome. Ce fut l'étincelle et le départ du mouvement artistique de la communauté de Bidyadanga. Plus tard il soulignait les lignes directrices de sa démarche créative : "Je peindrai tout le pays de nos anciens, toutes les différentes régions qu'ils représentent. Ils sont le peuple du désert. Maintenant ils vivent à Bidyadanga, territoire de l'eau salé... Mes tableaux seront comme des cartes géantes".

(*) La toile de Daniel Walbidi présentée ci-dessus, provient de chez ReDot Gallery à Singapore où une très belle exposition est en cours. Elle représente Kirriwirri, le pays de son grand-père et de sa grand-mère. Il y dépeint la végétation complexe du désert, les lacs salés, et la danse des collines de sable. Cette nature, ce lieu emblématique est comme la maison familiale de son clan.

Métissage : quand l'art contemporain et la tradition se rejoignent...

2009-02-23T20:33:00.016+01:00

Collection privée.

Au musée du Quai Branly hier après-midi, je m'attardais dans les méandres sombres de l'exposition sur les Métissages. Entre messages philosophiques et fertilisation des cultures, un panneau indiquait que l'épicentre du métissage se situait aujourd'hui au-dessus de l'Océanie.

Il fut hier en Afrique, aux Amériques. De nos jours, il est entre Amériques et Asie, juste au-dessus du Pacifique et curieusement au coeur de l'Australie, entre ces différents mondes, presque au centre des cultures nomades et animistes.

Ce tableau, aux couleurs fulgurantes, entre spontanéité à la Pollock et pointillisme pondéré Aborigène, représente habilement ce métissage en marche. Il est presque une sorte de conjugaison quand l'art contemporain et la tradition se rejoignent et offre un écho marqué au billet précédent sur "les Aborigènes ont-ils le droit de rentrer dans l'art contemporain".

Cette oeuvre brillante de l'artiste Jeannie Nakamarra Daniels, reprend le rêve du renard transmis par son père quand elle était enfant. Il fait partie des tableaux présentés par la galerie Gondwana à l'occasion de la première exposition solo de l'artiste.

Au travers de ces méandres de couleurs, et de motifs sacrés, le père renard enseigne aux plus jeunes comment survivre dans ce monde par le dépassement de soi et l'apprentissage des techniques de chasse pour la partie offensive du rêve.
Cette vision est elle-même pondérée par les autres dimensions de l'existence, plus modérées, plus défensives, où il convient de savoir creuser un terrier pour bien s'y cacher...

Les Aborigènes ont-ils le droit d'entrer dans l'art contemporain ?

2009-02-19T20:49:00.012+01:00

Yinarupa Nangala, with the courtesy of Papunya Tula Artists.

Il y a quelques semaines je présentais différentes peintures aborigènes à des amis. Certains me dirent "je trouve que celle-ci ne fait pas assez aborigène". La réaction étrange me laissa songeur. Que voulaient-ils dire par "pas assez aborigène..." ? Cela n'était-il pas assez éthnographique ? La palette de couleurs s'avérait-elle trop ambitieuse, éloignée du jeu des teintes terrestres ?
La technique éloignée du pointillisme leur semblait-elle marginale, non représentative des canons supposés de l'art aborigène ? Mystère. Ils ne donnaient pas de précisions supplémentaires.

Par le dialogue qui suivit, s'ébauchait presque l'idée d'un art primitif rabaissé à répéter indéfiniment les mêmes chimères et rites chamaniques... Comme si les artistes n'étaient que des artisans sans vision de l'art. Comme si certains résultats plutôt heureux n'étaient que le fruit du hasard sans une conscience ou formation artistique...

Cette dérive dans la réflexion chahutait mes enthousiasmes, m'écoeurait presque. Cela revenait finalement à établir des hiérarchies entre les hommes, peut-être à mépriser encore, sans le dire, des peuples si éloignés de nos cultures. Ils n'avaient pas le droit d'être des acteurs de l'art contemporain. Tout ce qu'ils peuvent produire doit rester traditionnel, ne peut se ré-inventer, ne peut se nourrir d'autres essences...

Pablo Picasso avait le droit de picorer dans les arts premiers pour nourrir sa créativité, fertiliser ses oeuvres, lancer d'autres mouvements artistiques. L'inverse n'est pas vrai. Cette liberté d'emprunt ou de création n'est étrangement pas encore accordé aux autres peuples comme particulièrement les "primitifs".
Ce caractère unilatéral, cette vision étroite souligne un des paradoxe de l'art aborigène aujourd'hui, pas toujours compris, trop souvent sous-estimé, et relégué à une vision un peu éculée, élitiste, donnant une supérieuriorité au monde de l'art occidental sur les autres.

L'art aborigène est pourtant aujourd'hui le mouvement artistique le plus vibrant de l'art contemporain. Il est vecteur de sens et de spiritualité dans ce monde si déboussolé, assoiffé, capable de donner du crédit à des livres comme le Da Vinci Code...
Il s'avère également d'une richesse surprenante par les styles utilisés, l'inventivité de ses artistes, la fertilisation croisée avec notre culture, les audaces de la nouvelle génération. Un jour cet art aborigène sera reconnu largement, pourra même à son tour réveiller ou susciter l'inspiration d'autres mouvements occidentaux.

J'aime l'idée de certains curateurs, de se lancer dans le développement d'un dialogue entre art aborigène et art contemporain, par des expositions ou des créations marriant les deux dimensions. Le musée Aborigène d'Utrecht en Hollande en est un très bel exemple.

Je reste par contre très circonspect sur l'idée de renier le caractère aborigène et de ne plus parler que d'art contemporain. Comme si pour susciter l'intérêt, le faire apprécier, nous devions amputer cet art de son essence même, de ce qui le rend unique, puissant, porteur de toute une mythologie, de la dernière parole imagée des grands peuples nomades...

A Lascaux, les artistes aborigènes invités par la France pleurèrent devant les fresques murales. Leurs anciens, à travers les mers, continuaient de leur parler dans cet espace en Dordogne. Par contre chez nous plus personne n'était là pour porter cet écho, plus personne n'était capable de comprendre, d'interpréter ces oeuvres.

Ce vaste débat n'est pas terminé. Des pistes intéressantes se dessinent, méritent des analyses plus poussées. Sans conteste l'art aborigène a l'avenir devant lui.

Pour illustrer ce billet, j'ai choisi une toile que je viens juste de commencer à acquérir auprès de la communauté de Papunya Tula. Elle est l'oeuvre de Yinarupa Nangala, fille de la grande artiste disparue Anatjari Tjampitjinpa.

Elle vit au sein de la communauté de Kiwirrkura avec son frère Ray James Tjangala, également artiste respecté. Son travail brillant, d'une grande finesse est à la fois traditionnel et surprenant par sa gestion de l'espace et du rythme. Ils ouvrent nos sens aux vibrations subtiles de la terre et nous invitent à parcourir ce chemin ancestral en sa compagnie entre tradition et modernité.

Ascendance : Victor Baltard dessiné par Ingres en vente chez Christie's (vente Yves Saint Laurent et Pierre Bergé)

2009-02-18T22:41:00.010+01:00

Portrait de Victor Baltard, architecte des Halles de Paris,
par Jean-Auguste-Dominique Ingres - Mine de plomb sur papier.
Photo prise dans les années 1980 dans la famille
avant que cette oeuvre n'entre dans la collection Yves Saint Laurent et Pierre Bergé. Vente à venir du 23-25 février. Christie's - Paris.

Il y a quelques années sortait le livre d'art sur l'oeuvre de Louis-Pierre (1764-1846) et Victor Baltard aux Editions du Patrimoine - monum. Nous nous retrouvions près de 80 descendants de ces architectes du XIXe siècle à l'Ecole Stanislas à Paris, afin d'écouter une conférence un dimanche par l'auteur Pierre Pinon.

C'était la première fois que l'auteur de cette monographie d'architectes se retrouvait pour un de ses livres devant une partie des descendants des artistes, plus d'un siècle après leur disparition.
Il était ému de partager avec nous ses découvertes, son voyage dans la correspondance, les projets d'architectes, tous déposés aux archives nationnales.

Face à un tel auditoire il nous livrait avec humour des anecdotes sur Louis-Pierre, père de Victor qui remontait en nageant la Seine à contre courant pendant que sa famille marchait sur le quai près du Louvre. C'était une autre époque !

La famille élargie continuait depuis lors d'organiser quelques rencontres familiales chaque année, de diffuser un bulletin de famille et préservait quelques souvenirs. Un portrait de Victor, puis de son épouse (réalisé par Ingres en 1836 dans les jardins de la villa Médicis) figuraient ainsi encore dans notre famille plus éloignée jusqu'en 1985.

Yves Saint Laurent et Pierre Bergé acquérirent celui de Victor Baltard, grand prix de Rome en 1833, élève de la villa Médicis où il rencontra Ingres et Flandrin qui peignit également le portrait de sa fille Paule. Il réalisa les Halles de Paris (1851 et 1857), l'Eglise Saint Augustin (1860-1871), fut en charge de la rénovation des Eglises de Saint Germain des Prés, de Saint Etienne du Mont... lorsqu'il était architecte en chef de la Ville de Paris sous Haussmann.

Son père Louis Pierre réalisa comme chef d'oeuvre le palais de justice de la ville de Lyon, et fut en charge de terminer les derniers éléments du Panthéon à Paris. Il réalisa également de nombreuses gravures de l'ouvrage de Napoléon sur la campagne d'Egypte que je m'amuse de temps en temps à collecter. Et fut le premier professeur de dessin et d'architecture de l'Ecole Polytechnique créée par l'Empereur.

Aujourd'hui à l'occassion de la vente de la collection d'Yves Saint Laurent et Pierre Bergé, le dessin de cet ancêtre se retrouve sur le marché de l'art. L'idée de l'acquérir me dépasse totalement. J'espère qu'un membre fortuné de la famille élargie pourra néanmoins se le permettre...

De mon côté je m'amusais à retrouver la médaille donnée à Louis-Pierre Baltard le jour de la création de la "Société Centrale des Architectes" en 1843.

"Le beau, le vrai, l'utile". © Collection Brocard II
Médaille d'admission à la Société Centrale des Architectes.
Louis Pierre Baltard, le 27 mai 1843.

Une note accompagnant le portrait de Victor Baltard dans le catalogue de la maison Christie's mérite le détour et met en perspective avec acuité et reconnaissance le travail de Ingres.
J'en reprends ici quelques éléments tirés des archives de la famille Baltard ou d'autres sources.

Victor Baltard : "Mr. Ingres a fait mon portrait samedi: jamais son crayon n'a rien fait de plus vivant; la manière est différente de ce qu'elle est ordinairement; avec la même précision, il y a une couleur qu'il ne donne pas ordinairement; il semble qu'il se soit servi de son pouce pour estomper dans certains endroits; ce chef-d'oeuvre a été enlevé en quatre heures.'.

Note de Christie's : ces quelques mots enthousiastes et admiratifs, consacrés au présent dessin, sont tirés d'une lettre envoyée de Rome le 6 septembre 1837 par Victor Baltard (1805-1874) à son ami le peintre Hippolyte Flandrin (1809-1864) (voir M.-M. Aubrun, op. cit., p. 121). Tous deux s'étaient rencontrés à Rome, alors qu'ils étaient pensionnaires à l'Académie de France à Rome, dirigée depuis 1835 par Ingres.

... Le départ de Rome du jeune ménage fut pour Ingres un véritable déchirement. Dans une lettre à Hippolyte Flandrin, le même à qui Baltard annonçait la réalisation du présent dessin, Ingres avouait: 'Nous aussi avons le coeur navré du départ, mieux dire un arrachement, de mes bons Baltard. Je ne puis vous dire combien ils nous manquent, lui, son aimable épouse et sa petite adorable fillette.' (lettre du 22 novembre 1838, voir D. Ternois, 'Lettres inédites d'Ingres à Hippolyte Flandrin', Bulletin du musée Ingres, no. 11, juillet 1962, p. 11).
Dans une correspondance à l'archéologue Raoul-Rochette, Ingres ajoutait: 'Nous avons perdu le charme de la plus aimable intimité...Plus de petite fille...' (Naef, 1977-80, op. cit., III, p. 253).

...A la mort du grand peintre, c'est Baltard qui est chargé de concevoir sa sépulture du cimetière du Père-Lachaise. Cette tombe, modeste et digne, est constituée d'une simple stèle décorée de quatre pilastres et d'une palme dans laquelle une niche carrée abrite un buste du peintre et ami.

Pierre Pinon dans "Louis-Pierre et Victor Baltard", Edition Monum : "On n'oubliera pas que Victor au-delà des polémiques, est de fait un des pionniers de l'architecture métallique...

Mais Louis-Pierre et Victor sont peut-être plus importants pour leur place dans l'histoire de la culture et de la profession d'architecte que pour leurs oeuvres architecturales elles-mêmes...

L'essentiel des Baltard est donc aussi ailleurs : dans le rôle de théoricien de l'enseignement et des prisons, de Louis Pierre, dans le rôle de l'architecte officiel, fonctionnaire qui gère des églises médiévales, qui est membre de tous les jurys et de toutes les institutions, de Victor."

Clin d'oeil sur une passion pour l'art Aborigène

2009-02-15T23:44:00.016+01:00

Collection privée BROCARD II

En quelques années, l'art aborigène a pris une place de plus en plus marquante dans mon univers. Sa découverte fut le fruit du hasard. Un périple vers Amsterdam, qui se termina finalement à Utrecht, au bord des canaux, vers le musée Aborigène de la ville.

Il était l'heure pour moi de m'aventurer vers l'art contemporain. Après 2 heures de visite, j'achetais ma première toile aborigène. Ce fut comme une révélation, le chaînon manquant d'une quête vers les origines, vers la culture nomade évoquée à plusieurs reprises sur le blog.

Il ne s'agissait pas pour moi de l'achat d'une oeuvre d'art, comme une autre. Dans cette appréhension de l'art aborigène, il résidait la conjonction de multiples dimensions, où l'émotion a une place, mais pas seulement :

ces oeuvres sont des témoins, passeurs de connaissances entre les générations
leurs créations contemporaines régénérent les codes spirituels avec le regard en rupture des artistes d'aujourd'hui
ces supports en lin ou écorce assurent la diffusion de mythes ancestraux, reconnaissant une culture
leur capacité d'abstraction s'avère digne des plus grandes civilisations, investissant son énergie bien plus dans des inventions de l'esprit que des oeuvres matérielles
acquérir une peinture revenait presque à un engagement citoyen envers les communautés noires d'Australie. Presque un soutien de celle-ci dans la seule forme que notre monde sait reconnaître aujourd'hui de leur vaste culture : l'art Aborigène.

C'est probalement tout cela qui me séduit encore, me guide, ouvre des portes vers d'autres communautés et styles picturaux.

Sur ce chemin je décidais de monter la collection BROCARD II avec quelques oeuvres représentatives de certaines communautés. Pour ceux qui n'auraient pas le courage de naviguer sur l'ensemble des pages du blog, ci-joint un aperçu de quelques textes et toiles.

1. Communauté Aborigène de Papunya :

2. Communauté Aborigène de Bidyadanga :

3. Ecole d'Utopia

4. Ecorces de la communauté Aborigène de Maningrida et Yirrkala

5. Objets Aborigènes

6. Autres peintures Aborigènes

7. Débats et quelques réflexions autour d'une collection

Première rencontre d'une peinture... au châssis

2009-01-19T00:36:00.014+01:00

La majorité de mes peintures, je les rencontre la première fois toutes brutes, posées à même le sol, drapées dans leurs toiles de lin. Les couleurs y épousent la texture des fibres.
L'acrylique y garde encore en mémoire la forme du rouleau utilisé pour le transport en avion. Elles rechignent à se déplier tout à fait dans un dernier élan de timidité sur cette terre si loin de leur Australie profonde.

2007, with the courtesy of Papunya Tula. Collection privée BROCARD II
120 x 90 cm. Déjà présentée ici ou là sur le blog.

Sans structure, sans attache, elles sont toutes modestes, fragiles, et n'impressionnent guère le non amateur. Dans cet état, du poster à la peinture, un rien les séparent. Certaines ont pourtant déjà été tendues, exposées, révélées au monde occidental. D'autres toiles sont encore dans leur jus, avec quelques restes de la terre du bush, ou des cheveux de l'artiste peintre.

J'aime cette étape de la découverte. Cette émotion à l'ouverture du paquet. L'impatience de découvrir l'oeuvre tant convoitée, attendue, espérée. L'appréhension d'être éventuellement déçu face à l’image construite sur base des photos envoyées. Il y a un peu de tout cela quand on achète une peinture à distance.

Comme ces derniers temps, je n'attends plus beaucoup de toiles, modération oblige, je m'attèle à un tout autre travail, avec la mise sur châssis de ces toiles aborigènes contemporaines.
Cette entreprise réserve bien des surprises.
Peints à même le sol dans le désert australien, les contours de la toile, réguliers à l'oeil, ne passent pas le test du métrage. Des irrégularités de plusieurs millimètres se glissent là où on ne les attend pas.

Pour la première toile, je coupais du bois en fonction des dimensions affichées au revers. Il fallut tout recommencer. Pour la deuxième, je pris des mesures pour découvrir un décalage d'un demi-centimètre d'un côté à l'autre. Il fallut choisir entre la symétrie ou la vision complète de la peinture.

Pour les toiles suivantes je fis face à d'autres aléas. Par exemple, les limites du motif pour ajuster un châssis ne suffisent pas, puisqu'il vous faudra tenir compte de l'élasticité du lin. Un châssis juste aux mesures cacherait une partie du motif une fois la toile tendue avec les pinces spéciales.

Un coefficient d'élasticité joue également plus la toile est grande, ou en fonction de son origine. Une toile en lin Belge très réputé, est ainsi moins élastique avec son apprêt blanc, que du lin brun, brut, juste apprêté par l'artiste. Vraiment tendre une toile, est un métier.

Pour des questions d'économie, et peut-être pour prendre le temps d'écouter, d'accueillir et de sentir ces toiles, je préfère aujourd'hui les tendre moi-même. Au risque de refaire le travail plusieurs fois. Quand j'y repense, c'est plus de 140 mètres de bois qui furent nécessaires pour construire tous ces châssis. Combien d'arbres se cachent derrière ces toiles ?

Le châssis en bois terminé, vous êtes à la moitié du travail. Il comporte des équerres en acier, planes et perpendiculaires et autant de vis pour fixer l'ensemble. La pression effectuée pour tendre la toile ne peut ainsi plus déformer la structure en bois.
Il vous faudra une main de fer pour assurer une bonne tension sur l'ensemble du châssis en procédant par opposition et par circularité. On peut y sentir la vibration de la toile, une sorte de courant, comme dans la peau d'un tambour.

Un bon monteur de châssis portera attention à la respiration de l'oeuvre entre les saisons. Elle pourra se tendre avec le froid, et se distendre avec l'été. Un atelier bien chauffé est ainsi préférable à des locaux froids ou à des journées glacées pour se lancer dans cette aventure.
Ou bien il vous faudra investir dans un châssis avec des équerres à caler en fonction des saisons.

Ces quatre magnifiques toiles aborigènes m'occupèrent une partie du week-end pour leurs mises sur châssis. Leurs ombres étaient depuis longtemps à la maison. Les voilà maintenant sous les feux de la rampe. Elles acquièrent une sorte de noblesse sur leurs châssis, accèdent au monde des objets à travers le relief d'un corps de bois.

Fertilité et influence en collection

2009-01-08T00:19:00.013+01:00

Faites se rencontrer deux passionnés... et observez. Chacun résonne d'émotion, d'un enthousiasme à partager son intérêt profond dans un domaine particulier. Bien volontiers il offre à l'autre une porte d'entrée, une sorte de grille de lecture pour l'inviter dans ce monde où habite sa passion. Et ils continuent ainsi pas à pas, plus loin dans un échange fertile.

Combien de fois, en fin de journée au travail, nous avions des dialogues entre collègues passionnés, où l'enthousiasme de l'une pour l'Opéra se conjuguait presque à mes coups de coeur pour l'art aborigène. Dans une sorte de respect, d'écoute mutuelle et de fertilisation des concepts, nous dissertions sur les combinaisons entre musique et peinture.

Il y a quelques mois une autre collègue évoquait la passion de son mari pour l'art africain et en particulier pour les masques Dan. Je dois avouer que je connaissais guère cette ethnie du Libéria oriental. Elle ne tarissait pas d'éloge sur les qualités plastiques de ces sculptures, caractérisées par un front proéminent, un visage ovale, une finesse des traits assez incomparable.

Des mois passèrent. Je finis par aller voir ces masques dans des galleries ou sur internet. Elle me montra quelques photos de leur bien belle collection... Sa passion communicative finit par aiguiser mon intérêt pour ces oeuvres à la plastique épurée et aux lignes si pures.
Il ne fallait plus qu'un pas pour que je fasse l'acquisition d'un premier masque Dan féminin, dédié à la protection des nouveaux nés.

Exposition de tableaux nationalisés à Moscou : collection BROCARD

2009-01-05T23:56:00.010+01:00

Ancienne collection BROCARD, Moscou, nationalisée en 1917.
Fuite en Egypte, anonyme, XVe siècle.

Mes sentiments sont partagés aujourd'hui. Les quelques tableaux de nos quadrisaïeuls Henri et Charlotte Brocard, ont été nationalisés en 1917, à l'occasion de la Révolution Russe. Ces photos sont rares. Elle ne figuraient pas sur le web, n'étaient pas encore accessibles au public et proviennent de nos archives privées. Cela s'avère un complément intéressant à l'exposition sur la collection Brocard, actuellement organisée au Pushkin State Museum of Fine Arts, à Moscou.

Cet homme a beaucoup marqué la famille. Il fonda la parfumerie Brocard en 1864 à Moscou, qui devint le leader mondial des produits de beauté en 1913*. Et il se passionna en même temps pour le monde de l'art, disposant de moyens considérables à l'époque.

Ancienne collection BROCARD, Moscou, nationalisée en 1917.
descente de la Croix, XVIe siècle.

Sa collection comportait plus de 3000 tableaux des primitifs flamands aux oeuvres européennes du XVIIIe siècle. Et plus de 7000 objets d'art très diversifiés, des étoffes à la porcelaine fine, sans oublier le mobilier russe du XVIIe et XVIIIe siècle.

Ancienne collection BROCARD, Moscou, nationalisée en 1917.
Jeune fille, XVIIe siècle.

Le jour de la révolution, les soviets investirent leur maison, appartements, l'usine, et les bâtiments où était abrités les différentes collections à Moscou. Ils mirent des scellés en plomb sur l'ensemble, empêchant les membres de la famille de toucher au moindre drap.

Quelques très rares tableaux furent gardés dans la famille. Un arrière-arrière grand oncle, Pierre Landry, joueur de tennis, se passionna pour le monde de l'art et vendit tout au long de sa vie des tableaux, dont le fameux "Tricheur à l'as de carreau" de Georges de la Tour, cédé dans les années 1970 au Musée du Louvre. Il annonça l'avoir déniché habilement chez un antiquaire sur l'Ile de la Cité en 1926. Celui-ci figurait-il dans la collection Brocard ? Il existe quelques hypothèses sans confirmation à ce jour en l'absence du catalogue complet de la collection, égaré, mais disponible dans une fondation privée aux USA.

Ancienne collection BROCARD, Moscou, nationalisée en 1917.

La collection Brocard fut ensuite oubliée, presque totalement, sauf au sein de la famille. Comme de nombreuses oeuvres d'art nationalisées, elle ne sortaient pas des réserves des musées. Des conservateurs peu scrupuleux dispersèrent même une partie à l'étranger, sans suivi possible aujourd'hui. Tandis qu'une grande partie des objets d'art liés à l'histoire Russe rentraient dans le musée de la galerie Tretiakov, comme de nombeuses icônes.

Puis au tout début des années 2000, la Russie reveilla le souvenir de cette collection.
La galerie Tretiakov, reconnut l'importance du fond Brocard dans sa collection et mit pour un temps dans le hall d'entrée du musée le buste en bois d'Henri Brocard qui accueillait les visiteurs.

Ancienne collection BROCARD, Moscou, nationalisée en 1917.

En 2004 fut organisée une présentation de quelques oeuvres de la collection Brocard en Russie.
En 2007, le journal du musée de l'Hermitage consacra plusieurs articles à Henri Brocard et à sa collection. Je recherche avec une vive curiosité encore ce numéro si possible en anglais.

Enfin en 2009, une exposition sur la collection Brocard est organisée au Pushkin State Museum of Fine Arts, à Moscou. Quelques photos sont visibiles ici.

Une pièce du Musée Brocard, Moscou. 1913

L'émotion est grande. Un sentiment confus entre tristesse, frustration et fierté m'habite.
Il nous reste les images, quelques photos et modestes souvenirs. Tout resta en Russie. Ces français parfumeurs furent ruinés mais leur mémoire perdurent et revient sur les feux de la rampe presque un siècle plus tard. Il me faut aller visiter cette expo à Moscou !

Ancienne collection BROCARD, Moscou, nationalisée en 1917.
Une Reine de France...

(*) calcul sur base du chiffre d'affaire, source : étude en cours à Harvard, publication 2010

Conjugaison de l'art culinaire et pictural chez les Aborigènes

2009-01-04T23:17:00.012+01:00

La découpe des poissons s'avère d'une rare subtilité dans de nombreuses cultures.
Chez les Japonais, il nécessite un long apprentissage. Le travail du poisson fugu en partie toxique, requiert par exemple une licence de l'état avant d'être pratiqué. La découpe du thon demande également un savoir spécifique pour valoriser les parties les plus prisées.
Couteaux spéciaux constitués de lame d'acier au carbone, choix des matières premières les plus fraîches et nobles, manière de disposer les morceaux, relèvent tous d'un niveau de raffinement rarement atteint en cuisine.

En Australie, chez les Aborigènes, la transmission du savoir principalement orale et picturale, conduit les anciens à utiliser leurs peintures comme vecteur de connaissance.
Sur cette écorce figurant un poisson on peut observer le magnifique travail "X-ray" ou rayons X dévoillant les organes internes de l'animal. Une vision externe du poisson dans son élément, entouré d'algues, et plus interne se conjuguent, comme un jeu entre perception tactile et pensée intérieure.

L'enchevêtrement des hachures ou Raark représente la chaire comestible du poisson et l'art de la découpe aborigène enseignés aux plus jeunes. Les quatre couleurs rituelles utilisées : ocre, noir, blanc, orange; à l'image des tartans écossais, représente la "famille de peau" de Samuel Namunjdja, artiste de Maningrida.
La grande finesse dans les traits souligne la maîtrise du geste de peintre, de la brindille courbée, dessinant la complexité et l'harmonie du monde.

La cloche de l'Obstiné sonne après 68 ans de silence

2008-12-25T17:06:00.008+01:00

La cloche de l'Obstiné, navire remorqueur construit par le Gouvernement Français en 1920, tinte à nouveau après 68 ans de silence.
Cette cloche a cependant reçu un choc brutal, bien probablement le 22 Août 1944, jour où le bateau fut coulé dans la rade de Toulon. Le son est ainsi bien net au moment du gong, puis la résonance de celui-ci s'abime quelque peu sur les finissants.

Depuis la date de sa découverte chez un antiquaire des Alpes, je ne me lasse guère de la faire résonner avec respect.
Objet emblématique s'il en est à bord d'un navire, elle rythmait la vie du bâtiment, des manoeuvres, des grands évènements ou des périls.

Le navire l'Obstiné en a connu au fil de sa vie de remorqueur de la ville de Marseille, de sauveur des mers, ou de support des grands paquebots. Quelques exemples représentatifs.

Le dimanche 21 juin 1931, à Marseille, "le cortège enfin s’ébranle et le voici maintenant sur les quais de la Joliette. Le Citis va transporter la vierge sur les flots. Elle est décorée des drapeaux épiscopaux et porte à sa proue un ange qui souffle dans une trompette. Le haut clergé embarque sur l’Obstiné, les prêtres sur d’autres navires. Et toute une flotte de bateaux escorte la vierge sur la mer. Le Citis navigue maintenant vers Endoume. C’est la bénédiction des morts pour la patrie en orient. Puis le retour. Combien sont-ils, ces Marseillais fervents, sur la Corniche, sur les pentes du Pharo, ou massés autour du vieux port. Cent mille?" Source.

Le 3 mai 1933, le Valvidia, navire-hôpital sous pavillon Britannique, fut ainsi remorqué en Italie pour sa démolition et deux incendies se déclarèrent à son bord.

Source : L'Obstiné, UIM - Marine

Le 1er décembre 1936, le TOZEUR, navire de 83 mètres, affecté au transport de matériel lourd et encombrant (locomotives, wagons, rails, etc.) pour l'Afrique du Nord et la Syrie, touche les récifs du Cap de Croix... "l'OBSTINÉ, revint près du cargo échoué. La tempête sévissait toujours, presque aussi violente que la veille. Et toute tentative de renflouement s'avéra impossible. Le navire, d'ailleurs, au cours de la nuit, soumis aux assauts des vagues, avait énormément souffert, et tout espoir de le tirer de sa triste position s'était évanoui. L'OBSTINÉ rentra donc au Vieux-Port en fin de matinée, ce mercredi 2 décembre. Il ramenait l'équipage du TOZEUR, un équipage qui n’avait certainement pas envisagé, 36 heures auparavant, un retour à Marseille dans de telles conditions". Sources : « Méditerranée mer cruelle » 1830-1950 de Pierre Gallocher (Tacussel Editeur)

En août 1940 il est confisqué par l'Allemagne, puis transféré à Unternehmen Seelöwe à Toulon après 1940.

Le 10 janvier 1942, "A 12 h 40, le Lamoricière sombre à 7 milles au nord de Minorque. Le Gueydon a pu récupérer 55 personnes et, à cours de charbon, rallie Barcelone. Le Chanzy en sauve 25 et rentre à Marseille ; L'Obstiné, arrivé à 16 h, ne peut sauver que 13 naufragés réfugiés sur un radeau qui seront hissés sur L'Impétueuse arrivé à toute vitesse". Source.

Bien d'autres évènements marquants donnèrent à la cloche de l'Obstiné l'occasion de faire entendre son son. Il reste émouvant, témoin de la rude vie des marins. La cloche à son tour garde la trace de son séjour dans la Méditerranée. Elle fut couverte de calcaire et de coquillages dont certains restent encore visibles par en dessous.

L'Obstiné fut définitivement démoli en 1948.

Bonnes fêtes... Broderies russes à hauts reliefs...

2008-12-18T00:18:00.009+01:00

Dorure, velours rouge... Ces codes couleurs nous rapprochent de Noël et m'invitent à vous souhaiter de bonnes fêtes de fin d'année. J'aimerais aussi vous remercier pour vos visites sur ce petit espace de partage et d'échange, "Sur les pas d'une collection". A bientôt en 2009. Avant cela quelques mots sur ces broderies bosselées, ou broderies à hauts reliefs russes.

Bien avant mon enthousiasme pour les tableaux, je collectionnais quelques étoffes anciennes. Des origines familiales du côté de l'ancienne Russie, m'invitèrent vers ces carrés de soie précieux brodés de fils d'or ou d'argent, au coeur de l'Empire des Tsars.

De la fin du XVIe au XIXe siècle, ils témoignent d'un raffinement et d'une maîtrise du tissage dans les pays de l'Est, que certains font remonter à une haute antiquité.

"La broderie d'or russe est caractérisée par la perfection de sa composition : toutes les représentations s'équilibrent réciproquement dans le plan et restent bien proportionnées, leurs contours sont soumis à un certain rythme intérieur et même l'espace non recouvert par la broderie garde le caractère d'un dessin ornemental. La composition reflétée dans un miroir avec une construction symétrique du dessin par rapport à un axe central vertical est caractéristique de la broderie d'or de la fin du XVIème et du début du XVIIème siècle. Le "peintre en chef" de ces temps ne se pose pas de problèmes de peinture, mais en revanche il est passionné par la recherche du rythme et la distribution des messes dans le plan. La particularité des couleurs de cette broderie constitue un mélange contrastant de l'or et de l'argent sur un fond foncé (de préférence noir ou rouge), ce qui donne à la broderie un aspect solennel."

"Pour la broderie ornementale de la deuxième moitié du XVIIème siècle, les dessins somptueux sont caractéristiques. De cette époque date une composition comportant, au centre, un motif fondamental doté symétriquement, des deux côtés, d'éléments complémentaires. Le plus souvent, il s'agit d'une grande fleur stylisée, richement élaborée, de laquelle partent des rameaux sinueux garnis de feuilles ou de fruits. De telles compositions rappellent, par leurs proportions et leur caractère, l'ornement des vignettes des incunables de l'ancien Moscou". * cf. sources en bas de page.

Dans ces étoffes se conjuguent des éléments totalement opposés, comme la douceur de la soie, et la dureté du métal, qui est presque effacée dans des fils précieux enroulé autour d'une trame de soie.

Les velours brodés de fils d'or ci-dessus composaient les éléments de parures religieuses comme les scapulaires des popes. Ils furent réutilisés ici dans la confection du pourtour d'un large coussin unique et rare. Celui-ci aurait pu orner le canapé d'un salon de l'ancienne famille Brocard à Moscou, ou un siège de leur musée.

De nombreux symboles chrétiens y figurent, comme un calice, un épi de blé, des grappes de raisin, le tout avec grâce et un foisonnement symétrique subtil. Le tissage de l'or aurait pu être identique d'un élément à l'autre, mais la créativité du tisserant s'y exprime dans le moindre motif, avec ici quelques zig-zag savamment disposés, ou des lignes parallèles. Tout cela ajoute un effet de mouvement et de bruissement, comme si la vie reprenait sur ce velours, accentuée par le chatoiement du métal.

(*) Source : "La broderie et la dentelle russes", L. Yefimova et R. Belogorskaïa, Office du Livre, Editions Vilo, Paris, 1982 pour la version russe, 1986 pour la version française. Et ce site bien documenté.

L'art aborigène : meilleur vecteur de savoir dans le temps ?

2008-12-15T00:05:00.015+01:00

Au centre de ce salon, encadré par ces peintures de Maningrida, se trouve une toile peinte de la communauté de Papunya, située au coeur du bush australien. L'artiste Richard Yukenbarri Tjakamarra, star montante, y représente une version du fécond et sacré cycle Tingari déjà présenté ici sur le blog.

Ces toiles attirent l'oeil, me captivent. Certains jours, je reste assis là devant elles et contemple le travail de l'artiste. Des amis me parlaient de leurs expériences esthétiques, face à des tableaux dans des musées. Certains restent assis près de 45 mn face à une oeuvre, s'invite à l'intérieur, redécouvre le geste de son inventeur, se laisse gagner par une harmonie ou un message. Cela ne m'arrivait pas encore. Je restais un zappeur, ému, attentif, mais contemplant rapidement un tableau. Après quelques années de collection, je découvre cette nouvelle façon d'habiter la toile également, d'expérimenter dans le temps, la contemplation l'ensemble de l'oeuvre comme dans le plus infime détail. Cet état contemplatif s'avère étrange et nouricié.

Il est assez fascinant d'imaginer que le dessin d'une oeuvre aborigène, sa complexité, transmettent un savoir, avec un succès inégalé par rapport à l'écriture. Personne ne se souvient du sens des peintures de Lascaux. Inversement, les aborigènes encore aujourd'hui, savent expliquer certaines peintures des grottes, même posées sur les parois il y a plus de 25 000 ans.

Cela questionne en partie mon métier autour du Knowledge Management quant aux meilleurs vecteurs de savoir. L'écriture cautionne le facteur d'oubli de l'être humain. Couché sur le papier, dans un agenda, un texte, un RDV s'émousse dans la mémoire individuelle puis collective.

Finalement l'écriture a combien d'années d'existence ? 4000, 5000 ans ? Guère plus... Un des plus anciens livres ou plaques d'argile, l'Epopée de Gilgamesh, reprend l'histoire d'un déluge. Bien avant la Bible, ce fut la première trace écrite de ce traumatisme dans l'histoire humaine.

Au moment de l'émergence de l'écriture certains voient un grand big-bang. Presque le début de l'histoire humaine. Avec une sorte de mépris, ou de condescendance, d'autres considèrent inversement la Préhistoire. Il y avait pourtant en ce temps-là de grands intellectuels ignorés.
Les mythes fondateurs de l'humanité présidaient, construisaient nos consciences bien avant l'émergence de l'écriture. Imaginez que l'histoire d'un déluge existe également dans l'histoire et l'art aborigène, il remonte à plus de 15 000 ans ou plus.

Dès lors je m'interroge sur la pérennité de la transmission du savoir. Quel support, quelle méthode pédagogique devrions-nous inventer pour le véhiculer sur des milliers de générations ? Face à un monde de l'édition, qui n'a jamais édité autant de livres, comment sélectionner le bon grain de l'ivraie... Les expériences comme Wikipédia restent enthousiasmantes dans une conjugaison de savoirs collectifs. À l’inverse les pistes chantées aborigènes, véritable "songlines", terreaux de transmission, persistent et résistent à des millénaires d'expérimentation...

Age d'or d'Utopia : du pointillisme à un effet de galuchat...

2008-12-08T02:20:00.017+01:00

Lindsay Bird Petyarre, Mulga Seed Men's Dreaming

Collection privée BROCARD II, 234 x 134 cm.

Provenance : Songlines Aboriginal art Gallery

C'est une oeuvre ancienne de la communauté d'Utopia, grande, immense, avec ses deux mètres et 34 centimètres. Il me fallut des mois pour la recevoir après l'avoir évoqué sur le blog ici...

Elle est maintenant face à moi. Littéralement j'y plonge, y découvre l'impression de participer à ce voyage initiatique de collecte des graines d'acacia Mulga, de traverser les lieux... Cette toile pourrait devenir une fenêtre vers un voyage intérieur. La symbolique cerclée des étapes ou lieux de campement prend presque la taille du foyer d'un feu. Cette sorte de ponctuation donnerait envie de s'arrêter autour un instant, de partager leurs histoires, de ressentir la chaleur des liens et des flammes.

La mise de la peinture sur châssis fut un challenge aujourd'hui. Découper le bois, régler les équerres, tendre la toile... Il me fallut plus de deux heures pour poser les agrafes, ajuster, retendre à nouveau. Le lin s'en trouve comme électrisé, le toile vibre de cette tension, les motifs y gagnent en puissance et évocation.

Je dois maintenant lui trouver une place. Sa taille deviendrait presque un problème face aux murs disponibles ou à la hauteur nécessaire. Une rotation des toiles s'imposera. Il me faudra innover, trouver des accroches plus solides, la mettre en valeur. Un pan se dessine là-bas...

J'aime beaucoup ces toiles des années d'or d'Utopia. Le temps n'y comptait peut-être pas encore. Les motifs traditionnels y habitent la toile de façon grandiose et simpliste, tandis qu'une myriade de combinaisons de points soulignent et encadrent l'ensemble comme la matière précieuse du galuchat. Le travail est soigné, extraordinaire. Cela reste réjouissant pour le regard attentif du néophyte comme du passionné.

Il s'agissait de ma dernière toile pour 2008. Une année particulière où les acquisitions furent plus réduites et ambitieuses, et nécessairement étalées sur des mois. Il me faudra dés maintenant trouver un rythme plus modeste pour les années à venir.
Sans doute s'agit-il de l'apanage d'un collectionneur enthousiaste mais raisonné.